I MIGLIORI DISCHI DEL 2014

POSIZIONE NUMERO TRE - VOTO 7

Foo Fighters, Sonic Highways

La pesantissima eredità dell'hard rock americano pesa come un fuscello sulle spalle della gang di Dave Grohl.

Gaslight Anthem, Get Hurt
Songwriting di spessore, riff, cori killer ed introspezione. The Gaslight Anthem, who else?



Old Crow Medicine Show, Remedy
Musica per il perfetto all night long redneck party.

 

 

 

POSIZIONE NUMERO DUE - VOTO 7,5

Sturgill Simpson, Metamodern Sounds in Country Music
Il country del terzo millennio, tra tradizione e echi lisergici.


Bob Wayne, Back to the camper
Anche gli outlaw più irriducibili hanno un cuore. Quello di Bob Wayne batte, a sorpresa, qui.

 

 

 

POSIZIONE NUMERO UNO - VOTO 8

Blackberry Smoke, Leave a scar - Live in North Carolina

Anche se si tratta di un live senza inediti, Leave a scar si merita presenza in graduatoria e primo posto del podio oltre che per la sua qualità, per avermi aperto lo scrigno dei tesori dei Blackberry Smoke.

Matt Woods, With Love From Brushy Mountain
La grande bellezza del country/folk.

 

 

MENZIONE SPECIALE

Inside Llewyn Davis, Soundtrack

Grande merito ai Cohen per averci fatto (ri)scoprire Dave Van Ronk e la sua musica sofferente ed empatica.

ASPETTANDO LA LISTA DEI MIGLIORI DISCHI DEL 2014

Il gioco è sempre lo stesso ma le regole sono cambiate. 
Lo so, sembra il lancio di una serie tv arrivata spompata alla dodicesima stagione, però sintetizza bene i contenuti di quello che, almeno per me, è da sempre uno dei post più attesi e divertenti dell'anno.

Tutti gli eventi che hanno (s)coinvolto il mio 2014, primo fra essi il fallimento della mia azienda e l'aumento di responsabilità in ambito di attività sindacale, mi hanno sottratto non tanto il tempo impiegato per l'ascolto dei dischi (che essendo perlopiù legato ai viaggi in auto resta costante), quanto piuttosto le energie mentali da radunare per elaborare dei pensieri di senso compiuto da mettere su carta on line. Come conseguenza diretta il numero complessivo di post è diminuito, passando dalla media di tre a quella di uno a settimana  e, a ruota, lo stesso è accaduto per le recensioni.

Ho mollato un po', è vero, ma ho anche rinunciato a qualunque velleità da "critico professionista", prendendomela comoda con la sedimentazione degli album ed esprimendo le mie considerazioni anche a diversi mesi di distanza dall'uscita dei dischi. Mi sono dedicato solo a ciò che mi andava di ascoltare nel dato momento, non assecondando necessariamente i miei gusti canonici (per fare un esempio ho ascoltato pochissima americana, riuscendo a trovare l'ispirazione per mettere sotto il nuovo di Lucinda Williams, universalmente riconosciuto come capolavoro, solo in questi giorni), nella consapevolezza che per le cose di valore il tempo prima o poi si trova.

Volendo puntualizzare, la lista di dischi che seguirà non è nemmeno specchio fedele dei miei orientamenti musicali dell'anno, visto che il 2014 ha visto il prepotente ritorno dell' hard rock/heavy metal, ma quasi sempre invecchiato di almeno vent'anni e quindi non candidabile per la competizione.

Quindi, ecco come mi sono organizzato: una volta identificati i miei dischi preferiti, a differenza degli anni precedenti, non ho operato "forzature" per raggiungere il numero prefissato di dieci (o addirittura quindici) titoli e ho chiuso i giochi. Non avendo un disco che si staglia sugli altri, ho distribuito gli album per fasce contraddistinte da un giudizio espresso in voti da zero a dieci. Tutto qui.

So di ripetermi ma voglio ribadirlo: questa non è la classifica dei must have  del 2014, ma semplicemente la lista dei cd che ho più amato nel corso degli ultimi dodici mesi. I titoli che finiranno degli annuali per essere tramandati ai posteri sono ben altri. Questi, al massimo potrebbero trovare spazio nella mia personalissima capsula del tempo.

A domani.

Pierpaolo Capovilla, Obtorto collo

Partiamo dall'apparenza. Dai colori. Le copertine dei tre album del Teatro degli Orrori avevano tutte una forte componente di tonalità scure, con una prevalenza di nero a rappresentarne inequivocabilmente i contenuti. Per questo la cover di Obtorto collo, il cd dell'esordio solista di Pierpaolo Capovilla, mi ha totalmente spiazzato. Dal buio siamo passati ad una deflagrazione di luce bianca talmente abbacinante e intensa da consumare i contorni della sagoma del cantante.

Sulle prime trovo la cifra stilistica dell'artwork molto fighetta e temo lo stesso per la direzione artistica dell'opera. Per fortuna mi sbaglio.

Invitami, la traccia di apertura del lavoro, è infatti incisa nella più solida tradizione degli opening del Teatro degli Orrori. Un pezzo minimale, notturno, recitato più che cantato. La musica è confidenziale ma le parole del testo sono sferzanti (La metropoli comincia a starmi stretta / In campagna la gente è troppo ignorante /  Io non mi riconosco più / In questi luoghi e in queste circostanze). 

Nel complesso la prima parte dell'album riesce nell'impresa di portare l'esperienza dei TdO ad uno step successivo, concedendo qualcosa ad una più ampia fruibilità delle canzoni ma senza rinunciare ad una forte connotazione identitaria. Non a caso nel primo gruppo di tracce si trovano i due singoli estratti dall'album: Dove vai e Come ti vorrei.

Stilisticamente l'impronta capovilliana è inconfondibile, anche se priva dell'aggressività della sezione ritmica dei TdO o della cazzimma post rock dei One Dimensional Man. Qui ci si muove su terreni più algidi, improvvisamente incendiati dalle asprezze di alcuni passaggi delle liriche e puntellati da raccordi di sax tenore che esplodono senza preavviso come autobombe nella notte silenziosa.

Nell'economia della distribuzione dei pezzi, Irene, la composizione più debole, è piazzata a metà tracklist, come fosse una camera di decompressione che precede un trittico di canzoni claustrofobiche, dalle quali emergono Quando, con l'autore che torna ad interpretare, stavolta in maniera inequivocabile, un personaggio femminile messo alla prova da una relazione degradante e Ottantadue ore, sviluppata sulla figura di Francesco Mastrogiovanni, maestro elementare e anarchico, deceduto in circostanze mai chiarite. Il pezzo che dà titolo all'album è anche, con la sua melodia sghemba e dissonante ed un'interpretazione alla Nick Cave, uno uno dei picchi dell'opera.

La chiusura di Arrivederci è un altro tributo, stavolta dedicato al poeta Andrea Zanzotto.

Obtorto collo è un'opera sicuramente imperfetta, a tratti ridondante e non sempre efficace a livello di songwriting. Sarebbe però ingeneroso non riconoscere l'eccellenza di una manciata di brani come, ad esempio,  Invitami, Come ti vorrei, Quando e Obtorto collo rispetto al contesto del panorama musicale italiano e alla storia stessa del suo autore. E' inutile continuare a porre l'accento sull'arroganza artistica, croce e delizia della cifra stilistica di Pierpaolo Capovilla: questo tratto caratteriale è senza dubbio componente essenziale del suo talento. A volte può tracimare e rovinare il raccolto ma quando coglie nel segno è capace di scuotere ed emozionare come pochi altri. E quest'album, seppure in misura altalenante e discontinua, ne è l'ennesima dimostrazione. 

Shaman's Harvest, Smokin' hearts & broken guns

Ci sono album che rimangono impressi nella memoria e che idealmente vanno a costituire la discoteca di una vita e poi ce ne sono altri che ti fanno trascorrere alcuni momenti piacevoli senza avere nessuna pretesa di lasciare tracce nella tua esistenza.

Come potete immaginare Smokin' hearts and broken guns degli Shaman's Harvest si colloca nella seconda categoria.
Il gruppo del Missouri, attivo sulla scena hard rock/nu metal da poco meno di dieci anni, in passato è riuscito a mettere la testa fuori dall'anonimato grazie ad un singolo di successo (Dragonfly, qui inserito come bonus track in versione acustica) e alcuni pezzi prestati al wrestling (Broken dreams, End of days), a testimoniare la vocazione musicale tutt'altro che omeopatica della band. Discograficamente fermi dal 2009 (anche a causa dei problemi di salute del singer Nathan Hunt), gli Shaman's Harvest hanno ricevuto nuovi impulsi e motivazioni a tornare in studio grazie all'interesse attivo manifestato nei riguardi della loro musica da Chad Kroeger dei Nickelback, che li ha aiutati a produrre questo Smokin' heart and broken guns.

L' album si apre con il possente e irresistibile Dangerous, pezzo ignorante quanto basta per raggiungere la nostra parte più buzzurra, e poi mette in fila disciplinatamente undici pezzi tra midtempo alla P.O.D. (Here it comes); immancabili ballate introspettive (The end of me; In the end); assalti da sfrenato headbangin' (Country as fuck); cover dalle quali era forse lecito aspettarsi una maggiore badass attitude (Dirty Diana di Michael Jackson).
Classico album con una manciata di pezzi buoni e altrettanti filler, divertente senza l'intenzione di essere memorabile.

Sturgill Simpson, Metamodern sounds in country music

Quando la situazione in casa lo consente, il bagno in vasca diventa uno dei momenti di massimo relax della giornata. Me la prendo comoda preparando accuratamente l'acqua, spegnendo le luci e accendendo magari delle candele, comunque mettendo sempre della musica di sottofondo.

La prima volta che ho ascoltato Metamodern sounds in country music mi trovavo in questo stato, completamente immerso nell'acqua profumata e bollente, con la mente che vagava libera. Avvertivo la musica come provenire da un luogo lontano, imprecisato. In quel limbo tra coscienza e incoscienza, non mi sono accorto subito che la delicata melodia acustica di Just let go era già da qualche istante confluita in un impasto acido psichedelico fatto di riverberi, distorsioni e sovrastrati sonori non dissimili a quelli usati dai Led Zeppelin in Whole lotta love. Ero precipitato nella traccia numero nove della tracklist: It ain't all flowers. Un'esperienza quasi mistica, anche se non esattamente quello che ti aspetti da un album di traditional country.

D'altro canto la copertina dell'album (che in qualcosa richiama Red headed stranger di Willie Nelson) avrebbe dovuto instradarmi. Quello sfondo cosmico ad incorniciare l'immagine seppiata di Sturgill non poteva essere buttato lì ad minchiam.

E infatti Simpson, dall'alto di una voce perfettamente coerente con il genere honky tonk ma capace di spaziare praticamente in ogni stile, dopo aver fatto intravedere le sue potenzialità nell'esordio dell'anno scorso (o meglio del 2013), ha fatto emergere più pienamente la sua personalità e le sue sfaccettate influenze con un disco che appena sotto la patina di ottimi pezzi country nasconde tutto un universo allargato di mondi oscillanti e dissonanze.

L'ottimo attacco di Turtles on the way down e il successivo outlaw style Life of sin (Quality of life has got me down / Well sex is cheap and talk is overrated / And the boys and me still working on the sound) mettono subito in chiaro la disinvoltura con cui l'artista del Kentucky si muove nel campo da gioco del country tradizionale (che molto deve a Haggard e Jennings) e la sua ottima capacità di songwriting.

Come una formidabile sirena Simpson dipana le sue straordinarie melodie attirando l'ascoltatore in mare aperto grazie al fascino di pezzi come Living the dream (a dispetto del titolo una corrosiva critica sul vivere americano con versi come I don't have to do a goddamn thing / except sit around and wait to die), la cover di The promise della band inglese When in Rome interpretata con piglio da cantante confidenziale, il pure honky tonk di Long white line, il delizioso country gospel di A little light fino all'introspettiva Just let go di cui parlavo in premessa. A quel punto, l'incauto marinaio/ascoltatore non può più sottrarsi alle spire soniche che lo spingono giù, nel vortice psichedelico nei quasi sette minuti di It ain't all flowers. E se non proprio dolce, il naufragar in questo mare, è sicuramente molto sciamanico.

Ci sono vari modi di immettere linfa vitale nel country sottraendolo alla mercificazione spicciola propria di uno dei pochi generi rimasti (insieme al metal) a reggere le sorti del mercato discografico. Di certo è maledettamente complicato coniugare l'amore per questa musica con la spinta innovativa necessaria a tirarla fuori dai rassicuranti schemi moderni. Si rischia l'isolamento (come gli outsider Bob Wayne o Matt Woods) o di perdere la brocca (come purtroppo a volte capita a Hank III). Sturgill Simpson sta cercando la sua via al country percorrendo una strada che, sebbene sia solo agli inizi, già ha detto molto. La curiosità sulle scelte future di un così dotato artista è tanta: continuerà a produrre musica al tempo stesso confortevole e spiazzante o accetterà un produttore di successo e si consegnerà alla corazzata CMT? 

Probabilmente lo scopriremo presto. Intanto Metamodern sounds in country music è uno dei dischi più significativi dell'anno appena terminato.

Ben Vaughn, Texas road trip

Ben Vaughn è in giro da un po'. Se non lo conoscete o il suo nome vi dice qualcosa ma non riuscite bene a metterlo a fuoco, è perché, pur avendo oltre trent'anni di discografia sulle spalle, l'indie americana suo marchio di fabbrica (presente, oltre che nei suoi album anche nelle diverse collaborazioni con cinema e tv), è sempre stata a margine del music business che conta. Perciò, per scelta o rassegnazione, l'artista di Philadelphia ha cominciato ad affezionarsi al suo isolamento e alla sua indipendenza,  smettendo di curarsi anche delle dinamiche promozionali che, in ogni caso, ormai esistono solo per i "top player". E' anche per questo che il ritorno dopo otto anni di assenza di Ben, celebrato con due dischi nuovi di zecca che rispecchiano le sue diverse anime, non viene celebrato nemmeno sul sito personale dell'artista. Una scelta, in un epoca in cui le notizie corrono sui social network alla velocità della luce, da beautiful loser.

Di Desert trailer sessions, registrato all'interno di una vecchia roulotte Silver Streak solo con l'accompagnamento della chitarra,  parleremo in seguito. In questa sede rivolgiamo la nostra attenzione allo scoppiettante Texas road trip, un fulminante ten tracks da trentuno minuti imbevuto della passione per quel melting pot musicale che agita il territorio tra gli USA e il Messico.

Tejano o se preferite Tex mex sugli scudi quindi, con i santini di Ry Cooder, Sir Douglas Quintet e Flaco Jimenez a sorridere sornioni già sull'attacco di Boomerang e a ridere di gusto davanti alle fisarmoniche, ai violini e alle vihuela che incendiano Miss me when I'm gone e Fox in the hole.

Texas rain rallenta i giri del motore attraverso un mood neanche a dirlo da highway polverosa e deserta, mentre le scarne ma poderose contaminazioni rockabilly di Sleepless nights, Seven days without love e Six by six tornano ad attivare la modalità più caciarona dell'album.

Un discorso a parte merita Heavy machinery, affasciante, spettrale e notturna, per la quale credo di non farla fuori dalla tazza nell'evocare lo stile notturno di Stan Ridgway con o senza i Wall of Voodoo.

Se amate il genere o volete avvicinarvici attraverso una nuova release (a seguire sarebbe doveroso il recupero dei classici), Texas road trip è il bignami perfetto: divertimento, atmosfera e rispetto della tradizione vanno festosamente a braccetto con una manciata di inediti nati dall'ispirazione di un artista schivo e appassionato che, speriamo, da oggi cominci a restarvi più presente.

Garth Brooks, Man against machine

Stavo per tediarvi con una breve cronistoria di vita e carriera di Garth Brooks, poi per fortuna mia e vostra mi sono reso conto che l'avevo già scritta qui, perciò se vi va andate a leggerla e una volta tanto saltiamo i convenevoli. 

Diciamo soltanto che in un periodo, gli anni novanta, in cui i miei gusti erano agli antipodi rispetto al country, Brooks mi ci ha fatto avvicinare e ancora oggi che di redneck music ne ascolto invece a vagonate, resta lui l'unico artista mainstream che seguo. Attendevo dunque con una certa eccitazione il suo ritorno sulle scene, dopo il lungo esilio volontario (l'ultimo disco è del 2001) per stemperare le tensioni con il music business e godersi seconda moglie (la collega Trisha Yearwood) e figli.

Le cicatrici delle sue battaglie contro major e file sharing si prendono comunque la scena con l'apertura di Man against the machine, titolo dell'album e della prima omonima traccia, deputata ad introdurre l'opera. Brooks sceglie non a caso di ripresentarsi sulle scene attraverso un brano non country ma venato di soul bianco, corredato da un lirismo drammatico e avvalendosi di un arrangiamento che, nonostante danzi in pericoloso equilibrio con il farsesco per l'uso di campionamenti di soldati in marcia, risulta convincente.

Sono necessari invece più ascolti per convivere con la scelta dell'artista di mettere da parte i pezzi più tirati e concentrarsi sulle atmosfere maggiormente introspettive e sulle ballate, nelle quali comunque la classe superiore di Garth emerge cristallina, come in She's tired of boys (interpretata in coppia con la Yearwood), nella spettacolare Cold like that o in Mom, l'immancabile (in ambito country) dedica alla madre. Il disco va su di giri unicamente con Rodeo and Juliet, honky tonk che riporta ai bei tempi di Ropin' the wind, per poi tornare a farsi riflessivo con Cowboys forever, Send'em down the road, You wreck me o il country-blues Tacoma.

L'album, uscito a novembre,  non ha spaccato le classifiche americane come erano solito fare le precedenti produzioni di Garth Brooks, di acqua sotto i ponti, musicalmente parlando, ne è passata tanta in quasi tre lustri, ma le canzoni di Man against the machine hanno dalla loro le caratteristiche giuste per diventare dei classici moderni e l'album un buon long seller.

L'elemento più importante è che Garth sia tornato. Certo, non ha sfornato un capolavoro, ma solo una raccolta di canzoni pregiate, suonate ed interpretata con passione. E con tutta la roba usa e getta che gira a Nashville di questi tempi, va benone così. 

Speriamo solo di non dover attendere altri tredici anni per il prossimo episodio (il numero dieci) della sua discografia.

I miei guilty pleasures di Natale

Quello dei dischi natalizi è un rito irrinunciabile negli Stati Uniti, dove, tradizionalmente, già settimane prima delle feste, si assiste ad una vera e propria eruzione di album a tema. Da noi la cosa è ancora considerata abbastanza kistch e solo ultimamente artisti di varia levatura (a memoria mi sovvengono Irene Grandi, Baglioni e... Valerio Scanu) hanno provato a cimentarsi con questa prova.

Devo confessare che lo sconfinato amore che nutro per la musica e il fascino un pò infantile che ancora subisco per il Natale mi ha fatto, nel tempo, apprezzare qualcuna di queste opere. Da qui l'idea di dedicare il post natalizio ad una succinta playlist di quei dischi a tema (suddivisi per genere) un pò guilty pleasures ma tutto sommato anche no.

Country

Il country è probabilmente il genere che più di ogni altro "ha dato" al fenomeno christmas records. La lista di artisti che hanno sfornato dischi natalizi è pressochè infinita, e contiene i massimi esponenti del genere (incluso Johnny Cash), gli outsiders e i cantanti più commerciali.

La mia preferenza va a Martina McBride, il cui White Christmas, uscito per la prima volta nel 1998, è stato più volte ristampato con tracks aggiuntive (l'ultima re-release è dell'anno scorso).

Soul

Phil Spector, A Christmas gift for you from Phil Spector. Grande groove nelle versioni  degli standards stagionali ad opera di Ronettes, Crystals e Darlene Love

Boogie woogie/Rock and Roll/Big Orchestra sound

Brian Setzer, Christmas rocks! The best of collection. Eccone un altro che sul tema ha detto molto (almeno tre dischi). Questa dovrebbe comunque essere l'opera definitiva: venti tracce che sferzano i classici con la verve rockabilly che ci si aspetta da Setzer, ma anche con suite orchestrali di pezzi di musica classica, come lo Schiaccianoci, o jazz, come My favorite things.

Heavy Metal

Twisted Sister, A twisted Christmas. Non poteva mancare, in questo sunto natalizio dei miei generi di riferimento, l'hard rock. E allora sotto con l'imprevedibile lavoro della band di Dee Snider, uscito nel 2006. Irriverenza e divertimento garantiti.

E buon Natale in musica ai lettori di Bottle of Smoke.

John Mellencamp, Plain spoken

A pochi mesi dalla pubblicazione del suo primo disco dal vivo (l'eccellente Live at Town Hall) arriva nei negozi (perlopiù quelli online, purtroppo) Plain spoken, il ventesimo album di John Mellencamp. E a confermare la trance agonistica degli ultimi tempi e l'ottimo stato di ispirazione del nostro, anche questa volta si tratta di un eccellente prodotto. Ostico se vogliamo, perchè a fronte di una manciata di melodie dalla presa immediata ne contiene altre che pretendono la giusta sedimentazione, ma eccellente.

In ogni caso, dopo la recente esperienza di No better than this, album frettolosamente accantonato per poi essere incondizionatamente amato, il sottoscritto non si fa più fregare e concede al vecchio Coguaro tutto il tempo che necessita per imporre stile e pezzi nuovi. Tanto lo avete capito da tempo che non è su questo blog che dovete cercare le recensioni agli album appena usciti o addirittura che ancora devono farlo.

L'inizio di Plain spoken è perfetto nel suo presentarsi rassicurante e confortevole, al pari di una casa riscaldata da un grande camino nella quale si viene invitati dopo aver trascorso una giornata al gelo. Troubled man, Sometimes there's God e The isolation of Mister ci mostrano un Mellencamp al suo apice di scrittura e, sopratutto, di interpretazione, grazie ad una voce sempre più dolente e ferita, ma più che mai evocativa. Il pattern è quello rurale degli ultimi anni, cioè l'essenzialità fatta melodia: violini e chitarre acustiche a competere con delicatezza con il cantato.

Con The company of cowards siamo invece in presenza di un reggae sui generis che viene, come il blues dell'album Trouble no more, reinventato attraverso la strumentazione della band, che lo suona come se appartenesse non ai rasta jamaicani ma alla provincia rurale americana di inizio secolo.

Le tematiche affrontate nell'album, oltre a coinvolgere gli aspetti sociali tradizionalmente cari all'artista, si inoltrano per una volta dentro i sentimenti più intimi e personali di Mellencamp. Così Tears in vain riflette le emozioni del cantante in merito alla fine, dopo vent'anni, del matrimonio con la prima moglie, accusata velatamente ma non troppo di tradimento. Le considerazioni sui pessimi tempi che viviamo deflagrano invece rumorosamente nel New Orleans blues di Lawless time, che chiude come meglio non potrebbe il lavoro.

La critica illuminata può dire quello che vuole di John Mellencamp: che è diventato autoreferenziale, retorico, paternalistico o prevedibile, ma se vi interessa la mia opinione è esattamente in questo modo che dovrebbe invecchiare uno che al genere americana o heartland ha dato così tanto. Scavando nelle radici di quella musica, portandola a nuovi ascoltatori, traghettandola nel futuro. Facendolo peraltro attraverso composizioni inedite quasi sempre coerenti col proprio ingombrante passato, a dimostrazione che quando l'ispirazione scorre fluida non servono arrangiamenti ridondati o produzioni sofisticate per far emergere le Canzoni. 

Un esempio, una scelta di vita artistica che farebbe bene, ne sono sicuro, anche a un certo Bruce Springsteen.

AC/DC, Rock or bust

Le premesse alla recensione vera e propria di un nuovo album degli AC/DC rischiano sempre di diventare la parte più corposa del pezzo. Ma come si può sorvolare sull'unicità di questo gruppo, che dal 1974 è riuscito nella solo apparentemente semplice impresa di fendere prog, disco, punk, new wave, metal, glam, grunge ed ogni altro genere e sottogenere abbia monopolizzato l'attenzione degli ultimi otto lustri di storia musicale americana, armato solo di un sound che nel tempo ha oscillato dal blues all'heavy metal e dagli inconfondibili ricami di boogie rock generati dalla Gibson di Angus Young?

Facile sostenere che suonino sempre gli stessi due-tre pezzi, se fosse così banale sopravvivere al tempo, agli acciacchi, alle sciagure e ai cali di ispirazione, riuscendo quasi sempre a fornire prodotti all'altezza della propria storia, la band di Young e Johnson oggi sarebbe in buona compagnia, invece di godersi la propria mitologica solitudine.

E comunque in Rock or bust gli AC/DC non si limitano a confezionare la "solita" manciata di canzoni trascinanti ma prevedibili (rientrano appieno in questa categoria sicuramente la title track e Play ball), ma tornano in maniera convincente alle origini con l'incipit in pieno mood jump blues di un pezzo come Baptism by fire, flirtano addirittura con Dazed and confused dei Led Zeppelin con l'ottima Rock the house, ci regalano un midtempo (sottovalutata specialità della casa) memorabile che risponde al titolo di Dogs of war. Insomma, quello che, anche per le recenti defezioni del membro fondatore nonchè fratello di Angus Malcom Young (per gravi motivi di salute) e Phil Rudd (guai grossi con la giustizia), potrebbe essere l'ultimo disco degli AC/DC si presenta senza nessuna malinconia ma con gli stessi, consueti, fuochi d'artificio sparati a cannonate nei concerti durante la festa finale di For those about to rock. 

Un disco che stupisce. Anche se ti dà esattamente quello che ti aspettavi.

Foo Fighters, Sonic Highways

In tutta onestà, sulle prime, dopo aver letto le recensioni degli amici blogger Ale e Filo ed essendomi del tutto riconosciuto nelle loro considerazioni, mi è parso inutile sforzarmi di dire qualcosa di mio in relazione a Sonic highways dei Foo Fighters. 

Se ho successivamente cambiato idea è solo perchè mi sembrava giusto segnalare anche da queste pagine un disco tra i più importanti ed attesi dell'anno, le cui canzoni non s'impongono istantaneamente ma richiedono tempo e pazienza per emergere. 

Proprio come i veri classici.

Proprio come i Foo Fighters, che sono cresciuti esponenzialmente album dopo album, divenendo, verrebbe da dire loro malgrado, uno dei più importanti punti di riferimento della musica rock americana. A differenza di altre band però, quella di Dave Grohl appare totalmente consapevole del ruolo ereditato e nel caricarsi il pesante onere sulle spalle non perde la bussola ma compie un'operazione ambiziosa (senza apparire pretenziosa o megalomane) tracciando una traettoria che collega otto città degli states ad altrettanti storie, raccontate attraverso documentari da un'ora ciascuno diretti dallo stesso Grohl e dalle otto tracce che compongono la release.

Purtroppo al momento di scrivere sono riuscito a vedere solo tre dei documentari (sono trasmessi dalla HBO con cadenza settimanale) che accompagnano i pezzi, ma mi sembra di poter affermare che il rischio agiografia è stato elegantemente superato e che l'attenzione del regista si concentra su territori e artisti determinanti per la crescita musicale americana e su come essi abbiano influenzato se stesso e la sua band.

Tornando al disco, anche qui si percepisce un respiro più ampio, un affrancarsi dal rock più diretto e stadaiolo del passato, senza però rinunciare all'empatia e alla tradizionale, contagiosa energia  del gruppo.

Something for nothing, che apre il lavoro, in virtù di un inizio lento e della deflagrazione del ritornello solo nella parte conclusiva, coniuga efficacemente vecchi e nuovi Foo Fighters, che comunque poco più avanti si riappropriano della loro piena identità in Congregation (ospite Zac Brown), all'interno della quale fa bella mostra un break strumentale alla Deep Purple mark II. 

I miei pezzi preferiti una volta tanto sono anche quelli più lunghi, ed arrivano in coda all'album: i quasi quindici minuti di melodia e accelerazioni di Subterranean e I am a river condensano in maniera emozionante vent'anni di passione in musica, ponendo il sigillo a quello che di certo è un punto d'arrivo e ripartenza importante per una band rigorosa che ha sempre dato l'impressione di raggiungere i suoi enormi traguardi con naturalezza e senza sforzo. 

Di certo non è così, ma anche questa è una caratteristica dei grandi.

Blackberry Smoke, Leave a scar: live North Carolina

Normalmente non mi piace cominciare ad approcciare band che non conosco attraverso dischi dal vivo, preferisco costruire prima una certa conoscenza dei lavori in studio per arrivare preparato al fatidico momento del live album. Quella dei Blackberry Smoke è la classica eccezione che conferma la regola. Li ho scoperti proprio grazie a questo Leave a scar: live North Carolina per poi andare all'indietro, ripercorrendo gli album che ne hanno costituito l'ossatura. 

La band nasce ad Atlanta nei primi anni zero e subito si contraddistingue per l'intensa attività concertistica. Propone un southern rock legato alla solida tradizione di quelle parti, ma ha dalla sua la capacità di tramandarlo attraverso un valido songwriting e pezzi che sembrano già nascere con il marchio dei classici. 

Dal 2004 ad oggi pubblicano tre soli album ma suonano dal vivo qualcosa come duecentocinquanta giorni l'anno, consolidando un buono zoccolo di fans, tra i quali figura anche Zac Brown. 

Era giunto dunque il momento di elaborare un documento che testimoniasse i chilometri e il pubblico accumulato in tutti questi anni e la band lo fa in grande stile, con un doppio cd (accompagnato da un dvd) da ventidue tracce, nel quale l'alchimia tra southern e country, specialità della casa, emerge in tutta la sua scintillante meridionalità.

Grande spazio è concesso all'ultimo disco pubblicato, quel The wippoorwill, con il quale il combo ha annusato per la prima volta le charts americane. A partire da Shakin' hands with the holy ghosts che apre la tracklist, passando per Six ways to sundays, One horse town, Lucky seven, Pretty little lie la più recente opera dei BBS è rappresentata nella sua sostanziale interezza. Con Son of the bourbon e Lesson in a bottle trova buono spazio anche l'EP country New honky tonk bootlegs che i cinque georgiani hanno pubblicato nel 2008 a ribadire la stretta vicinanza con l'altro genere imperante da quelle parti degli States. 

Se vogliamo identificare attinenze e differenze con la band di riferimento di ogni southern rocker che si rispetti, vale a dire i Lynyrd Skynyrd, laddove ad esempio la matrice dei pezzi è molto identificabile con quella dei fratelli Van Zant, lo è molto meno il fattore jam band che porta a dilatare i pezzi dal vivo ben oltre il consentito. In questo Leave a scar solo una traccia, Sleeping dog, lascia andare la briglia dell'improvvisazione oltre i dieci minuti di timing, per il resto è quasi tutto dentro i limiti dei quattro-cinque minuti. 

Nonostante il southern rientri solo saltuariamente tra i miei generi preferiti, devo ammettere che ho preso una bella sbandata per i Blackberry Smoke, i cui dischi resistono in buona rotazione sui miei impianti al punto che la band si candida ad essere la miglior (mia) scoperta del 2014. 

Tra l'altro, per i primi mesi del 2015 è prevista l'uscita di Holding all the roses, nuova release dei BBS prodotta da niente di meno che da Brendan O' Brien. 

Sperando che il noto produttore non condizioni troppo il sound della band, attesa e curiosità sono già a livelli adolescenziali. 

Buon segno.

The Gaslight Anthem, Milano 10 novembre 2014

Lunedì mi sono svegliato stanco e per niente ristorato, come del resto mi capita ogni mattina di quel giorno della settimana, e, onestamente, l'idea di uscire di casa per lavoro alle cinque e mezza e tornarci alla una per vedere il concerto dei Gaslight Anthem non mi metteva le ali ai piedi, per usare un eufemismo. Poi la giornata lavorativa è passata e mano a mano che ci si avvicinava all'ora di inizio dello spettacolo l'eccitazione del dinosauro rock ha cominciato a prevalere sulla sonnolente stanchezza strutturale che mi porto in giro da un pò. 

Quindi eccomi all'Alcatraz giusto in tempo per vedere il secondo gruppo d'apertura (il primo erano i Bayside e l'ho perso): i Deer Tick. La supporter band arriva da Providence, Rhode Island ed è attiva da sette anni e cinque album, propone un improbabile look da impiegati di banca ma compensa con un sound intrigante, sospeso tra college rock, country, rockabilly e fumi psichedelici (il pezzo conclusivo). Li accogliamo con entusiasmo e i ragazzi sembrano apprezzare. 

I Gaslight arrivano dopo una quarantina di minuti e attaccano con Stay vicious, pezzo slabbrato e acido che adoro visceralmente e che apre anche l'ultimo album Get Hurt. A seguire accendono la miccia con una versione dinamitarda di 59 sounds (nel corso del tour l'avevano proposta anche acustica) che fa letteralmente esplodere l'entusiasmo dei fan, esplicitato attraverso corposi singalong e spettacolari esibizioni di crowdsurfing (che continueranno per tutto il concerto). La scelta della band di picchiare duro ed accantonare la parte più introspettiva della propria identità appare evidente e bisogna arrivare a un terzo del concerto perchè i ritmi rallentino un pò, con l'attacco di Get hurt (altro pezzo monstre). Ma è una calma effimera, perchè i cinque riprendono subito a pestare con una Biloxi Parish dalla lunga coda strumentale che si fonde imprevedibilmente (e con mia massima goduria!) con War pigs dei Black Sabbath, proposta per le prime due strofe. 

Prima del concerto avevo addocchiato qualche setlist del tour e, vedendo che si andava dai venticinque ai trenta pezzi per serata, mi ero figurato una gig che si sarebbe protratta per almeno tre ore. In realtà, dopo che  la band ha infilato una mezza dozzina di brani nei primi quindici minuti ho realizzato che non ci sarebbe stata correlazione tra durata dello show e numero di canzoni suonate, anche per la singolare richiesta  formulata da Fallon, e approvata dal pubblico, di saltare la liturgia degli encores (i bis) e suonare tutta la setlist in un'unica soluzione, dall'inizio alla fine. 

Tornando alla cronaca del concerto, ho molto apprezzato la lunga ed avvolgente versione di Too much blood (su Handwritten) così come Selected poems e Sweet morphine, dall'ultimo (continuo a ripetere, ottimo) lavoro in studio. Il rammarico per l'orientamento punk-rock manifestato dalla band si concretizza tutto quando mi tuffo estasiato nella versione rallentata di Great expetactions, ovvero come tramutare una tirata rock  in un gioiellino vagamente fifties. Poi l'esecuzione di 45 torna a sconquassare le fondamenta dell'Alcatraz e il trittico We're getting a divorce, you keep the diner; She loves you e The backstreets chiude la serata lasciandomi con diverse luci ma anche qualche ombra, che va oltre il rammarico per la mancata esecuzione di alcuni pezzi che amo in particolare (American slang, Ain't that a shame, Film noir, Wherefore art thou, Elvis; Blue jeans and white T-shirt).

I Gaslight Anthem (nonostante una certa staticità sul palco) hanno infatti scelto rumore e monoliticità in luogo delle altre sfumature musicali che sanno sicuramente esprimere. Capisco che sia un'opzione quasi fisiologica con una formazione a tre chitarre elettriche (che non vengono cambiate mai, nemmeno durante i lenti), ma, magari anche a causa della mia età, avrei preferito si fossero aperti ad un più ampio spettro sonoro, secondo me consono alle corde del gruppo e in particolare di Brian Fallon, come ampiamente dimostrato anche nel progetto parallelo degli Horrible Crowes. Ecco, a voler trovare un difetto alla serata mi limiterei a questo elemento, comunque non sufficiente a scalfire l'affetto per la band e il sano divertimento di  vederla on stage.

Steel Panther, All you can eat

La musica rock, per chi scrive, è una cosa dannatamente seria. Anche se suoni un genere considerato poco nobile come il glam-metal, mi devi dire esplicitamente se ci fai o ci sei, se il tuo modello sono i Poison o gli Spinal Tap. I losangelini Steel Panther non sono ancora riusciti a convincermi su questo punto preliminare. Tutto nei loro atteggiamenti (guardate su youtube il loro tits contest del Wacken 2014), nel look e nei nomi d'arte dei singoli componenti del combo rimanda a quella stagione, nella seconda metà degli ottanta, quando le band agghindate in spandex proliferavano come lombrichi dopo un'acquazzone, ma la goliardia che li contraddistingue è spinta un pò troppo oltre, facendo nascere più di un sospetto sulla "serietà" dell'operazione.

Detto questo passiamo ad analizzare All you can eat, lavoro numero quattro del gruppo, degno successore di quel Balls out che me li ha fatti scoprire. L'opera non si discosta in maniera significativa da quello che ormai è il brand del gruppo: testi sbracatissimi nell'ambito del sesso e delle sue pratiche più border-line (vi basti come indizio Bukkake tears, titolo della traccia numero quattro) su basi musicali che rendono omaggio ai soliti grandi del passato (Ratt, Motley Crue, Poison, Cinderella, i Bon Jovi fino a Slippery when wet). L'album, dal quale sono stati estratti quattro singoli/video: Pussywhipped, Party like tomorrow is the end of the world, Gloryhole e The burden of being wonderful, scorre piacevolmente, strappando qua e là dei sorrisi rassegnati per linguaggio e "metafore" usate dal gruppo (mai una canzone d'amore si era intitolata Fucking my heart in the ass), ma non riesce a dissolvere quel maledetto dubbio iniziale. Alla fine me ne farò una ragione.

Nashville Outlaws, A tribute to Motley Crue

Il gruppo è formalmente ai box dal 2008, in teoria starebbe portando in giro un farewell tour con tanto di carte bollate che attesterebbero la serietà dell'impegno. Al microfono Vince Neil s'è inquartato al punto che sembra si sia mangiato un altro Vince Neil intero. Le possibilità che riescano a scrivere il minimo sindacale di dieci canzoni nuove per riempire un ultimo disco è vicina allo zero. Cosa resta per i vecchi fans di quella che, tra alti e bassi, resta probabilmente la più grande glam metal band della storia? Facile rispondere le canzoni, quelle del passato glorioso, ma anche una manciata delle più recenti. Magari rivisitate in chiave pop country, a certificare l'esiguità del delta tra i due macro generi. Nasce così un tributo la cui qualità, come tutti gli album di questa natura, è poco omogenea e più legata ai singoli episodi e a come ogni artista si pone rispetto alle composizioni originali.

In premessa va detto a scanso di equivoci che non siamo dalle parti delle cover che hanno reso famosi gli Hayseed Dixie, che buttavano in caciara blugrass i grandi del metal. Qui l'approccio è più raffinato e radio friendly, pochi violini e nessun banjo, da produzione nashvilliana moderna, perlappunto.

Tra nomi più o meno noti del country americano, sono pochi quelli che riescono nell'impresa di interpretare con personalità i classici dei Crue. I Rascal Flatts ad esempio, così come Brantley Gilbert, si presentano con un compitino svogliato, senza nessuna idea autoctona che emerga nelle loro versioni di Kickstart my heart e Girls girls girls, che, di conseguenza, si dimenticano con la stessa velocità con la quale passano nel lettore. Ci mettono qualcosa in più le singer Cassadee Pope e LeAnn Rimes rispettivamente con l'ottimo recupero di The animal in me dall'ultimo, molto apprezzato da queste parti e meno in giro, The saints of Los Angeles,  e con una Smoking in the boys room in equilibrio tra pop e jazz. Ci si comincia scaldare, dunque. Giusto in tempo per intercettare uno degli highlights della raccolta: la delicatissima e vibrante Without you, cantata con voce angelica da Sam Palladio, in pieno mood da sequenze finali di Sons of Anarchy, che ci ha abituato a strazianti cover di pezzi storici. Buone anche una suadente Looks that kill (Lauren Jenkins) e una southern Live wire (The Cadillach Three), ma è alla traccia numero dodici che si fermano gli orologi. Entrano in scena i Mavericks e mandano tutti dietro la lavagna in virtù di una Dr. Feelgood che sposta la scena dai vicoli di L.A. allo shore di Miami Beach, ed è festa grande con sensuali movimenti di bacino e suadenti ritmi caraibici. Faccio un eccezione alla mia regola di non allegare video e la posto qui sotto, in modo possiate farvi un'idea della performance di Raul Malo e soci. 

E' tutto qui: Dr. Feelgood rappresenta il colpo di reni di un tributo piacevole ma con pochi guizzi esaltanti. Ad ogni modo i fan dei Crue dovrebbero apprezzare, almeno per qualche giro sul lettore.

Billy Joe Shaver, Long in the tooth

Ha tutto il diritto di essere stanco ed irascibile Billy Joe Shaver, classe 1939 e uno dei padri del movimento outlaw country. L'ha imparato nel peggiore dei modi quello spettatore cafone che dopo avergli rivolto un paio di epiteti di troppo durante un'esibizione è stato raggiunto da una pressante richiesta di scuse accompagnata da qualche proiettile sparato da una pistola che Billy porta sempre con sè. Ma non è per paura delle scomposte reazioni di Shaver se Long in the tooth, primo album di materiale inedito dopo sette anni, ha avuto riscontri generalmente positivi. E' che dischi così ormai li fanno solo quelli che questo genere l'hanno inventato, non esiste un grosso movimento revivalista che riproponga pezzi di questa natura, neppure da parte degli artisti che pure si mantengono integri rispetto all'imperante dinamica mainstream del country. E se c'è qualcuno che può mettere il dito nella piaga delle nuove generazioni sono proprio Billy Ray e Willie Nelson, che aprono in duetto il lavoro con Hard to be an outlaw, assecondando un canone musicale consolidato con una coppia di voci logorate dagli stravizi e dall'età (156 anni in due...) ma più potenti ed evocative che mai. La successiva title track ha un ritmo decisamente più incalzante e si fa apprezzare la scelta inconsueta di utilizzare tra gli strumenti uno scacciapensieri. Non mi sorprenderebbe se il pezzo, così com'è, potesse entrare nel repertorio di Tom Waits. 

L'album nel complesso si presenta nella forma che da qualche tempo considero la migliore: un ten tracks di poco al di sopra della mezzora di musica. E' ben bilanciato tra pezzi introspettivi (il valzer di I love you as much as I can; I'm in love), tracce che devono aumentare le battute per farsi sentire nel caos dei localacci sulle interstate ( Last call for alcohol; Checkers and chess; Music city USA) e sorprendenti border line songs (American me). 

Non ci posso fare niente, sono frocio per gente della risma di Billy Joe Shaver.

The Gaslight Anthem, Get hurt

A detta di chi scrive, il più grande elemento di distinzione tra i Gaslight Anthem e la pletora di bands che affollano il panorama musicale è la capacità di portarti via. Dalla tua stanza, dall' imbottigliamento nel quale sei incastrato con la tua utilitaria, dal vagone della metro che ti porta a casa. Di farti viaggiare con le suggestioni create dal loro brand musicale: una  contaminazione tra new wave e blue collar rock (qualcuno dopo Skin or swim, l'album di esordio, ha azzardato un sodalizio tra Cure e Springsteen) con derive punk. E grunge, almeno a giudicare dall'incipit di Stay vicious, pezzo di apertura di Get hurt, lavoro numero cinque del combo del New Jersey che inizia su svisate di chitarra che rimandano appunto a quella stagione di oltre vent'anni fa, con il cantato di Fallon che, quasi irriconoscibile,  ben si adegua all'andazzo, fino a che un improvviso cambio di registro scioglie la tensione passando dall'acido al confidenziale con una disinvoltura spiazzante. Basterebbe questo per cancellare il passo falso del precedente Handwritten: il gruppo si è ritrovato e ha ritrovato la voglia di comunicare attraverso le tante anime e le passioni musicali dei singoli componenti.

E' solo così che si può centrare una ballata grondante struggimento qual è la title track, splendido esempio del perfetto romanticismo da strada della band. Certo, non mancano nemmeno a sto giro le cambiali pagate a zio Bruce, con gli ululati di Stray paper e sopratutto con le sferraglianti Helter Skeleton e Ain't that a shame, ma i ragazzi sono bravi ad evitare di rimanere intrappolati dentro pericolosi risucchi derivativi e ci regalano altre importanti gemme autoctone come Red violins o la sognante Break your heart. 

Ho letto in giro giudizi tiepidi per questo album, si sarà capito che non li condivido affatto. Forse una band quando arriva al quindo album senza essere diventata gli U2 registra un inevitabile calo di hype da parte degli addetti ai lavori, forse Fallon e soci sono troppo poco star rispetto a colleghi anche meno dotati di loro, forse non è (più? ancora?) stagione per questo genere musicale. 
E' la classica situazione da mixed emotions: spiace per il mancato raggiungimento del successo planetario da parte dei Gaslight, ma così almeno possiamo coccolarci un gruppo che resta, ancora per un pò, solo di nostra pertinenza.

Old Crow Medicine Show, Remedy

Un enorme ed eccitante parco divertimenti. Per gli amanti della musica rurale americana, della old - time, del folk e del country 'n' blugrass, questo rappresentano gli Old crow Medicine Show: la più eccitante string band attualmente sulla piazza. Remedy arriva dopo oltre quindici anni di attività (di cui però solo gli ultimi dieci a livello professionistico) e consuntiva tutte le influenze del gruppo, a partire da quella primaria: Bob Dylan. "Ho ascoltato Bob Dylan e nient'altro. Nient'altro che Bob Dylan per quattro anni. E' stato come andare a scuola." Questo il dichiarato manifesto di Critter Fuqua (banjo, chitarre, violino e voce) , che si traduce fedelmente in pezzi come Brushy mountain conjugal trailer e Sweet Amarillo. Per il resto, rimanendo nella metafora in premessa, l'album è un ottovolante di vorticose emozioni, a partire dalla trascinante cafonaggine redneck di 8 dogs 8 banjos, dove le liriche sono al banale servizio dello  scatenato pattern blugrass, così come per Tuttifrutti erano una scusa per liberare il delinquenziale rock and roll di Little Richard. In altre occasioni invece il songwriting è centrale nella costruzione della canzone e si armonizza con la melodia come un bicchiere di Southern Comfort ghiacciato bevuto in veranda, in una notte d'estate. Mi riferisco a due pezzi straordinariamente evocativi quali l'elegia funebre di Dearly departed friend e ancora di più l'irresistibile Firewater.

Per capacità di suggestionare, abilità compositiva,  tecnica e passione, non credo che al mondo, oggi, esista un'altra band come gli OCMS. Spero di avere l'opportunità di vederli dal vivo, prima o poi. Nel frattempo non posso che indicare Remedy come uno dei dischi del 2014.

Io, Stefano e i One Direction 2/2

 qui la prima parte

Nell'arco della mia vita ho assistito ad un discreto numero di concerti, ma posso tranquillamente affermare di non aver mai sentito un boato dell'assordante intensità di quello che il pubblico di San Siro tributa ai One Direction. Non esagero, una roba che fa tremare lo stadio fino alle sue vecchie fondamenta.

Anticipati dagli anonimi (veri) musicisti che prendono posto nella parte tradizionale del palco, Niall, Zayn, Liam, Harry e Louis (visto? mi sono documentato...) fanno il loro ingresso on stage e subito gratificano la folla con Midnight memories, il cui refrain è supportato da cinquantamila voci gaudenti. I ragazzi si piazzano lungo la passerella centrale e lì resteranno per tutto il concerto, dandosi a turno il cambio all'estremità di essa per eseguire ognuno la propria canzone, mentre gli altri attendono (talvolta un po' annoiati, devo dire) su una panchina posta all'inizio della lingua di palco. E' noto che gli show di Milano verranno immortalati su di un apposito dvd (in uscita a Natale) e quindi ogni atteggiamento dei cantanti appare ancora meno spontaneo di quanto non lo sia già normalmente. Per l'intera esibizione è tutto un invitare la folla al botta e risposta, un elogiare i fan italiani e un proclamare l'emozione di trovarsi nella Scala del calcio. Parti integranti dello spettacolo anche gli immancabili selfie e l'utilizzo di twitter, piattaforma attraverso la quale la boy band risponde ad una manciata di domande inviate al loro profilo dai fans di mezzo mondo. In un'ipotetica classifica dei più sovraesposti la parte del leone mi sembra la facciano Liam, Harry e Liam, con gli altri due un po' più sacrificati.

Scorre la setlist, e, benché permanga forte la sensazione di trovarsi dentro un talent show più che ad un concerto, su qualche pezzo, come Kiss you, Live while you're Young - la mia preferita - , C'mon c'mon, Diana , nemmeno io mi sottraggo al singalong (lo so, vi sarebbe piaciuto vedermi). Tra un effetto speciale e un gioco di luci, con What makes you beautiful si chiude lo show, in attesa dei bis, che, sotto un gradevole drizzle molto english, si aprono con You and I. E' poi il turno di Story of my life, che sarebbe anche un brano piacevole, se il titolo non mi riportasse all'omonimo pezzo dei Social Distortion e, che te lo dico a fare, con Mike Ness che ti rimbomba nella testa finisce ogni suggestione pop. Con Best song ever siamo ai saluti con tanto di coriandoli e stelle filanti.

Stefano, dopo un inizio concerto che l'aveva reso malmostoso (ancora oggi non  ne ho capito il motivo) è stato progressivamente sempre più coinvolto dallo show, al punto dal voler rimanere fino all'ultimo, nonostante la pioggia. Fuori dallo stadio la sua eccitazione è al massimo, e, come gli accade in questi casi, parla a manetta, rovesciandomi addosso impaziente domande e riflessioni a rullo. Lungo la strada antistante il piazzale dello stadio è interminabile la fila dei  genitori in piedi accanto alle auto parcheggiate sul marciapiede con le quattro frecce accese, che attendono il ritorno dei figli impegnati (immagino) nella prima libera uscita della loro giovane vita.

Ripensando al concerto, mi rendo conto che non ci sono state grosse sorprese rispetto a come me l'ero figurato. L'esibizione in se stessa mi ha lasciato proprio pochino, ma l'entusiasmo dei ragazzini, beh, quello è stato veramente contagioso e mi ha trasmesso vibrazioni positive, genuine. Penso che un giro da queste parti avrebbe fatto bene anche a tanti dinosauri musicali un po' snob che ormai la sanno tutta ancora prima che gliela racconti e che non vogliono avvedersi di come i giovanissimi fans delle pop star moderne potrebbero diventare i sostenitori di ben altra musica domani. D'altro canto, anche per molti di noi la curva di apprendimento è iniziata con una qualche passione che probabilmente oggi ci vergogniamo un po' a tirare fuori dagli armadi.

In fondo, per vedere gli AC/DC c'è sempre tempo.

U2, Songs of innocence

La premessa potrebbe durare poche righe o dieci cartelle, ma il concetto di base è semplice. Per quale ragione un gruppo (che è stato) seminale come gli U2 si ostina a voler continuare a proporre nuova musica, quando è evidente come, da quindici anni almeno (dico io, che salvo la loro produzione fino a All you can't leave behind compreso), non ne azzecca una che sia una? 

Non rispondete strofinando pollice ed indice a suggerire l'attaccamento al vil denaro: a parte lo stato di milionaria agiatezza già raggiunto, basterebbe un tour mondiale ogni tre anni, anche in assenza di materiale nuovo, anzi proprio per l'assenza della zavorra di materiale nuovo, per sistemare le quindicesime generazioni a venire di Bono e soci.

Anche perchè ormai di dischi se ne vendono talmente pochi che non rappresentano più la primaria fonte di guadagno di un artista, giusto? Sì, cioè no. 

Perchè proprio qui sta la genialata dei quattro: cedere i diritti del nuovo disco per una cifra abnorme (ho letto cento milioni di dollari ma non avevo voglia di sbattermi per cercare conferme) alla Apple, la quale a sua volta lo regala, inserendolo nella famigerata libreria itunes, ai propri utenti. Risultato economico, mediatico e di penetrazione del mercato raggiunti (si parla di quasi quaranta milioni di ascoltatori), ma rapporto con vecchi fans e puristi in picchiata verticale (rischio calcolato: sono la netta minoranza).

Bene. Ma...la musica? Ho voluto evitare la superficialità dei molti che hanno criticato il nuovo album di Springsteen senza nemmeno averlo ascoltato un paio di volte, e pertanto nell'ultima settimana ho messo in buona rotazione Songs of innocence, ricavandone un'impressione sì di mediocrità e futilità artistica unita ad arrangiamenti spesso ridondanti e incomprensibili, ma anche qualche spiraglio di luce. Ci sono sprazzi di cose buone in Every breaking wave che purtroppo si perdono nell'onnipresente e irritante falsetto di Bono, così come in Iris il cuore sobbalza nel sentire quel pattern di chitarra di The Edge, ma anche qui, quando sembra che abbiano azzeccato una melodia ci pensano quei dannati coretti uh-uuh a farti cambiare idea. Il meglio sta nella coda, con l'old style di Raised by wolfes (sull'IRA e il conflitto in Irlanda del Nord),una Cedarwood road che rimanda all' hard rock dei settanta, l'elegante l'elettronica di Sleep like a baby tonight (a ricordarci la produzione di Danger Mouse) e l'inevitabile slow finale The troubles, eseguita da Bono in duetto con Lykke li. 

In conclusione, se si trattasse davvero di un vecchio ed anonimo ellepì, come la spartana scelta della cover suggerisce, esprimerei due voti distinti per ognuna facciata: decisamente insufficiente la prima, più compiuta la seconda. 

Insomma, non siamo dalle parti dell'attesa resurrezione musicale, ma forse il becchino ha smesso, per un attimo, di piantare chiodi sulla cassa degli U2.