260 mila chilometri dopo

Dopo undici anni e duecentosessantamila chilometri, sebbene a malincuore, sono stato costretto a pensionare la nostra gloriosa station wagon. L'avevo comprata al tramonto dei trenta, la vendo all'alba dei cinquanta. 
Visto tutto il tempo che passo in auto e i chilometri macinati, la nostra Megane non si è mai limitata ad essere esclusivamente un mezzo per spostarsi dal punto A al punto B, ma sovente ha ricoperto il ruolo da secondo ufficio, bar e ristorante oltre naturalmente ad accompagnare i viaggi di famiglia e le trasferte (sempre meno, per la verità) per i concerti. E a proposito di musica, sulla nuova auto appena acquistata ho scoperto che non usa più installare il lettore cd, ma solo una porta usb per chiavetta/smartphone. E così si interrompe anche la consuetudine che prevedeva la mia macchina essere sempre stracolma di cassette (prima) e compact disc (poi). 
Finisce un'epoca.

Atomica bionda (2017)

Berlino, estate 1989. Soffia il vento del cambiamento e i servizi segreti di mezzo mondo si mobilitano per guadagnare una posizione di vantaggio dall'approssimarsi del nuovo scenario geopolitico. Gran Bretagna, Unione Sovietica, ciò che resta della Germania Est e, naturalmente USA, tra giochi e doppio giochi tipici di queste situazioni, cercano di prevalere gli uni sugli altri.

Lorraine Broughton (Charlize Theron) è una delle migliori spie dei servizi segreti inglesi (MI6), ragion per cui viene inviata a Berlino per recuperare un disertore della Stasi in possesso di una lista di nomi di agenti in incognito presenti sul territorio. La copertura di Lorraine salta appena la donna mette piede fuori dall'aeroporto, e da questo momento in poi la deflagrazione diventerà inarrestabile, sullo sfondo di una Berlino est/ovest, ben fotografata in un momento epocale ed irripetibile.

Sapete perchè Atomica bionda (tratto dalla graphic novel The coldest city) è un action/spy ben riuscito?

1: per la prestazione degli attori, tutti credibili e perfettamente calati nella parte (Charlize Theron magistrale, James McAvoy subdolamente affascinate, John Goodman, per il poco tempo in cui appare, sempre magnetico)

2: per i combattimenti corpo a corpo resi in maniera incredibilmente realistica. A questo punto bisogna puntare un riflettore sul regista David Leitch, dietro la mdp già per John Wick (e che ha rinunciato a quel sequel per concentrarsi su questo progetto). Probabilmente la sua precedente attività di stunt man gli ha conferito una dote particolare nel girare sequenze di lotta, tuttavia Leitch non si limita ad avere una buona mano nelle riprese ipertrofiche, basta guardarsi la trovata scenica del corteo dove, per nascondere due fuggitivi, tutti aprono degli ombrelli neri, per rendersi conto che sotto i muscoli potrebbe celarsi del talento.

3: il plot, tutt'altro che innovativo, ma la buona vecchia ricetta del doppio, triplo gioco ben miscelata

4: la colonna sonora rigorosamente eighties che coniuga grandi hits (Father figure di George Michael, London Calling dei Clash, la cover in inglese di Der Kommissar degli After the fire, 99 Luftballons di Nena) con elementi non banali di new wave inglese (A Flock of Seagulls, Siouxsie and the Banshees, il Bowie meno noto di Cat people) e un bel pezzo industrial metal (Stigmate) frutto della collaborazione tra Marilyn Manson e Tyler Bates.

Un film da vedere e un regista da tenere d'occhio, per ogni appassionate del genere.

The Night Flight Orchestra, Amber galactic (2017)

Superband formata da artisti svedesi provenienti da Soilwork, Mean Streak e ancora da Arch Enemy, Spiritual Beggars, King Diamond, i The Night Flight Orchestra esordiscono nel 2012 con Internal Affair, al quale vengono dati tre seguiti, l'ultimo dei quali, Sometimes the world ain't enough è stato rilasciato nelle scorse settimane.

Voglio però concentrarmi sulla penultima uscita del combo, questo Amber Galactic che me li ha fatti conoscere l'anno scorso.

Nell'ormai sterminato campo della retromania, nel quale ognuno trova uno spazio libero da occupare, i TNFO scelgono un ambito effettivamente poco o nulla ricalcato. Con Amber Galactic infatti, il frontman Bijorn Strid e soci traggono ispirazione da un certo pop metal di natura raffinata ed estremamente radiofonico (se fossimo stati negli anni ottanta...) che, per fare un esempio, non è difficile ricondurre allo scarsamente celebrato periodo Dynasty dei KISS, quando si ascolta un gran pezzo pop metal come l'opener Midnight flyer o addirittura ai Toto della seconda parte degli ottanta per una traccia come Domino.

Refrain incisivi, tastiere, sintetizzatori, grande attenzione al lato catchy della composizione, armonie vocali sempre molto incisive, senza dimenticare la lezione elettrica dell'hard rock dei seventies (il prog rock di Saturn in velvet, Space whisperer), il tutto in salsa "space": i brani sono infatti intervallati da una voce femminile che parla in lingua russa (credo),a ricreare un'atmosfera da viaggi spaziali.

Insomma una band che ha scelto una formula derivativa, ma a suo modo personale, e che la esprime in maniera credibile e convincente. 

Per tutti i nostalgici del rock più melodico targato anni ottanta.

Five Finger Death Punch, And justice for none

I Five Finger Death Punch, dopo aver festeggiato i primi dieci anni di attività con il canonico greatest hits (A decade of destruction, del 2017) tornano a pubblicare un album di inediti a tre anni dall'ultimo lavoro. Se per la raccolta il gruppo di Las Vegas aveva parafrasato i Motley Crue e il loro Decade of deacadence, stavolta scherzano coi santi, tirando in ballo i Metallica di And justice for all per il nuovo lavoro And justice for none.

Va chiarito subito che a livello stilistico o qualitativo non c'è nessun rapporto con quel lavoro dei four horsemen. I 5FDP hanno ormai trovato la loro confortante cifra stilistica in questo groove metal estremamente commerciale, buono per far passare una serata di baldoria a qualche ragazzo di buona famiglia americana, che pensa di fare il figo con roba trasgressiva, cattiva e pericolosa.

Peccato che nessuno di questi aggettivi si adatti a descrivere And justice for none. 

Parliamo di un album che sarebbe potuto uscire in qualunque momento storico adattandosi a qualunque sottogenere metal, data la sua calcolata prevedibilità: due-tre brani aggressivi, un lento e via così fino alla fine. 

Non bastano sequele infinite di fuck e motherfucker per guadagnarsi la giusta attitudine. C'è più aggressività nella peggiore canzone dei Pantera che nella traccia più riuscita (?) di questo disco.

Disco che peraltro, nella sua edizione deluxe recupera l'unico inedito del precedente best of, alla prima posizione della tracklist (il brano è Trouble), così, per rispetto a quegli sprovveduti che avevano comprato entrambi i CD. 

E che, a questo punto, un pò se la sono anche cercata.

E dire che ai tempi di American capitalist qualcosa mi avevano anche smosso.

Baby Driver (2017)

Procede il mio recupero "random" dell'opera di Edgar Wright. Dopo Hot fuzz, sono riuscito a vedere il folle Scott Pilgrim vs the world (magari ne parlerò) e Baby Driver, oggetto di questa recensione.

L'ultimo film del regista inglese, pur essendo probabilmente il più americano a livello di messa in scena e per sfarzo del cast, conserva l'ormai inconfondibile tocco di Wright, basti pensare che lo spunto per la storia arriva da un video musicale per il brano Blue song dei Mint Royale, girato dallo stesso Edgar.

Miles (Ansel Elgort), detto Baby, nonostante la giovane età è l'autista da rapina più richiesto nel giro. Attraverso il mediatore Doc (Kevin Spacey) le varie bande di criminali si affidano a lui per scappare in sicurezza dopo i colpi. La particolarità di Baby è che, a causa di un trauma che verrà spiegato nel corso del film, il ragazzo indossa sempre degli auricolari attraverso i quali ascolta perennemente musica di qualunque genere. Elemento questo che inizialmente disorienta i banditi che si affidano a lui, ma che poi viene accettato alla luce delle qualità di pilota di Miles. Questo fino a quando al noto rapinatore Buddy (Josh Hamm) e alla sua bella viene affiancato lo psicopatico Leon (Jamie Foxx). Da qui in avanti le cose precipiteranno, fino al cataclismatico finale.

Nella sua prima parte Baby Driver è un autentica festa per gli occhi ma, lasciatemelo dire, soprattutto per le orecchie. La musica infatti è l'autentica protagonista dello svolgimento del plot, in totale connubio con le azioni del protagonista, che sincronizza tutto con le sue particolarissime playlist, al punto di ritardare di qualche secondo l'inizio di una rapina per andare perfettamente a tempo con la composizione che sta ascoltando. Il repertorio scelto dagli autori è di quanto più vasto possa essere, visto che passa agevolmente dal soul all'indie rock, al blues, all'elettronica al classic errebì al rock and roll (ci si può fare un'idea qui).

E' questa, assieme al pazzesco sincrono delle scene d'azione, l'arma vincente di Baby Driver. Un film con qualche punto di debolezza (la parte centrale un pò fiacca) ma che indubbiamente emerge nel fitto panorama di action o heist movie prodotti annualmente negli states e che spesso faticano persino ad arrivare nelle sale.

Bene ha fatto allora Wright ad abbondare il progetto del film su Ant-Man, a cui stava dietro dalla metà degli anni zero, e a concentrarsi su questo progetto a suo modo unico e particolarissimo.

R.I.P Il Mucchio selvaggio

Vi ho risparmiato una lunga e melensa tirata sul mio rapporto con la rivista musicale Il Mucchio Selvaggio. Di quanto questo giornale sia stato importante per la mia formazione musicale, del legame affettivo con i suoi giornalisti storici, di come il trimestrale Extra, con la sua rubrica i migliori dischi del decennio, abbia contribuito a dare dignità alla mia discografia e di come la notizia, ormai metabolizzata da qualche giorno, della sua chiusura, mi avesse colpito. 

In realtà, dopo un intenso coinvolgimento idealistico che mi aveva spinto ad aderire alla campagna di abbonamenti del 2012 (ci ho anche scritto un post), per impedire che la rivista chiudesse, l'uscita dei miei riferimenti critici (Guglielmi e Cilìa su tutti) e il cambio di direzione editoriale, che ha svoltato verso lidi che non mi appartengono, per me il Mucchio era morto e sepolto da un pezzo.

E' un pò quello che succede quando un personaggio pubblico sparisce dalle scene e tutti si convincono sia passato a miglior vita (un pò come Martin Landau/Bela Lugosi nel film di Tim Burton Ed Wood): quando muore per davvero nessuno quasi ci fa caso. 

E' triste, ma non possiamo farci nulla.

MFT, maggio - giugno 2018

ASCOLTI

The Record Company, All of this life
Jizzy Pearl, All you need is soul
Nine Inch Nails, Bad witch
Erick Strickland, Black and white and blue
David Bowie, Diamond dogs
David Bowie, Young americans
Primordial, Exile amongst the ruins
Judas Priest, Firepower
The Matrix soundtrack
Matrix reload soundtrack
Keith Richards, Talk is cheap
The Rolling Stones, On air
Parker Millsap, Other arrangements
Graveyard, Peace
John Mellencamp, Plain spoken - From the Chicago theatre
Ghost, Prequelle
Brian Fallon, Sleepwalkers
ASG, Survive sunrise
Old Crow Medicine Show, Volunteer
The Glorious Sons, Young beauties and fools
Gaelic Storm, Special reserve
Gaelic Storm, Full irish
Five Finger Death Punch, And justice for none
The Night Flight Orchestra, Sometimes the world ain't enough
Tommy James and the Shondells, The very best


VISIONI

Avengers Infinty War
Criminal (2016)
Rapina a mano armata (S. Kubrick)
Loro 1
Loro 2
John Wick 2
Sherlock Holmes, L'abominevole sposa
Baby driver
Predator
La vendetta di un uomo tranquillo
Prisoners
Strade violente
Sono tornato
Bobby Z  - Il signore della droga
Matrix Trilogia
Grosso guaio a Chinatown
Prometheus
La truffa dei Logan
Cloud Atlas
Alien Covenant
Il pianeta delle scimmie (2001)
L'alba del pianeta delle scimmie
Apes Revolution - Il pianeta delle scimmie
The war - Il pianeta delle scimmie
Tutta colpa di Freud
A muso duro (Mr Majestyk)
Brubaker
Scott Pilgrim vs the world


LETTURE

Keith Richards, Life

Planet of apes, la trilogia prequel

Dopo la trilogia di Matrix, torno a parlare di una saga, stavolta molto recente, che mi ha inaspettatamente appassionato. Si tratta di Planet of apes, imperniata sulla genesi della storia conosciuta al grande pubblico grazie all'originale Pianeta delle scimmie, film del 1968 (tratto dal romanzo del 1963 di Pierre Boulle), pellicola epocale zeppa di sottotesti, contraddistinta da uno dei finali più iconografici del cinema. Già all'epoca la storia si sviluppò su ben cinque film (l'ultimo dei quali del 1973), oltre ad una serie tv e un'altra animata. 

Nel 2001 Tim Burton ne gira un rifacimento a mio avviso senza infamia ne lode, ma è con l'intuizione del 2011 di raccontare gli eventi che porteranno al dominio delle scimmie che le cose si fanno veramente interessanti.

Già, perchè è difficile oggigiorno assistere a delle produzioni mirate a fare il botto al box office che riescano tuttavia a conciliare in maniera così convincente qualità, effetti speciali e solida sceneggiatura. 
La storia dello scimpanzè Cesare ("interpretato" in un incredibile motion capture da Andy serkis, prima scelta per questo particolare tipo di recitazione, dopo la prova offerta per il Gollum del Signore degli anelli), che viene risparmiato per pietà dallo scienziato Will Rodman (James Franco) dalla decisione della multinazionale per cui lavora di abbattere tutte le scimmie cavia dopo il fallimento di un esperimento, narrata dai primi vagiti all'epilogo di The war, ha il respiro della grande saga e, a mio avviso, tutte le caratteristiche per diventare un classico che resisterà nel tempo.

Il lavoro fatto per rendere realistiche le scimmie è qualcosa di così verosimile da risultare stupefacente. L'espressività dei primati, colta nei numerosi primi piani, è da far scappare a gambe levate un esercito di attori cani che affollano le sale d'attesa dei produttori hollywodiani. La storia, come dicevo, è tesa, coerente e verosimile. Le scimmie sono le protagoniste assolute, non è un caso che per ognuno dei tre episodi venga cambiato il cast di attori umani (James Franco nel primo; Jason Clarke con Gary Oldman nel secondo; un cattivissimo Woody Harrelson che si ispira al colonnello Kurtz/Marlon Brando in Apocalypse now nel terzo), mentre si ripropongano, com'è giusto che sia, i veri eroi della trilogia: Cesare e il suo branco.

L'opera ha ovviamente numerose chiavi di lettura: genocidi storici, ingiustizie sociali e significati morali, ma l'aspetto positivo è che riesce a farli cogliere senza risultare mai pretenziosa o paternalistica. 
Le abbondanti sei ore della saga avvincono innanzitutto per la costruzione della narrazione, per la messa in scena, le sequenze di azione e i momenti di introspezione. Il resto viene da sè.

A livello di blockbusters, una trilogia letteralmente imperdibile.

Brian Fallon, Sleepwalkers

Messi a riposo i Gaslight Anthem , ecco tornare con la seconda prova solista colui che dei GA è il leader: Brian Fallon. 

Il trentottenne di Red Bank (NJ), dopo aver guidato la precedente band ad un esordio (2007) contraddistinto da un'interessante contaminazione tra certa new wave inglese e il blue collar rock americano, ha via via spostato il baricentro dei Gaslight Anthem verso un rock più muscoloso, senza però mai abbandonare una forte vena poetica e una capacità melodica tutt'altro che banale.

Successivamente, nel suo esordio da solista, aveva smussato alcune asperità del suono dei GA, mantenendo comunque un legame molto forte con quell'esperienza, per un risultato più che onorevole.

Tre anni dopo Brian torna con un'altra raccolta di canzoni nelle quali, già dai primi secondi dell'opener If your prayers don't go to heaven, risulta riconoscibilissima la sua personalissima impronta.

Già, perchè Brian Fallon è probabilmente l'ultimo cantore di quel romanticismo da strada che tanto aveva impregnato i primi tre dischi di Springsteen (nel disco i riferimenti al Boss sono naturalmente presenti, ma più concettualmente che stilisticamente). Le sue composizioni sono prevalentemente midtempos, nelle quali schiocchi della dita o mani battute sono la soluzione più spontanea per accompagnarne l'ascolto, e nelle quali i riferimenti a relazioni tormentate, malesseri generazionali, uniti ai costanti, più o meno espliciti, riferimenti alle radici musicali dell'autore (Etta James, titolo della traccia numero quattro, ma anche gli Stones e Elvis Costello) rappresentano una costante. 

Il disco è così, avvolto in una elegante omogeneità che ad un ascoltatore distratto potrebbe suonare come sinonimo di ripetitività e che invece, se lasciata sedimentare, schiude delle piccole perle, con notevoli picchi emotivi quando, nel caso della title track, alla strumentazione tradizionale si aggiunge un'elegante sezione fiati.

Insomma, Sleepwalkers non sarà certo disco dell'anno ma di certo torna a consegnarci un autore che difende con passione il fortino del rock poetico.

Judas Priest, Firepower

Basterebbe confrontare qualche pezzo a caso dagli ultimi tre dischi dei Judas (Angel of retribution; Nostradamus e Reedeemer of souls) con Firepower, per rendersi immediatamente conto della differenza stilistica tra quei lavori e questo. Laddove c'era un suono cupo, oscuro, pessimista, a tratti magmatico, qui ritroviamo, dietro una copertina passatista, il marchio di fabbrica sonoro che ci ha fatto conoscere e amare la band. 

Con Firepower si torna al classicissimo sound chitarristico a due asce, ad un Rob Halford magari meno performante ma sempre convincente, ai refrain che tagliano come lame, ad un brand insomma che risorge quando sembrava ormai irrimediabilmente confinato ai lavori di repertorio.

Difficile scovare oggi un disco che contenga così tanti brani illuminati uno impilato sull'altro, ad ascoltare la title track, Lightning strike, Evil never dies, Never the heroes, Necromancer, Children of the sun e No surrender sembra quasi di trovarsi al cospetto di un greatest hits, tanta è l'eccellenza dei pezzi. 

Ma anche quando si esce dalla comfort zone del combo, con un pezzo più "moderno", oserei dire con sfumature stoner, quale è Lone wolf, i risultati sono comunque apprezzabili.

L'operazione dei Priests di certo ha poco di spontaneo e tanto mestiere, tuttavia non è così semplice decidere a tavolino di tornare ad un sound che incontri il favore dei fan storici e poi mettere in pratica i propri intendimenti riuscendo a sfornare composizioni all'altezza.

Qui il nucleo storico della band, Rob Halford e Ian Hill (voce e basso), classe 1951 oltre a Glen Tipton, classe 1947 (che ha partecipato ai lavori di realizzazione del disco, dovendo però in seguito rinunciare a seguire la band in tour, a causa di un peggioramento del morbo di Parkinson, che lo affligge da tempo), centrano invece in pieno l'obiettivo, a pochi mesi dal cinquantesimo anniversario dalla formazione del gruppo (1969, anche se l'esordio discografico è di cinque anni dopo), con un lavoro che nelle sue quattordici tracce, per un'ora di durata, non annoia mai.

Impossibile chiedere di più, oggi, a questa band. 

Anzi, per dirla tutta il fatto di avere per le mani un lavoro come Firepower è un regalo completamente inaspettato per la categoria dei fan attempati dell'heavy metal alla quale indubbiamente appartengo.

La trilogia di Matrix

Il primo film di Matrix, nel 1999, pur facendo leva su molti elementi di cyberpunk e fantascienza distopica già esplorati da altri, ha indubbiamente lasciato un segno indelebile nella storia del cinema di genere, creando un linguaggio e delle modalità di ripresa che hanno fatto letteralmente epoca. I suoi due seguiti, girati assieme nel 2004, ma proposti a distanza di qualche mese nelle sale, mi avevano lasciato invece una gran confusione e la sensazione di un pasticcio imbastito solo ed esclusivamente per ragioni commerciali.

E' anche per questa ragione che, approfittando della messa in onda della saga completa su Sky, ho voluto rivederli a breve sequenza uno dall'altro (diciamo che nel giro di una settimana, magari anche spezzettandoli, me li sono fatti tutti), in modo da ricavarne un giudizio più lucido.

Credo di aver fatto bene. Innanzitutto perchè mi sono reso conto che ricordavo ben poco di molte sequenze e quasi nulla del filo narrativo, e poi perchè la saga, vista in maniera organica, acquista notevole coerenza e dignità.

I fratelli Wachowski (nel frattempo diventate sorelle) che, al netto delle accuse di scopiazzature e plagio, hanno ideato, scritto e diretto l'intero progetto, hanno dimostrato di avere le idee chiare portando in scena, assieme ad un'azione innovativa ed adrenalinica (in Matrix Reload la lunga scena di inseguimento in autostrada resta ancora oggi qualcosa di inarrivabile) e tecniche all'avanguardia (i mitologici rallenty chiamati bullet time), tutto un universo composto da filosofie orientali, tute fetish, personaggi enigmatici, characters lascivi (posso dire? Una Bellucci insostenibilmente figa), karma e, soprattutto una coppia di protagonisti principali, Neo (Keanu Reeves) e il suo magnifico doppleganger l'Agente Smith (Hugo Weaving), impossibili da dimenticare.

Insomma, a differenza di altri titoli che hanno sofferto l'invecchiamento, alla trilogia di Matrix il passare del tempo gli fa una pippa.

Seek and destroy, Giorgio Costa

Complice un'attesa forzata di diverse ore alla stazione Termini di Roma e un periodo di ennesimo, intenso (ri)ascolto dei primi album dei Metallica, ho acquistato questo volume biografico di Giorgio Costa sulla"epopea" dei Metallica.

Confesso di aver scelto il libro anche per il sigillo di garanzia rappresentato dalla prefazione di Federico Guglielmi, il mio giornalista musicale preferito, nonostante sapessi bene che i Metallica non siano esattamente la sua tazza di tè (elemento questo molto coerentemente ammesso dallo stesso Guglielmi nella presentazione).

Seek and destroy è un volume che scorre via bene, le analisi, gli approfondimenti e le introspezioni di Costa permettono l'emersione di chiavi di lettura anche inedite ed originali (aspetto non banale, parlando di un gruppo la cui opera è stata sviscerata in ogni sua parte) della vita e dei lavori dei four horsemen.

La nota critica all'operazione è a mio avviso connessa all'orizzonte temporale che l'autore ha deciso di coprire. A fronte di una presenza sul mercato di tanti libri che illustrano l'intera carriera dei Tallica, Costa opta infatti per una dinamica molto originale: raccontare nel dettaglio la nascita del gruppo attraverso le gesta dei giovanissimi Ulrich ed Hetfield e dei compagni di viaggio da loro reclutati (Burton, Mustaine ed Hammett), per un periodo di tempo che copre gli esordi fino alla pubblicazione del primo album.

Successivamente, l'autore decide si spostare il racconto venticinque anni in avanti e saldarlo attorno al rapporto, a dire di Costa, salvifico, tra la band e il mitologico produttore Rick Rubin, ingaggiato dopo un lungo periodo di appannamento creativo, per i lavori di incisione di Death Magnetic del 2008.

A fronte di questa sua peculiarità, Seek and destroy si distingue senza dubbio tra la miriade di biografie date alla stampa aventi ad oggetto la storia dei Metallica, ma, e qui sta la critica, avrebbe dovuto essere maggiormente esplicitata dal sottotitolo del libro, invece che "L'epopea dei Metallica", magari "Come Rubin ha salvato i Metallica". Così, per dirne una.

Lettura comunque consigliata, a patto che non si cerchi una biografia tradizionale della band.

La truffa dei Logan

West Virginia, oggi. Jimmy Logan (Channing Tatum) è una promessa mancata del football americano che ormai si arrabatta con un lavoro di fatica e vive in una casa fatiscente, lui e i suoi amici rientrerebbero nella definizione di white trash, americani bianchi che stazionano attorno alla soglia di povertà. La sua ex moglie (Katie Holmes)  è cascata invece bene, accasandosi con un idiota proprietario di diverse concessionarie Ford. Jimmy è molto legato alla figlioletta Sadie e al fratello Clyde (Adam Driver). Entrambi hanno un menomazione fisica: Jimmy zoppica per un infortunio giovanile e Clyde ha perso una mano in Iraq, per questo, e per alcune sfortune capitate in passato alla famiglia Logan, si portano dietro il fardello della "sfortuna dei Logan", dal quale l'unica esentata è la sorella Mellie (Riley Keough). Quando Jimmy viene licenziato dal cantiere in cui lavora, decide di coinvolgere tutti i fratelli in una rapina al Charlotte Motor Speedway, mitico circuito di Nascar americano. Per fare questo, gli serve però un aiuto esterno, che individua nell'esperto di esplosivi Joe Bang (Daniel Craig), detenuto presso un istituto penitenziario, il quale, a sua volta, coinvolge i suoi due fratelli, i redneck Sam e Fish (Brian Gleeson e Jack Quaid).

Steven Soderbergh mancava dal cinema dal 2013 (Effetti collaterali), in questa iato ha girato per la televisione (Dietro i candelabbri e The knick). Con La truffa dei Logan (Logan lucky, il più coerente titolo originale) torna al grande pubblico cercando in qualche modo di replicare la formula di uno suoi più grandi successi, la saga Ocean's eleven. Rispetto alle modalità con il quale è presentato il film (commedia action) ci si trova davanti a qualcosa di diverso. Il ritmo è abbastanza lento, poche le battute, una ricerca di realismo "leggero", ma anche momenti francamente insopportabili (tutte le parti con la piccola Sadie). Il lavoro dovrebbe essere collettivo, ma non tutti gli attori appaiono completamente in parte (primo fra tutti Daniel Craig, non so se penalizzato dal doppiaggio). Alla fine Soderbergh porta a casa il lavoro senza troppa enfasi, grazie anche ad un buon finale a sorpresa. 

Da segnalare, per gli amanti del country, la partecipazione di Dwight Yoakam nella parte del direttore del carcere.

Jack White, Boarding house reach

Su una cosa sono d'accordo con l'amico blogger Jumbolo: è difficile farsi un opinione su Jack White, capire se sia un'artista di talento o invece uno che ha semplicemente avuto più fortuna di altri, ugualmente, se non maggiormente dotati. Non sto qui a ricordarne la biografia: i suoi White Stripes avevano colpito gli appassionati con la loro rispettosa contaminazione tra indie e stili classici (blues, errebì, jump blues) resa attraverso una formazione base a due, elettrica e batteria. Poi un susseguirsi di progetti a flusso continuo (Raconteurs, Dead Weather) che più per la qualità dei contenuti (altalenante) si segnalavano per l'urgenza creativa del nostro.

L'esordio solista arriva solo nel 2012 (Blunderbuss), bissato nel 2014 (Lazaretto), entrambi con buoni riscontri commerciali. Personalmente quei dischi li ho ascoltati distrattamente e non sarei in grado di esprimere un giudizio compiuto, al contrario di questo Boarding house reach, la cui realizzazione ha visto Jack sperimentare in totale solitudine con pro-tools e reel-to-reel, suonare vari strumenti (chitarre, organo, piano, batteria, sintetizzatori) oltre che misurarsi nel canonico esercizio di songwriting e interpretazione vocale.

Il risultato finale, lo dico subito, mi ha entusiasmato. 
E per una volta non per ragioni riconducibili alla rappresentazione di un mood classico o retrò, ma per l'esatto contrario. 
Se è infatti vero che la tracklist inizia con due pezzi tra le cose migliori incise dall'artista dopo i White Stripes (il soul di Connected by love e Why walk a dog?, che durante i primi ascolti pensavo fosse una suggestiva cover di What's so funny bout peace, love and understanding?), il motivo del mio apprezzamento è legato alla cifra stilistica complessiva del disco, dentro la quale White non si pone steccati e sperimenta in totale libertà ed indipendenza. 
Dopo il dittico iniziale assistiamo così a composizioni nelle quali l'utilizzo di sample, rdf e mash-up dentro il processo creativo partorisce melodie sghembe, spiazzanti ma, per certi versi, geniali e (almeno per quello che mi riguarda) assolutamente trascinanti. 
Pezzi come Corporation, Hypermisophoniac, Ice station Zebra, Everything you've ever learned o Respect commander  rientrano in una dimensione artistica più vicina all'attitudine hip hop "colto" alla Kendrick Lamar piuttosto che alla tradizione country-rock- blues-rnb patrimonio genetico dall'ex White Stripes. Peraltro, il legame con la moderna black music è suggellato anche dalla presenza di Jay-Z nella traccia Over and over and over.

La chiosa dell'opera, così come la sua apertura, torna al classico, con la ballata What's done is done e Humoresque, arrangiata su una melodia del compositore classico Antonin Dvorak.

Insomma, capisco che per qualcuno Boarding house reach possa essere percepito come uno sterile esercizio di stile da parte di una sopravvalutata rock star. 
Per me è invece un disco sorprendente, libero, coraggioso e stimolante che ha un posto assicurato tra i miei migliori dell'anno.

The Rolling Stones, On air (2017)

On air raccoglie una serie di esibizioni nelle quali dei ventenni Rolling Stones si proposero al pubblico inglese attraverso ospitate in diversi programmi radiofonici della BBC, in un orizzonte temporale che va dal 1963 al 1965.

Il periodo storico è quello dell'intransigente passione per il blues, dell'amore per l'errebì e del trasporto per il rock and roll, come la produzione discografica del gruppo, in quell'epoca, sta fedelmente a testimoniare.

Così come i primi album della band  (il debutto eponimo, England's newest hit makers, 12 X 5, No 2, The Rolling Stones, Now!; Out of our heads, December's children) erano composti essenzialmente da cover, anche le gig radiofoniche qui raccolte riprendono il tributo della band ai propri riferimenti musicali, dacchè 15 tracce su 18 nella versione standard e 28 su 32 in quella deluxe sono cover.

La qualità delle incisioni, eccellente in alcune canzoni, più a bassa fedeltà in altre, non impedisce all'amante della band di entusiasmarsi di fronte all'energia liberata dai giovani virgulti, qui magari meno scaltri di quanto sapranno essere, ma molto più genuini, anche nelle imperfezioni.

La tracklist non ha momenti di appannamento, i nomi tutelari del sound stonesiano ci sono tutti, da Chuck Berry a Bo Diddley, da Muddy Waters a Jimmy Reed, passando per Wilson Pickett e Solomon Burke, e i pochi brani originali del gruppo hanno la certificazione di assoluta eccellenza (Satisfaction, The spider and the fly, The last time, Little by little).

Un recupero lodevole, un disco imprevedibilmente fresco ed eccitante.

La vendetta di un uomo tranquillo (2016)

Madrid: una rapina in una gioielleria va per il verso storto, i rapinatori si danno alla fuga. Curro, l'autista che dovrebbe portarli in salvo, durante l'inseguimento con la polizia ha un incidente e viene arrestato.

Provincia di Segovia, oggi: in una zona popolare vediamo un uomo entrare in un bar e, col tempo, frequentare i proprietari (la giovane Ana e il fratello Julio) oltre ad un gruppo di avventori. L'uomo, Josè, appare introverso e schivo, ma, nonostante questo, riesce ad entrare in grande sintonia con il gruppo fino ad avere un'avventura con Ana. Solo a questo punto le sue intenzioni saranno svelate.

Per chi non ha visto il film la sinossi dovrebbe fermarsi qui. Peccato che la traduzione italiana del titolo, da sola, vada già oltre, anticipando lo schema del film, a differenza del titolo originale spagnolo, Tarde para la ira (Tardi per la rabbia) che riesce a custodire appieno la dinamica della storia.

A prescindere da ciò, devo dire che la pellicola di Raùl Arèvalo (sceneggiatura e regia) è un gioiellino da non perdere, uno di quei film che per la sua apparente semplicità ti fa smadonnare sul perchè produzioni di questo livello non possano essere girate in Italia.

Partiamo dagli attori: Antonio De La Torre (Josè) offre un'interpretazione per sottrazione semplicemente perfetta, la sua inarrestabile, ossessiva tenacia nel portare a compimento la sua vendetta, cozza meravigliosamente con un comportamento mite e un'indole gentile. Anche nelle esplosioni di violenza più crude (una in particolare) la sua grande capacità è di conservare il profilo del proprio personaggio, senza trasformarsi in Charles Bronson o Liam Neeson.

Ma molto convincenti risultano essere anche Ruth Dìaz (Ana), Luis Callejo (Curro) e Font Garcìa (Julio), a loro agio nei panni di personaggi con facce qualunque, ai margini della società, ma con un forte legame familiare e con la propria identità.

La storia è tesa, regge fino al colpo di scena conclusivo e la fotografia delle periferie spagnole, alternate a quelle della natura selvaggia dell'entroterra, completano le coordinate di un film sospeso fra dramma e tensione.

Twisted Sister, Come out and play (1985)

Per la serie: album insignificanti per il mondo ma responsabili della mia formazione musicale, da qualche giorno sto riascoltando Come out and play dei Twisted Sister.

Come out and play esce nel 1985 con l'ambizione di essere il disco della definitiva consacrazione mainstream di un gruppo che aveva raggiunto una buona dose di riconoscibilità dopo un lunga gavetta (l'esordio discografico con Under the blade è del 1982, ma la band si forma nei primissimi settanta) grazie al look di Dee Snider, ma, essendo in piena era video musicali, grazie soprattutto a MTV, che aveva inserito in altissima rotazione  il video di I wanna rock.

La band capisce che è il suo momento: o la va o la spacca. Assolda così Dieter Dierks, produttore dei lanciatissimi Scorpions, e dopo numerose discussioni interne sulla direzione musicale da intraprendere, rilascia un lavoro che rivela tutte le incertezze di orientamento musicale della band, lacerata fra chi voleva orientarsi al pop rock e chi invece intendeva continuare a pestare duro con irriverenza. Di certo è sbagliato, in un disco che comunque nei suoi due terzi è un ottima raccolta di pezzi hard rock radiofonici, lanciare un primo (e unico) singolo come Leader of the pack, cover del gruppo pop femminile The Shangri-Las, dalle sonorità intollerabilmente zuccherose.

Peccato, perchè, dietro una copertina fantastica con un tombino che si può sollevare per permettere a Dee Snider di uscirne,  risentendolo oggi, Come out and play ha delle discrete frecce al suo arco, come la title track (omaggio al film I guerrieri della notte di Walter Hill, di cui nell'introduzione riprende la celebre sequenza in cui lo stronzone tossico chiama, facendo sbattere ritmicamente delle bottigliette di vetro, i Warriors), You want what we got (sorta di We're not gonna take it, part 2), The fire still burns (forse la migliore del disco), Be chrool to your scuel (scanzonato rock and roll omaggio ad Alice Cooper, presente come featuring) o la conclusiva Kill or be killed.

Il disco segna in pratica la fine della vita discografica della band, due anni dopo uscirà infatti Love is for suckers, che di buono ha esclusivamente l'abbinamento titolo - copertina, ma che è un album davvero fiacco e sbagliato. Da lì in avanti la band non registrerà più brani inediti e continuerà a fasi alterne (Snider tenterà la strada solista o con altre band) l'attività live, fino al definitivo scioglimento suggellato dal farewell tour del 2016. 

Insomma, sarà la nostalgia, ma risentendolo oggi, è un disco che gliela ammolla abbastanza.

Prisoners (2013)

La paura più spaventosa e angosciante di ogni genitore è quella che i propri figli spariscano nel nulla, da un momento all'altro, senza lasciare traccia. Quasi certamente vittime di criminali legati alla pedofilia o al traffico di esseri umani, o a profili di assassini seriali.

Purtroppo, questo è il terrificante evento che capita a Keller Dover (Hugh Jackman), e alla sua famiglia, che, mentre festeggiano il giorno del Ringraziamento assieme ai vicini, i Birch, perdono di vista le rispettive bambine, Anna e Joy, per realizzare poco dopo che sono scomparse.

Ne consegue una gigantesca caccia all'uomo, guidata dal detective Loki (Jake Gyllenhaal), che produce un fermo, un ragazzo ritardato di nome Alex Jones (Paul Dano), poi scarcerato per mancanza di prove.

Le famiglie sono devastate dal dolore e dall'angoscia. Keller, in particolare, divorato dai sensi di colpa instillatogli anche dalla moglie (Maria Bello), decide che il ragazzo momentaneamente arrestato è colpevole e che la polizia è incompetente, ragione per cui agisce in prima persona, rapendo Alex e sottoponendolo prima a vari pestaggi e poi a tortura, per estorcergli le informazioni inerenti il luogo dove è tenuta la figlia.

Prisoners è il primo film americano del regista canadese Denis Villenueve, che veniva da due opere acclamate dalla critica: Polytechnique e La donna che canta. Per l'occasione, il cast che la produzione  hollywoodiana gli mette a disposizione è di prim'ordine.

La pellicola merita a mio avviso la visione non tanto per il plot poliziesco, che in effetti inciampa in diversi clichè, ha un primo finale non proprio a sorpresa e pesca qualche dinamica da Il silenzio degli innocenti o da Vanishing (a sua volta remake dell'olandese Il mistero della donna scomparsa). Piuttosto Prisoners trova il suo perchè nella spirale paranoico distruttiva nella quale precipita il protagonista Jackman, di professione falegname, che, per lenire dolore e sensi di colpa, si mette metodicamente a torturare un ragazzo disabile, applicandosi, nella costruzione di un artigianale strumento di tortura, con la stessa indifferenza con la quale assemblerebbe un tavolo per il soggiorno. La storia per lui si concluderà in modo spietato, con un contrappasso biblico a punirlo per le sue azioni. E' chiaro che il messaggio della storia, reso in maniera estremamente efficace dalla messa in scena e dalla fotografia di una Pennsylvania opaca, piovosa, malinconica, vuole mettere a fuoco il diverso stato di prigionia, fisico o mentale, di tutti i personaggi della vicenda: le bambine, Keller, il sospetto rapitore, il detective.

Da questo punto di vista, un grande film.

John Wick, capitoli 1 e 2

John Wick (Keanu Reeves), è stato un killer a pagamento. Il migliore in circolazione. L'uomo nero. Portava a termine qualunque compito gli venisse assegnato. Riusciva dove chiunque altro falliva. Da un pò si è ritirato, per vivere la storia d'amore della vita.Sfortunatamente la sua donna si ammala e muore, lasciandolo solo con un cucciolo di cane da accudire. Il primo capitolo inizia così, con John che conduce una vita solitaria, cercando di elaborare il lutto, fino a quando, per motivi banali, entra in contatto con un gruppo di scagnozzi della mafia russa (da lui in passato servita), tra i quali Yosef Tarasov (l'Alfie Allen già Theon Greyjoy del Trono di spade), il figlio del boss Viggo, i quali gli portano via le ultime cose alle quali è legato da affetto ossessivo: il cucciolo, lascito della moglie, e la sua Ford Mustang del 1969. Gli sgherri commettono però l'errore di lasciarlo in vita. Da qui inizierà la deflagrazione totale della storia, con Wick che torna ad essere implacabile, feroce ed inarrestabile. Nel secondo capitolo, dopo una premessa che altro non è che una coda del primo, il pensionamento del nostro è di nuovo messo in discussione dal boss italo americano della camorra Santino D'Antonio (Riccardo Scamarcio), con il quale Wick ha un debito d'onore, che è costretto a saldare soddisfando la richiesta di Santino di uccidergli la sorella (Claudia Gerini), pericolosa contendente al potere criminale di tutte le cosche italiane. L'azione si svolgerà prima in Italia, a Roma, per poi tornare a New York, con un cliffhanger finale.

John Wick ha senza dubbio dato un bello scossone all'asfittico panorama degli action americani, che sembravano ormai agonizzanti tra l'ennesimo film con Jason Statham e uno dei tanti Attacchi al potere. Con John Wick, è vero, siamo ancora all'uomo solo contro tutti, ma la produzione ha dalla sua più di un'intuizione innovativa. Innanzitutto le scene di combattimento, per le quali si introduce la tecnica del "gun-fu", sorta di kung-fu con la pistola, che, in un contesto (il corpo a corpo) nel quale abbiamo visto ormai di tutto, ci permette di assistere a qualcosa di diverso. E poi, altro elemento vincente, l'introduzione di una sorta di sindacato mondiale per i criminali, che offre rifugio sicuro ai delinquenti di livello nei suoi Continental Hotel di tutto il mondo, dove si paga in monete d'oro e dove vigono regole rigorose, la prima delle quali è che non si possono commettere atti violenti all'interno degli hotel. 

Insomma, se John Wick, pur essendo un prodotto di puro intrattenimento, riesce ad emergere con personalità tra le proposte di un genere tanto amato quanto inflazionato e in decadimento, è per merito di trovate narrative divertenti, di momenti d'azione innovativi, oltre che, naturalmente, per la recitazione monoespressiva, ma molto in parte, di un ritrovato Keanu Reeves. 

Gli amanti dell'action non possono perderlo. 

L'anno prossimo è prevista la conclusione della trilogia.

Meshell Ndegeocello, Ventriloquism

Puoi anche passare una (ennesima) fase metal intensa e totalizzante, che ti monopolizza gli ascolti 24/7, ma quando esce un nuovo disco di Meshell Ndegeocello i blast beat si placano, le chitarre distorte si fermano, i growling si fiaccano, il tempo stesso rallenta, e hai orecchie solo per lei.

Quattro anni dopo il sublime Pour une Ame Souveraine, dedicato alle composizioni di Nina Simone, l'artista americana (nata però a Berlino da padre militare USA) torna con un altra raccolta di brani altrui, che, se da un lato hanno caratteristica più leggera, trattandosi di cover degli anni ottanta in ambito R&B mainstream, dall'altro sono collocate in un contesto di impegno sociale, dato che parte dei profitti delle vendite dell'album è destinato a finanziare l'American Civil Liberties Union (ACLA).

Il lavoro, composto da undici tracce, rielabora con classe cristallina pezzi abbastanza noti di artisti che perlopiù hanno vissuto la loro stagione migliore proprio negli eighties, e che evidentemente hanno rappresentato qualcosa a livello di formazione emotivo/musicale di Meshell, classe '68, che in quegli anni viveva adolescenza e maturità.

Si ripescano personaggi dimenticati come Al B. Sure con la sua Nite and day; le TLC con Waterfall, una Janet Jackson d'annata, con Funny how time flies (When you're having fun), e li si reinterpretano in versioni meravigliosamente sensuali ed elegantissime, dove Ndegeocello ormai privilegia l'interpretazione vocale alle dimostrazioni di tecnica al basso (con le uniche eccezioni del funky iniziale I wonder if I take you home, originariamente interpretato da Lisa Lisa & Cult Jam feat. Full Force, e di Smooth operator di Sade).

Ci sono poi una manciata di brani che dallo status di semplice eccellenza si elevano ulteriormente a quello di capolavori. E' il caso di una canzone di Prince, considerata minore, ma che personalmente, quando attraversavo il mio periodo princiano, ho sempre adorato alla follia: si tratta di Sometimes it snows in April, dal disco Parade (album noto per i successi di Kiss e Girls & boys), che solo per il fatto di essere stata celebrata meriterebbe un giudizio fuori scala. L'interpretazione fa poi il resto.

Ma se nel caso di Prince il gioco poteva essere facilitato dall'avere per le mani un pezzo già straordinario di suo, l'infinita suggestione dell'altra gemma del disco è solo ed esclusivamente merito dell'ispirazione di Meshell, che ci regala una Private dancer (Tina Turner) da groppo in gola, dove finalmente, grazie ad un arrangiamento scarno ed un approccio dolcemente malinconico, emerge in maniera sublime la bellezza del testo firmato Mark Knopfler. Autentico masterpiece.

Ci sono modalità e motivazioni diverse di registrare un disco di cover, quelle di Meshell Ndegeocello, restano un inarrivabile punto di riferimento.

Bullet, Dust to gold

Altra band svedese di retro rock, i Bullet si formano a Vaxjo nel 2001. Qualche anno dopo (2006) esordiscono con il primo full lenght (Heading for the top) che subito li segnala come grandi appassionati di tutto ciò che è metal anni ottanta: dal look, alla copertina del disco fino, ovviamente, allo stile, che richiama, tra gli altri, AC/DC, Judas Priest e Accept.

La band cresce nei consensi di pubblico e raggiunge probabilmente il suo apice creativo con Bite the bullet (2008) e, soprattutto, Highway pirates (2011), che consolidano il marchio di fabbrica musicale, confermato poi dai successivi Full pull (2012) e Storm of blades (2014).

Ci vogliono quattro anni perchè il combo, ben saldato attorno all'imponente singer Hell Hofer e all'ascia Hampus Klang, rilasci l'oggetto di questa recensione, la settima fatica: Dust to gold.

Chiaro che ogni valutazione su un genere musicale così derivativo si basa fondamentalmente su due elementi: la capacità di replicare credibilmente le sonorità di riferimento, attraverso canzoni nuove che incarnino la filosofia ispiratrice e, elemento del tutto soggettivo, la predisposizione dell'ascoltatore a lasciarsi andare senza troppe menate.

I Bullet con Dust to gold centrano appieno questi due obiettivi, regalandoci un disco che è la quintessenza del roccherrol metallaro degli eighties, con uno stile che è il figlio bastardo di AC/DC e Accept, tanta attitudine e refrain killer come da manuale. 

L'opener Speed and attack mette da subito le cose in chiaro, Ain't enough le sancisce in bolla papale e così via via fino alla conclusiva title track, passando per il tamarrissimo finto live di Highway love, che nonostante tutto, riesce a starci dentro alla grande.

Fun, fun, fun.

The walking dead, stagione 8

Nel caso ve lo stiate chiedendo: sì, qui si spoilera.

Bizzarro come l'unica serie tv superstite da quando ho deciso di sottrarre le scarse porzioni di tempo ai serial per dedicarle ai film, sia anche quella qualitativamente più discutibile: The Walking Dead. Una ragione ovviamente c'è, ed è riconducibile a Stefano, che l'anno scorso si è appassionato all'epopea di Rick & soci, trasformandone così la visione in un rito di famiglia.

The walking dead è sicuramente la serie action che ha maggiormente i tempi delle soap, ma in generale anche dei fumetti USA di lungo corso (gli appassionati Marvel o DC sanno di cosa parlo): eventi che occuperebbero poco spazio sono dilatati all'inverosimile e diluiti dentro storie, conversioni, controconversioni ed introspezioni ardite, non sempre in linea con la costruzione dei personaggi. Insomma, un serial che nasce da un fumetto e che dalla serialità dei fumetti prende tempi e modi narrativi.

Anche l'ottava stagione segue questo canovaccio ormai consolidato, con gli autori che si avvitano su se stessi facendo assumere decisioni talvolta strampalate e prive di logica a qualche characters: gente che da sanguinaria diventa pacifista (o viceversa), nel giro di qualche sequenza (Morgan, Tara, Daryl, Rosita, Ezekiel) oppure l'evidente difficoltà di gestire il personaggio Negan attraverso maldestri tentativi di "umanizzazione" che stonano parecchio con la sua precedente riduzione a semi caricatura. 

Però qualcosa di buono, di molto buono, in questa stagione c'è stato:  l'eredità che Carl ha lasciato ai suoi cari e al suo gruppo. Ad un Rick sempre più lontano dalla moralità dell'eroe buono e sempre più pericolosamente border line e accecato dal desiderio di vendetta, gli showrunner affiancano infatti l'attitudine di un ragazzo cresciuto precocemente che gli spiega (il figlio al padre) la strada della riappacificazione. Molto interessante anche l'alternarsi di flash forward assieme a sequenze che si scopriranno essere state solo sognate da Carl, i cui autentici significati non saranno svelati fino all'ultimo episodio.

Contrariamente alle aspettative di molti, la stagione non termina con Negan ucciso nel modo più cruento possibile da Rick, ma con un'imprevedibile riconciliazione tra i due gruppi e  con una speranza di nuovo sviluppo nell'armonia collettiva.

Il messaggio molto poco americano è quello della ricostruzione di regole di convivenza civili, la fine della rappresaglia, la misericordia verso gli sconfitti.

A Negan viene quindi salvata la vita e comunicata una condanna all'ergastolo, quale esempio di un nuovo mondo che sta per nascere (e, surrettiziamente, per tenere nel cast uno dei villain più iconografici degli ultimi tempi). 

Maggie, Daryl e Jesus (quest'ultimo in maniera del tutto incomprensibile, visto il ruolo di colomba che ha sempre avuto) la pensano diversamente e preparano nell'ombra il primo colpo di stato dell'era The Walking Dead. E in questo sì, che gli americani hanno da insegnare a tutti.

E' superfluo ribadirlo: in autunno arriva la nona stagione.

Nemesi (2016)

Sul mio podio degli eroi cinematografici di gioventù siede saldamente il signor Walter Hill, classe 1942 e stile (all'epoca) innovativo ed imitatissimo, capace, dal 1978 al 1984, di sfornare un capolavoro dopo l'altro con i quali ha ridisegnato completamente il significato di action americano: Driver l'imprendibile; I guerrieri della notte; I cavalieri dalle lunghe ombre (western); I guerrieri della palude silenziosa; 48 ore e ultimo ma non ultimo il connubio cinema/musica rock in gran parte responsabile della mia formazione: Strade di fuoco (senza considerare il ruolo di Hill in qualità di produttore per l'intera saga di Alien). 

Spentisi i riflettori di quel periodo che ha segnato la storia del film di genere (USA, ma non solo), Hill ha sempre continuato a fare il suo cinema, con incursioni nella commedia (Chi più spende più guadagna), omaggi al blues (Mississippi adventures), action thriller nerissimi (Johnny il bello), lavorando via via con tutti gli attori di riferimento per il genere (Rourke, Stallone, Willis, Schwarzenegger, Sniper, etc.).

Come per tutti quelli della sua generazione, gli anni duemila gli hanno imposto un semi pensionamento, laddove Hollywood li ha sostituiti con registi fracassoni ma intercambiabili uno con l'altro, al servizio di budget milionari ed effetti speciali sempre più invadenti. Sono infatti solo tre i film che il regista riesce a girare in quindici anni, dal 2000 al 2015. Nel 2017, in maniera del tutto anonima e "a fari spenti", esce anche da noi il suo ultimo film: Nemesi. Le sale italiane lo ignorano, viene distribuito in piena estate e resta in programmazione solo qualche giorno, al punto che è quasi impossibile riuscire a vederlo. Urgeva un recupero in dvd.

Il plot: Frank Kitchen (interpetato da Michelle Rodriguez, che si misura con un personaggio maschile) è un killer a pagamento al soldo del miglior offerente. Su commissione del boss Honest John (Anthony LaPaglia), uccide un uomo per la mancata restituzione di un prestito. La vittima è però l'amatissimo fratello di Rachel Jane (Sigourney Weaver), svitata medico chirurgo radiata dall'ordine e pertanto operante nella clandestinità, che, per vendicarsi, mette in atto un agghiacciante modalità ritorsiva. La storia si apre con la Weaver internata in un istituto psichiatrico, impegnata a sostenere un colloquio col professor Galen (Tony Shalhoub) in merito ad un massacro avvenuto nella sua clinica clandestina, dal quale lei è emersa come unica sopravvissuta e sospettata principale. Da qui parte, attraverso l'alternanza di flashback e racconto presente, tutta la vicenda.

Mi trovo ancora una volta dall'altra parte della barricata rispetto ad una critica che ha sostanzialmente snobbato Nemesi (The assignment in originale). Dentro questo film c'è tanta dell'arte di Hill. Il cineasta racconta una storia oscura, a tratti anche sgradevole e con tematiche più prossime all'horror che al thriller, rinunciando completamente all'ironia e affidando molto della riuscita dell'opera alle due meravigliose donne protagoniste, Weaver e Rodriguez, che lo ripagano appieno della fiducia. La messa in scena è asciutta ed essenziale, il ricorso alle tavole fumettistiche per inframezzare il racconto dona una cornice epico-avventurosa ad una storia che per molti versi è quasi onirica. La sequenza conclusiva che mostra la contro-vendetta di Frank, è il colpo da maestro.

Nemesi dimostra che mr Walter Hill ha ancora tanto da dare al cinema moderno. Speriamo vivamente ne abbia ancora le possibilità.

Avengers, Infinity War

CONTIENE SPOILER!

La Marvel, dopo aver sostanzialmente inventato i comic movie del nuovo millennio, si prende la libertà di cambiargli radicalmente le coordinate. Se già prima non c'era partita nella competizione con le produzioni cinematografiche della DC Comics, una più inguardabile dell'altra, a maggior ragione non ce ne può essere adesso che con Infinity War la Casa delle Idee ha ridefinito le regole del gioco. 

Il tutto avviene grazie all'attesissimo avvento di Thanos (Josh Brolin), villain cosmico che già tramava dietro le quinte da diverso tempo (il primo Avengers) la distruzione dell'universo. Anzi, per meglio dire, l'equilibrio dell'universo. Infatti la filosofia alla base delle azioni di questo affascinante super cattivo si basa sulla constatazione che i pianeti siano tutti sovraffollati, di conseguenza non ci siano abbastanza risorse per tutti, di conseguenza, è indispensabile lo sterminio della metà della popolazione dell'universo perchè i superstiti vivano agiatamente. Il ragionamento non fa una piega (oltre a richiamare una simile strategia messa in atto da Ozymandias, nei Watchmen). Per mettere in atto il suo piano però non bastano più gli attacchi ai singoli pianeti, il semi dio deve recuperare le sei gemme dell'infinito con le quali avrà a disposizione la vera onnipotenza divina. La ricerca, con i relativi combattimenti, si sviluppa tra lo spazio sconfinato e la terra (due delle sei gemme sono custodite da Visione e Dr. Strange), coinvolgendo buona parte del pantheon superoistico (Iron Man, Thor, Captain America, Spider-Man, Guardiani della Galassia, Vedova Nera, War Machine, Visione, Scarlet, Bucky, Pantera Nera, Falcon, oltre ad un Bruce Banner in crisi di identità che non riesce più a trasformarsi in Hulk) che sembra comunque non avere chance contro un nemico come Thanos.

Infinity War si limiterebbe ad essere "solo" un film divertente, con un ottimo bilanciamento tra azione, dramma e leggerezza (anche se forse a volte alcune battute sono un pò forzate), non fosse per il finale che gli conferisce una spinta propulsiva tale da, come detto, rivoluzionare il genere. Sì, perchè proprio quando sembra che la trama si avvii alla canonica conclusione, con la vittoria dei buoni, gli autori piazzano il colpo di genio: basta uno schiocco delle dita del mega villain, evidentemente annoiato dai troppi combattimenti, e metà della popolazione di tutto il cosmo (inclusa buona parte della fauna supereroistica) cessa semplicemente di esistere. Le ultime sequenze, con Thanos che finalmente può riposarsi con dipinto sul volto un sorriso di compiaciuta soddisfazione, in qualche modo riescono addirittura a creare empatia con questo mostro.

Trattandosi di un prodotto pensato per un pubblico di massa, con protagonisti i personaggi più popolari e amati anche dai bambini, che campeggiano su ogni merendina o snack del pianeta, aver avuto, da parte degli autori, il coraggio di concludere un film in questo modo è un atto a suo modo rivoluzionario. 

E pazienza se nel sequel, nel quale, a giudicare dalla breve sequenza dopo i titoli di coda, sarà introdotto Captain Marvel, assecondando la tradizione fumettistica, con ogni probabilità assisteremo alla "resurrezione" dei tanti eroi sterminati: Infinity War resterà comunque una pietra miliare nel genere.

Vi garantisco che vedere tanti bambini ammutoliti assistere alla polverizzazione di Spider-Man ed il resto della platea attonita durante il cupissimo accompagnamento musicale dei titoli di coda, non è roba da tutti i giorni.

Ci voleva la Marvel. Ci voleva Thanos. Ci voleva Avengers Infinity War.