Una squadra (docuserie, 2022)

Le gesta sportive della squadra azzurra di tennis composta da Adriano Panatta, Corrado Barazzutti, Paolo Bertolucci e Antonio Zugarelli che ha raggiunto, negli anni settanta, i migliori risultati sportivi di sempre nell'ambito della coppa Davis.

Nell'anno in cui le celebrazioni della vittoria al Mundial 82 hanno sfrangicato le palle perfino a me, che sono emotivamente legatissimo a quell'evento, esce per Sky questa serie che racconta un'altra storia, per certi versi dimenticata. Attraverso le interviste ai quattro tennisti e ad altri importanti comprimari di quell'epoca, Domenico Procacci, qui regista oltre che produttore, riesce a ricostruire un'intera epoca, un'Italia che non c'è più, riuscendo a bilanciare come raramente mi è capitato di vedere, emozioni e leggerezza. 

Il centro del racconto dovrebbe essere la vittoria dell'unica coppa Davis in bacheca azzurra, conquistata nel 1973 sul suolo cileno brutalizzato dalla dittatura di Pinochet, tuttavia, mano a mano che ci si inoltra nella visione, ci si appassiona in misura superiore all'intera carriera dei quattro, la cui importanza nel tennis tricolore è tutta nei numeri, con quattro finali conquistate sulle sette complessivamente disputate in tutta la storia del torneo (1973,1977, 1979  e 1980), senza contare quelle del capitano non giocatore Nicola Pietrangeli (1960 e 1961) con le quali arriveremmo a sei su sette. 

Ma, come accennavo, la carta vincente della docuserie è rappresentata dalla personalità dei quattro tennisti, che emerge tra ironia, commozione, amarezza, ma anche vanità, indomito spirito di competitività, e financo con qualche battuta feroce nei confronti degli amici/rivali di quel periodo. La star è il romano Panatta, che, tra ammiccamenti, battute e tanto understatement, è perfettamente a suo agio davanti alla camera così come il suo concittadino Bertolucci. Anche il piemontese Barazzutti se la cava senza timidezze, ma la vera sorpresa è Zugarelli, riserva della squadra che raramente assaggia le luci della ribalta e che ha un background molto meno mondano dei due romani. Tonino è quello che più si commuove ricordando l'infanzia in estrema povertà, la via d'uscita dal tennis che però era anche l'unica forma di guadagno, con tutta l'enorme pressione che ne conseguiva, per lui che già da giovanissimo si fece una famiglia. Forse la testimonianza più genuina ed empatica di tutti i protagonisti.

La serie, come da regola, si muove tra interviste registrate per l'occasione ed immagini di repertorio di partite, servizi dell'epoca e pagine dei quotidiani, lasciando anche qui, attraverso la riproposizione di contesti e personaggi di una RAI che fu (Galeazzi, quando faceva il giornalista), un'intensa traccia emotiva in quanti erano bambini negli anni settanta.

Concludo il post tornando alla partita cilena, con tutto quanto la accompagnò, tra chi sosteneva che non si dovesse andare per protestare contro Pinochet (il P.C.I., ovviamente) e chi invece era dell'idea opposta (più o meno tutti gli altri). Nel ricostruire quello scenario, Procacci intervista un giornalista scrittore cileno che, tra i tanti purtroppo avvenuti, racconta un episodio terrificante: la visita della FIFA (l'organo mondiale del calcio) allo stadio di Santiago per verificare che non ci fossero detenuti al suo interno, come la stampa aveva riportato. Ebbene, questi buffoni al soldo del business fecero solo il giro del campo, mentre negli spogliatoi e negli spazi interni migliaia di oppositori politici imprigionati e costretti al silenzio dalla minaccia delle armi vedevano passare codesti alti papaveri sorridenti e compiaciuti che tutto fosse perfettamente in ordine. Alla fine anche il P.C.I. si convinse dell'opportunità di giocare la finale di Davis. A persuaderlo furono proprio gli esuli e gli oppositori cileni, che pensarono di avere così una finestra di visibilità del loro martirio verso il mondo esterno.

In programmazione e on demand su Sky.

John Mellencamp, Stricktly a one-eyed jack

Che tipo di rapporto si crea con un artista, quando ascolti le sue composizioni  per qualcosa come più di trentacinque anni, vale a dire, nel mio caso, due terzi della tua vita? 
Chiaro, all'inizio è l'affinità con un genere a farti avvicinare ad un interprete, poi c'è la fase del coinvolgimento totale, gli album mandati a ripetizione, i testi imparati a memoria, i passaggi delle liriche in cui più ti riconosci sottolineati in rosso e magari scritti sul diario di scuola o su qualche muro della stazione mentre aspetti il treno. Poi il tempo passa, i tuoi gusti si modificano, ma per qualche ragione quel riferimento è sempre lì, in agguato. Non c'è la frenesia di una volta nello scartare una sua nuova release, non c'è più la magia di un ascolto speciale, magari di notte con le cuffie, quando il resto della famiglia dorme, ma prima o dopo, all'uscita di un suo nuovo album, sai che gli dedicherai un pò più di attenzione di altri e che, siccome pensi di aver sviluppato un certo giudizio critico, come si fa con le persone a cui tieni, non lesinerai, se pensi sia il caso, critiche. 

Il primo ellepì di Mellencamp che ho comprato è stato Scarecrow (1985), ottimo successo nelle charts americane (quattordici volte platino, che significava quattordici milioni di copie, con il fiocco rosso di tre singoli al numero uno) e fucina di brani che ancora oggi sono tra i più richiesti dai fan. Ci arrivai, ovviamente, sulla scia di Springsteen, cercando altri eroi del blue collar rock (anche se, nel caso dell'ex coguaro, sarebbe meglio parlare di farmer-rock). Ci misi un pò a metabolizzarlo, ricordo che mi entrò molto più sottopelle il successivo The lonesome jubilee, forse anche per il suo intrecciarsi con una fase felice (una delle prime della post-adolescenza e per questo più travolgenti) della mia allora giovane vita. Mellencamp cantava di gente che in periferia ci stava bene ma che non ce la faceva a tirare avanti, a cui la banca portava via la fattoria a causa dei debiti, che amava il rock and roll, il ballo, che subiva piccole grandi ingiustizie: di tutti quegli elementi insomma di cui la vita, tra tragedie e momenti di gioia, è fitta.  Lo stile definitivo di Mellencamp (violini, fisarmoniche, banjio, steel guitar) comincia timidamente a delinearsi, derogando progressivamente al mainstream rock venato di Stones che caratterizza la sua produzione fino Uh-Huh (1983) proprio da Scarecrow. E' da qui che la strumentazione old-music si prenderà sempre più spazio fino a contenere la definitiva cifra stilistica del buon Little Bastard. 

Difficile dire cosa mi aspetti oggi da un nuovo lavoro di JM, dopo che le mie orecchie hanno attraversato in questi anni sostanzialmente tutti i generi musicali, senza badare se fossero considerati alti o bassi, succhiandone avidamente la linfa vitale, nel tentativo di ritrovare le emozioni delle prime volte che sono, per antonomasia, irripetibili. Forse è solo una incapacità mia di affrancarmi dagli artisti che mi hanno formato, oppure abitudinarietà, comfort zone, nostalgia, una voce e un sound che per il cuore assolvono la stessa funzione del detto "sight for sore eyes" per gli occhi. Altro non saprei ipotizzare, ma insomma, non è che ci debba necessariamente essere una spiegazione razionale. L'amore per la musica non lo è.

Sicuramente, al contrario di molti altri, Mellencamp ha dalla sua una grande, financo brutale chiarezza d'intenti. Il suo rifugio nel porto sicuro è nella musica che ama, nel folk rurale, nelle piccole storie, con qualche divagazione che rimanda ai tempi del vecchio coguaro, sapientemente compensata da pennellate jazz. Tutta questa autonomia artistica da sola non è garanzia di qualità, a volte anzi i suoi lavori scivolano nel ripetitivo, brani di un disco si confondono con quelli di un altro e le fotografie delle persone che vivono ai margini si sporcano di paternalismo, però questo ambito gli consente una dignità artistica propria di pochi altri coetanei (mi sovviene Neil Young, più vecchio e anarchico, ma insomma ci siamo capiti). 

E dunque questa sommaria descrizione dell'artista si ritrova nell'ultima fatica (finalmente ci arrivo) Stricktly a one-eyed Jack, rilasciata nei primi giorni di quest'anno e figlia di sessioni necessariamente svolte durante i lockdown. Non che l'effetto delle limitazioni alla vita sociale causate dalla pandemia si avvertano particolarmente nel mood del disco, visto che John riprende perlopiù il solco crepuscolare emerso tra le note dell'ultimo lavoro di inediti, Sad clowns & hillbillies del 2018, e con esso una certa fascinazione per l'approccio al canto di Tom Waits che in  occasione di quella recensione avevamo segnalato.

L'album regala in questo senso piccole grandi suggestioni, raggiungendo a mio parere lo scopo che si prefigge, con alcuni apici davvero emozionanti (la tromba che irrompe malinconica in Gone too soon, l'andamento swing di Driving in the rain, l'atipica - per Mellencamp -  conclusione pianistica di A life full of rain), qualche ruvida, riuscita toccata-e-fuga in ambito rock mellecampiano (Did you say such a thing e Lie to me) e un bell'aggancio allo stile folk di fine ottanta (Sweet honey brown avrebbe potuto tranquillamente stare su Big Daddy). Tutto bene dunque? Non proprio. La tanto attesa collaborazione con Springsteen è arrivata forse fuori tempo massimo, con il Boss che è presente in tre canzoni, in due di esse come corista e chitarrista (le già citate Did you say such a thing e A life full of rain) ed in una, Wasted days, in duetto vocale (con tanto di video). Spiace affermare che il pezzo, assieme a Chasing raimbow, è brutto a livelli di inascoltabilità, fa proprio crollare ogni sospensione dell'incredulità lasciandoti improvvisamente davanti a due vecchi (benestanti) immalinconiti per il tempo che passa che non trovano di meglio da fare che mettere assieme una manciata di concetti retorici e banali. Due pezzi che zavorrano quello che resta comunque un ottimo disco, che ha avuto la forza, ancora una volta, di distogliermi dal monopolio dell'ascolto di benaltri generi musicali.

E forse la ragione della mia lunga storia con John "Cougar" Mellencamp sta tutta qui.

Fontaines D.C., Skinty fia

 

I Fontaines D.C. sono ormai una realtà consolidata della new wave of new wave inglese tardo settanta inizio ottanta. Fieramente irlandesi (Skinty Fia - la dannazione del cervo - è il secondo disco - su tre - con un titolo in gaelico, dopo il debutto Dogrel - filastrocca - ), hanno estrinsecato l'amore per la propria terra in due modalità: la prima, all'esordio, da indigeni, quindi con il forte orientamento polemico proprio di chi ama in modo smisurato la sua terra, la seconda, che sta alla base di molte composizioni di questo album, da emigranti in Inghilterra e quindi più malinconico, nostalgico, evocativo. Per rendere plastico il concetto, la distanza e la diffidenza che ancora c'è tra certa Great Britain e, come vengono volgarmente chiamati gli emigranti irlandesi, i Paddies, Skinty Fia si apre con In àr gCroìthe go deo, che prende spunto dalla recente vicenda di una famiglia irish di Coventry alla quale è stato negato di incidere la frase in gaelico titolo della canzone (significa: per sempre nei nostri cuori) sulla tomba di un congiunto, a causa di un pregiudizio che ancora oggi connette l'uso di questa lingua antica con l'IRA e il terrorismo. 

Nella breve storia di questa band qualcosa l'abbiamo imparata: ad esempio che l'open track orienta in qualche modo il mood del disco. Se nel debutto Dogrel era Big a definire le coordinate post punk e strafottenti del lavoro, e in A hero's death lo stesso faceva la malinconica litania new wave I don't belong, qui si sceglie una strada ulteriormente diversa, con un brano che rimanda alla tradizione celtica (lo stesso farà The couple across the way, la traccia numero sette) e che è frutto della nuova vita da migranti dei ragazzi: uno status che cambia le prospettive e addolcisce i ricordi.  L'irlandesità da lontano è celebrata anche nel pop (che una volta avrebbe potuto essere) da classifica di Roman holiday e nel drammatico, accorato j'accuse di I love you. 
Al netto di questo aspetto, comunque prevalente, Skinty fia, dovendo scegliere da che parte stare tra l'esuberanza del debutto e la freddezza (a tratti) del secondo lavoro, opta per quest'ultimo campo. Così How cold love is, filosoficamente, si intreccia a I don't belong, aggiungendo alla ricetta l'ingrediente della tossicità in taluni rapporti interpersonali e Jackie down the line inserisce con garbo gli Smiths nella lista dei tanti artisti graditi ai ragazzi. 

Questo disco e Dogrel hanno monopolizzato molti dei miei ascolti delle ultime settimane. Lo sai, io sono quello che quando va in fissa con qualcuno diventa anche noioso nella reiterazione degli argomenti, ma era un pezzo che non mi innamoravo in maniera tanto radicale di una band. Di una band, peraltro, così lontana dai miei clichè. 
Spero che la salute e l'ispirazione ce li conservi a lungo.

Kiss kiss bang bang (2005)

 

Harry è al punto più basso della gerarchia dei ladri, al punto che è ridotto a rubare il giocattolo richiesto dal nipote per Natale, quando scatta l'allarme del negozio ed è costretto a scappare assieme al suo complice. Ingaggiati in un conflitto a fuoco con la polizia, Harry scappa e finisce per nascondersi in un ufficio dove stanno "provinando" alcuni attori. Lo shock della fuga e della sparatoria lo portano a fornire una prova attoriale tesissima, che lo vede entrare nel giro del cinema hollywoodiano.

Esordio alla regia di Shane Black, Kiss kiss bang bang, rivisto oggi, emerge per il gioiellino di black comedy e sarcasmo che forse non tutti avevamo compreso al momento della sua uscita. C'è davvero tanta roba e messa in scena egregiamente, in questo film: l'intreccio poliziesco, la critica corrosiva alla comunità della mecca del cinema americano, ritmo, azione e battute fulminanti. 
Robert Downey jr, ad un passo dall'incontenibile notorietà scaturita dal ruolo di Tony Stark/Iron Man (e, a proposito, chissà se è stato proprio l'attore a proporre Shane Black per Iron Man 3), è strepitoso nei panni del ladro onesto, moralista e logorroico Harry Lockhart, così come lo sono, nei rispettivi ruoli, Michelle Monaghan (l'aspirante attrice Harmony) e Val Kilmer (il detective privato Perry). 

Downey jr è anche la voce fuori campo che sfonda la quarta parete demolendo i clichè del cinema popolare USA. Non di secondaria importanza la tenuta dell'intreccio puramente crime, che, nonostante il chiaro intento provocatorio del progetto, tiene fino alla fine col fiato sospeso.

Tra Il grande Lebowski, Hollywood party e Vizio di forma. 

Da riscoprire

Lyle Lovett, 12th of june

Questa maledetta abitudine consumistica di incasellare dentro un genere, sopra la mensola di uno scaffale, un'etichetta ad un artista resiste anche alla fine del mercato discografico. Probabilmente perchè anche le piattaforme di streaming devono alimentare quel mostro chiamato algoritmo e orientare gli ascolti degli utenti, non sia mai che si affacci a qualcosa di nuovo o spiazzante o inaspettato. 

Così capita che ancora oggi, dopo che ha ampiamente dimostrato quanto trasversale possa essere la sua musica, Lyle Lovett, sia ancora considerato solamente un artista country. E' probabilmente sfuggito a qualcuno il fatto che da almeno una ventina d'anni il nostro registra e si esibisce coadiuvato da una band da quindici elementi di chiaro stampo jazzistico (la Large Band) e che le sue composizioni sono tutt'uno con jazz, swing, dixieland, old music in generale. 
All'inconsapevole scopo di ribadirlo, Lyle, per il suo comeback album dopo dieci anni dal precedente, compie due mosse: la prima passare ad un etichetta dalla nobile tradizione jazz (la Verve) e la seconda sparare in faccia all'ascoltatore una partenza 100% jazz & swing, attraverso quattro classici del genere (lo strumentale Cookin' at the Continental di Horace Silver; Straighten up and fly right di Nat King Cole; Gee, baby ain't I good to you di Razaf/Redman - molto nota la versione di Billie Holiday -  e Peel me a grape di David Frischberg) e un pezzo scritto di suo pugno, il trascinante e divertentissimo Pants is overrated. 

In questa parte del disco (5/12 del totale della tracklist) la Large Band maramaldeggia in lungo e in largo, facendo emergere in maniera prepotente l'alchimia che si è ormai creata tra il leader e i musicisti. Nella seconda parte (quanto sarebbe efficace lo stacco temporale di un lato B di un 33 giri) emerge tutto l'afflato old time country, con le melodie alla Gram Parsons sempre ben presenti, e una manciata di pezzi (Her loving man; 12th of june, dedicata - al pari di Pants is overrated - alla recente nascita dei suoi due gemelli) emozionali che lasciano spazio solo in un'occasione (Pig meat man) all'aspetto più ludico, ma sempre ispirato, del talento compositivo di Lyle.

Se cercavamo un'ulteriore prova che le uscite, ormai rarefatte, di Lovett non siano mai banali il sessantacinquenne texano ce le ha fornite, con un altro disco incantevole.

La canzone che mi passa per la testa / COCHI E RENATO

I Molti Santi del New Jersey (2021)

 

New Jersey, fine anni sessanta. La mafia italiana agisce da quel lato del fiume Hudson attraverso "Gentleman" Dick Moltisanti e le diramazioni della sua famiglia, su tutti Johnny Soprano. Il sistema patriarcale sul quale di fonda la comunità italo-americana è scolpito nella roccia: gli uomini a svolgere le varie attività (lecite a copertura di quelle illecite) e le donne a casa. Tutti gli uomini sono sposati e hanno una comare (l'amante) fissa, per farci ovviamente le cose che, nella cultura retrograda dell'epoca, non possono/vogliono fare con la moglie, e spesso le consorti (rigorosamente confinate alla gestione di casa e figli) ne sono a conoscenza. Dick ha però diversi problemi: la moglie non riesce a restare incinta, e, allo stesso tempo, il padre torna dall'Italia con una nuova, giovane, moglie, proprio mentre la manovalanza di colore di cui si serve minaccia di ribellarsi.

La conclusione de I Soprano (qui le recensioni delle stagioni 4 , 5 e 6), per molti - me compreso - perfetta, combinata con la prematura scomparsa di James Gandolfini, ha lasciato orfani i fan della serie. Detto che sarebbe stato delittuoso dargli un seguito, HBO e gli autori hanno cominciato a lavorare su di un prequel, che è finalmente uscito l'anno scorso. David Chase ha però concentrato la narrazione non tanto sul padre di Tony Soprano, Johnny, che pur compare (interpretato da Jon Bernthal), ma su Dick Moltisanti, papà di Christopher, personaggio importante, ma secondario del serial. 

La scelta si è rivelata azzeccata, perchè viene introdotto il personaggio controverso e meraviglioso di un gangster che cerca di compensare i suoi scatti di rabbia e la sua crudeltà (mostrata attraverso due-tre scene intense, ed una, in particolare, splatter) con atti di generosità e, soprattutto, con un rapporto di grande affetto nei confronti del nipote adolescente Anthony Soprano (interpretato da Michael Gandolfini, figlio di James), futuro boss, nonchè, ovviamente, perchè Alessandro Nivola sembra nato per il ruolo, tanto lo veste bene. Non mi ha invece del tutto convinto l'idea di usare Ray Liotta (alla sua penultima prova prima della scomparsa) per il doppio ruolo di padre e zio di Dick.

Anche se il film è perfettamente godibile senza aver visto la serie, è chiaro che ai cultori de I Soprano (produzione che ha fatto costume, oltre a rivoluzionare il mezzo televisivo dei "telefilm") questa pellicola apre il cuore per tutta una serie di ragioni. Gli autori portano infatti sullo schermo alcuni episodi raccontati dai vari personaggi durante le sei stagioni della serie ed è gustoso vederli prendere vita. Poi, è chiaro, godere di alcuni personaggi chiave della narrazione da giovani, con decisioni e accadimenti che si raccordano con i loro comportamenti futuri, fa un certo effetto e ci permette di approfondire le ragioni del rancore accumulato da Junior Soprano, i semi dell'infelicità e della depressione di mamma Livia, l'ignorante spietatezza di Pussy, Paulie e, soprattutto, la verità sui capelli di Silvio (che nella serie sarà interpretato da Little Steven e qui da John Magaro). 

Quando poi si arriva alla sequenza finale e parte a tradimento il giro di basso che caratterizza l'open credits theme, Wake up this morning degli Alabama 3, si raggiunge l'estasi. 

Tra l'altro, per come è strutturato il plot, nulla vieta di sognare una "trilogia prequel".

Insomma c'è modo e modo di realizzare un prodotto "fan service". I Molti Santi del New Jersey è il migliore possibile.

MFT, maggio e giugno 2022

ASCOLTI

Michael Monroe, I live too fast to die young

Ministri, Giuramenti

Fontaines D.C. , Skinty fia; Dogrel

Def Leppard, Diamond star halos

Liberato, Liberato II

Wilco, Cruel country

Aslan, Feel no shame

Thunder, Dopamine

Touch, Tomorrow never comes

Lyle Lovett, 12th of june

Red Hot Chili Peppers, Unlimited love

Scorpions, Rock believer

John Mellencamp, Stricktly one-eyed Jack

Eddie Vedder, Earthling

Warrior Soul, Out on bail

Old Crow Medicine Show, Paint this town

Raul Malo, Quarantunes vol 1

John Coltrane, Ballads

VISIONI

(in grassetto i film visti in sala)

La truffa è servita (s.v., vale il medesimo discorso fatto qui)
The northman (4/5)
L'ombra della vendetta (3,25/5)
Liberaci dal male (2020) (3/5)
Fire City (3,25/5)
Doctor Strange nel multiverso della follia (3,25/5)
Tropa de elite (3,5/5)
Malignant (3/5)
Quel lungo venerdì santo (3,25/5)
L'ultimo uomo sulla terra (3,75/5)
The time machine (2,75/5)

Come fare carriera molto disonestamente (3/5)

Gli occhi della notte (3/5)

La regola del silenzio (2,75/5)

Mollo tutto e apro un chiringuito (2,5/5)

La ragazza di Stillwater (2,75/5)

Yoga Hosers - Guerriere per sbaglio (3,5/5)

Vite segrete (2018) (3,25/5)

Aniara (3,5/5)

Patto di sangue (2016) (2,5/5)

The box (2,5/5)

Al di là della vita (3,75/5)

Top gun (2,5)

Burn (2019) (3,25/5)

I Molti Santi del New Jersey (3,5/5)

Tueurs (3,5/5)

Spiderhead (2,5/5)

A quiet place (3,75/5)

Un eroe (3,5/5)

Funeral party (3/5)

La signora di Shangai (4/5)

Snakes on a plane (2,5/5)

Mr. Nice (2,5/5)

Visioni seriali

Ozark 4, seconda parte (2,5/5)
WandaVision (3,25/5)
La mala - Banditi a Milano (docuserie) (2,75/5)
La storia dei cult movies (docuserie) (3/5)

Better call Saul 6, prima parte (2,75/5)

Bang bang baby (3,25/5)

LETTURE

Victoria Mary Clarke, Una pinta con Shane MacGowan
James Cain, Falena

Touch, Tomorrow never comes (2021)

I newyorkesi Touch esordiscono col botto nel 1980 sfornando un disco eponimo divenuto nel tempo un cult assoluto tra i fan dell'AOR/Melodic HR. Un secondo album (II, va da sè), pronto nel 1981, resta in naftalina per poi vedere la luce solo nel 1998. Nel frattempo i due leader della band, Mark Mangold (tastiere) e Doug Howard (chitarre), non restano con le mani in mano, costruendosi una carriera non di primissimo piano (American Tears e Drive, she said il primo, Todd Rundgren, tra gli altri, il secondo) ma comunque degna di nota, sempre nel medesimo ambito musicale. 

Capisci bene che non può essere una release banale quella che vede la line-up originale riformarsi, oltre quarant'anni dopo, per dare un seguito a quel notevole debutto. 

Tomorrow never comes inizia -  title track e Let it come - esattamente nel modo in cui te l'aspetti, rock melodico fatto da dio, com'era normale (per quelli bravi) realizzarlo agli albori degli ottanta, con i settanta ancora sui polpastrelli della dita, e prima che il genere, per un breve periodo, diventasse mainstram. 

Però, proprio quando hai sintonizzato le tue orecchie su quel mood da comfort zone, ecco che arriva Swan song, un prog/pomp di quasi otto minuti alla maniera dei Queen (e di tanti altri, nei settanta). E' l'inequivocabile segnale che i Touch non vogliono darsi steccati. Dopo tutto questo tempo, e senza l'assillo di vendere dischi (come chiunque altro), vogliono godersela fino in fondo e prenderla come viene. 

E viene bene direi, se si passa dal pop di Trippin'over shadows al rockabilly di Lil bit of rock and roll (con un gustoso assolo di piano del leader Mangold), passando per l'hard rock seventies di Fire and ice, giù giù per dodici tracce fino alla conclusiva Run for your life. 

Sorpresa: siamo tutti lì ad attendere una ballatona, componente "doverosa" in un disco di melodic rock, che non arriverà mai. 
Forse perchè questo album vola più in alto di un banale disco di melodic rock.

L'ultimo uomo della terra (1964)

In un futuro imprecisato lo scienziato Robert Morgan sembrerebbe l'ultimo sopravvissuto ad un'epidemia mondiale che ha trasformato tutti gli uomini in morti viventi. Morgan di notte si barrica in casa assediato da questi vampiri zombie, e di giorno, quando gli esseri sono semi-incoscienti, li caccia per ucciderli. La sua solitudine è angosciata dal ricordo della moglie e della figlia, entrambe colpite mortalmente dall'epidemia.

Se, a quasi sessant'anni di distanza, L'ultimo uomo sulla terra è ancora universalmente considerato la migliore trasposizione dell'epocale romanzo di Matheson (conosciuto con due titoli: I vampiri oppure Io sono leggenda) un motivo ci sarà. 

E non solo perchè questa produzione italo-americana, dal budget risicato (altro che il fallimentare blockbuster con Will Smith, per dire), girata a Roma nel quartiere EUR, si è avvalsa anche della sceneggiatura dello stesso Matheson (lo scrittore in un secondo momento, insoddisfatto per alcuni cambiamenti, chiederà di apparire nei crediti attraverso uno pseudonimo).

Piuttosto, la ragione principale della tenuta storica del film è da attribuire all'atmosfera della pellicola, ottenuta grazie al lavoro dietro la macchina da presa di Ubaldo Ragona, di location incredibilmente efficaci, di un crescendo angosciante ed, ultimo ma non ultimo, un'interpretazione del protagonista da parte di Vincent Price, tanto per cambiare, perfetta. 

Davanti a film così emerge un misto di orgoglio e nostalgia nel riscoprire cosa eravamo in grado di fare nel periodo d'oro della nostra industria cinematografica.

Disponibile su Prime Video

Fontaines D.C., Milano 8 giugno 2022

Non per essere banale citando la famigerata nuvola dell'impiegato di fantozziana memoria, tuttavia era ampiamente prevedibile che il mio ritorno ad un concerto potesse essere funestato da qualche evento esterno incontrollabile. Infatti in quel del Club Magnolia di Segrate che affaccia sul "mare di Milano" (l'Idroscalo), prima dell'inizio dello show si scatena un bell'acquazzone che mi allunga la Guinness e si aggiunge ai crauti dell'hot dog, facendo presagire un altro rinvio di un'esibizione già rimandata un paio d'anni fa per covid. 

Ma facciamo un passo indietro.

I Fontaines D.C. li scopro leggendo le recensioni del loro primo album (Dogrel) da parte di critici con l'orecchio buono e molto attenti alle novità di qualità, quindi quanto più possibile lontano dalle mie aree d'interesse, molto più terra terra e consolidate. Ormai, avendo un età, capisco abbastanza d'istinto quando non è roba per i miei denti e lascio perdere, tanto è vero che, magari sbagliando, ma non ho mai assecondato tutto il filone di revival post-punk new wave della prima parte degli anni zero. Qui però, non so se per la provenienza della band (Dublino, quel D.C. nel nome sta proprio per Dublin City) o per qualche assonanza coi Pogues (che respingo) individuata dai critici togati di cui sopra, mi ci sono messo di buzzo buono. E anche laddove non mi spingerei a parlare di folgorazione, sicuramente di colpo di fulmine (che per antonomasia potrebbe essere effimero), beh, quello sì. Fatto sta che ho consumato i CD dei primi due album (al debutto ha fatto seguito A hero's death) e mi sono fiondato su Skinty fia, il terzo, appena pubblicato (tre dischi in quattro anni, una media d'altri tempi).

Insomma, il tutto per dire che appena ne ho avuto l'occasione li ho voluti testare dal vivo. I ragazzi erano da poco stati a Milano (sold-out all'Alcatraz, a marzo) ma, come accennato, dovevano recuperare una data rinviata al Magnolia, e quindi rieccoli. Arrivo presto, diciamo un paio d'ore prima dell'orario previsto di inizio, parcheggio lontano per evitare gli imbottigliamenti all'uscita dal parcheggio di prossimità e scruto le nuvole nere sopra la mia testa. Per fortuna: a) quando inizia il temporale ho quasi finito di consumare il junk food di rito b) il Circolo ha un discreto spazio coperto che mi consente di limitare i danni. La temperatura è comunque scesa, io sono con una polo bianca impiegatizia che stona a fianco del tanto nero sfoggiato (white is the new black?), farei la follia di comprare una felpa brandizzata con nome della band ma, curiosamente, non c'è banchetto con merchandising nè ufficiale nè tarocco.

Ci si guarda come di rito attorno e la fauna è abbastanza variegata. Noto con piacere numerosi ultracinquantenni con magliette vintage (a sorpresa Bahahus batte di misura Joy Division) che non lesinano racconti su concerti storici di Milano primi anni ottanta. In generale, per essere un concerto rock, l'età non è comunque verdissima, direi una media tra i trenta e i quaranta. Il bill annunciava degli ospiti, che, con l'approssimarsi delle nove, è parso chiaro a tutti che non ci sarebbero stati. Con la schiarita intanto il posto si è affollato, bene ha fatto chi, avendone le possibilità (cioè il fisico), non ha mollato le transenne nemmeno nel massimo dell'acquazzone, come un novello capitano Achab. 
Non si capisce se per abitudine o per un check approfondito di palco e strumenti dopo la pioggia, fatto sta che i Fontaines D.C. salgono sul palco con un bel tre quarti d'ora di ritardo sullo schedulato. 

Look random della band: bassista in improponibili shorts da spiaggia, chitarrista solista ineccepibile in outfit da rocker figo, cantante agghindato come se avesse dimenticato di fare il bucato e avesse recuperato panni abbinandoli a caso dal cesto della biancheria sporca prima di scendere al pub. Al netto di queste frivolezze, l'attacco di Lucid dream è sconquassante. 

Mi aspettavo, forse temevo, una band statica e un pò cupa che proponesse i suoi pezzi in modalità catatonica e mi ritrovo al contrario un frontman (Grian Chatten) che non spiaccicherà una parola per tutto il concerto ma che attraverso una fisicità tanto epilettica quanto comunicativa interpreta adeguatamente versioni molto più potenti e aggressive delle composizioni, coadiuvato in questo da un drumming poderoso e da un efficace utilizzo delle luci.

Si capisce che il pubblico ha ben recepito non solo i pezzi, ma anche il mood lirico del gruppo, che, talvolta, supplisce all'assenza di ritornelli con strofe-mantra ripetute ossessivamente, rimandate entusiasticamente verso il palco. Non sembra ci siano preferenze particolari tra le tracce di un album o di un altro, che si tratti di Sha sha sha, Roman Holiday o I don't belong, il ritorno in termini di entusiasmo è sempre garantito. Detto dell'istrionismo del frontman - i Fontaines D.C. si stanno progressivamente affrancando dal modello Joy Division, ma devo dire che nelle movenze Grian ricorda ancora il povero Ian Curtis - , la band tiene il palco in maniera molto cool, vale a dire nessuna moina particolare da parte degli altri componenti, ognuno fermo al suo posto. 

Superata da poco la metà del concerto, proprio al termine di un'esaltante Too real, il chitarrista Carlos O'Connell, richiama l'attenzione di tutti indicando un punto tra la folla. Qualcuno si è sentito male. Il gruppo decide di fermare il concerto per "l'incolumità generale", dando modo al personale sanitario di soccorrere il malcapitato. Devo dire che in tanti anni di concerti non mi era mai capitato di assistere ad un gesto di questo tipo (anzi... ho visto lasciar correre situazioni ben più gravi): un altro punto a favore della genuinità dei ragazzi.

Lo stop dura una quindicina di minuti e quando la formazione rientra sul palco, quasi per "giustificare" l'interruzione, annuncia un brano aggiuntivo in scaletta. Inoltre, senza che questo venga comunicato, la seconda parte dello show non avrà la classica interruzione prima dei bis e il concerto arriva pertanto senza ulteriori stop alla sua conclusione. Il brano aggiunto alle scalette fin qui suonate (piuttosto immutabili, per la verità) è la suggestiva opener di Skinty fia, In à gCroìthe go deo. 
La band ha il controllo totale della situazione, manca solo l'acme, il tripudio finale, che arriva senza sforzo con Jackie down the line e The boys in the better land prima della conclusiva I love you.

Mi sono dilungato nella premessa, non lo farò per le conclusioni. Era da tempo che non assistevo ad un concerto che mi lasciasse così tante scorie emotive nella testa e nel petto, soprattutto non trattandosi di una band di cui conosco a memoria tutte le canzoni e così fuori dalla mia canonica sfera d'interesse (anche se poi, mettendo in pausa la commiserazione, quando la musica è buona non mi pongo steccati). 
E' valsa la pena vincere pigrizia e sfidare il maltempo per non perderseli. 

Mi estraneo dal dibattito perennemente in corso: che diventino i nuovi U2 o che si perdano col passare del tempo, personalmente lo ritengo irrilevante. Carpe diem.

WandaVision (2021)

Dopo gli eventi di Avengers Endgame ritroviamo Wanda Maximoff e Visione (che sappiamo essere morto nel corso degli eventi legati a Thanos) vivere assieme in un contesto che richiama quello delle sit-com americane degli anni cinquanta. Come può essere possibile?

Sono arrivato alla visione di questa serie dopo aver visto l'ultimo buon film di Sam Raimi su Doctor Strange, che ha un collegamento, non indispensabile per apprezzare il film, ma comunque importante con WandaVison. Con mio stupore mi sono trovato davanti un serial che per almeno due terzi dei suoi nove, brevi, episodi si segnala come uno dei più audaci, spiazzanti e geniali visti di recente, soprattutto se si pensa al pesante vincolo della countinuity con il Marvel Cinematic Universe. 

Praticamente impossibile evitare gli spoiler in fase di commento, quindi ti consiglio, se non l'hai visto, di fermarti qui. 

L'innovativa idea degli sceneggiatori è quella di far elaborare a Wanda  (un personaggio che per molti anni nei fumetti è stato minore, quasi folkloristico, per poi assurgere ad un ruolo centrale in bilico tra il bene il male, con poteri enormi) il lutto per la perdita di Visione facendole assumere, grazie alle sue capacità telepatiche/sovrannaturali, il controllo degli abitanti di un'intera cittadina del New Jersey, Westview, nella quale ricreare un suo mondo perfetto modellato sulle sitcom americane con cui è cresciuta e nel quale riesce a ricreare il marito Visione e persino due figli.

Si genera così un senso di meraviglioso sbigottimento nell'assistere, episodio dopo episodio, assieme all'evoluzione degli eventi, a quella storica delle serie americane, con gli annessi cambiamenti di sigle e di stile, dai cinquanta fino agli anni zero, 

Quasi un esperimento televisivo per almeno quattro dei nove episodi della serie, solo nel quinto infatti gli autori cominciano ad allargare il plot all'esterno di Westview, e da questo punto in avanti il crescendo fino all'inevitabile scontro finale, questo sì canonico, ma che risulta meno ovvio delle ultime produzioni Marvel, proprio in virtù della lunga e straniante fase di avvicinamento ad esso.

E' nota la strategia della Marvel di allargare la continuità dei suoi film anche alle serie, un intento che mira a fidelizzare ancora di più gli spettatori. Questa cosa pare che funzioni (non nel mio caso, ho mollato per noia al secondo episodio Hawkeye e Moon Night) ma attenzione, perchè è la stessa dinamica che la Marvel aveva adottato nei fumetti e che l'aveva portata ad implodere: per capire un albo dovevi averne letti altre decine prima e l'effetto era la fuga dei lettori verso lidi meno cervellotici. 

WandaVision mi sembra però faccia storia a sè, in virtù di un'idea tra il nostalgico e il rivoluzionario e nondimeno grazie di due interpreti semplicemente strepitosi, Elizabeth Olsen (Wanda), in grado di passare da un registro all'altro con una naturalezza fuori dal comune, e Paul Bettany (Visione), che trasforma la freddezza di un androide in coolness d'altri tempi. 

Segnalo per i Marvel-nerd dei fumetti, la puntata 1x6 a tema Halloween, nella quale i due protagonisti si vestono come i characters dei fumetti anni settanta/ottanta. Un colpo basso che strappa un nostalgico sorriso.

La stazione, Jacopo De Michelis (2021)

 

Riccardo Mezzanotte è un poliziotto dal passato tormentato. Vive nel rimorso del difficile rapporto con il padre, anch'egli investigatore, morto in circostanze misteriose, con il quale non ha fatto in tempo ad appianare i contrasti. A seguito di una denuncia inoltrata a carico di colleghi corrotti, viene trasferito alla Polfer presso la stazione Centrale di Milano. Il suo prodigioso intuito gli fa intuire che dietro il ritrovamento di alcuni animali massacrati si possa celare il percorso iniziatico di un serial killer. Per cercarlo dovrà addentrarsi nei meandri sconosciuti della stazione, scoprendo una verità ancora più sconvolgente, nella quale si celano anche le cause sulla morte del padre.

Sono arrivato a questo libro, come spesso mi accade, mosso da un friccico di curiosità, alimentata questa volta dallo scenario del romanzo, la stazione Centrale di Milano, e dallo sfacciato endorsment del critico letterario del Corriere della Sera, Antonio D'Orrico, noto fan di James Ellroy, con il quale mi sono sempre trovato in sintonia. 

Avessi saputo che La stazione (Giunti, 870 pagine) conteneva elementi di fantasy probabilmente non l'avrei nemmeno preso in considerazione, non essendo questo un genere che mi appassiona (per usare un eufemismo). Dopodichè, a lettura ultimata, sono giunto alla conclusione che la storia avrebbe potuto essere realizzata anche senza l'uso di questi spunti sovrannaturali e che i problemi che ho riscontrato, in quello che comunque è un decoroso romanzo d'intrattenimento, non risiedono in questo aspetto. 

Ammetto che la colpa è un pò mia, ho aspettative sulla costruzione di una storia di tensione sempre piuttosto alte, e, anche in presenza di un intreccio "inverosimile", ricerco comunque una buona dose di sospensione dell'incredulità e verosimiglianza. Caratteristiche che qui non ho trovato, a causa di alcune costruzioni narrative approssimative (la cattura in solitaria del primo serial killer, il salvataggio di Laura dallo spacciatore, le parti di sesso), di dialoghi poco realistici, ma, soprattutto, in ragione di una costruzione monodimensionale dei personaggi, a partire dal protagonista, che mi è risultato istintivamente antipatico, e verso il quale non ho provato alcuna empatia, nonostante il tentativo dell'autore di costruirgli un passato turbolento (orfano di madre e presenza/assenza di padre anaffettivo). 
Nonostante gli sforzi dell'autore, Mezzanotte jr ne esce come il classico poliziotto tutto d'un pezzo (ovviamente strafigo) che non esita a buttare ogni cosa, reputazione, amori, carriera, nel cesso per fare sempre la cosa giusta, con l'alibi narrativo della costante e tardiva ricerca di approvazione paterna. Specularmente, nessuna zona grigia per le controparti: i personaggi negativi lo sono a tutto tondo, oltre ad essere raffigurati come stupidi, gretti, vigliacchi, violenti con le donne, sadici e anche un pò impotenti. 
Non si salva nemmeno Laura, la protagonista femminile, dotata di una sorta di telepatia che in fin dei conti non incide mai realmente sugli sviluppi della storia (McGuffin?). 

Mettiamoci anche che a metà libro si capisce chi sia l'oscuro burattinaio dietro ogni male patito dal protagonista e la frittata è fatta.

Lettura da sconsigliare, dunque? Non completamente, risultano apprezzabili il ritmo dell'incipit, con l'arrivo del treno speciale dei tifosi, l'idea della città nascosta, la rievocazione delle deportazioni degli ebrei dal binario 21, un afflato sociale che si manifesta attraverso l'affetto dell'autore verso gli invisibili, i dimenticati, che vivono nelle pieghe nascoste di ogni grande città. 

Ma forse, sopra ogni cosa, molto, se non tutto, si regge sulla protagonista assoluta del romanzo, lei, in tutta la sua severa maestosità: la Stazione Centrale di Milano che, come spiegherà l'autore nell'epilogo, è stata sottoposta ad approfonditi studi e ricerche che permettessero, qui sì, la più ampia ed accurata verosimiglianza se non degli eventi, almeno dei luoghi dove essi si svolgono. Luoghi ancora oggi, con la stazione tramutata nell'ennesimo spazio consumistico, densi di mistero e scoperte.

Zum Zum Zum - La canzone che mi passa per la testa

Non so tu, ma io spesso mi sveglio con una canzone che immotivatamente non vuole saperne di uscirmi dal gulliver (seconda citazione del post, la prima ovviamente è nel titolo). 

Oggi è questa:

Miles Davis, Steamin' (1961)

Nel 1956 c'era solo un ostacolo a frapporsi tra Miles Davis e un nuovo ricco contratto con la Columbia, che voleva espandersi al jazz: il precedente accordo sottoscritto dal trombettista con la Prestige, che prevedeva la realizzazione di almeno altri quattro album.
Anche chi non conosce questa storia, ma ha un minimo di idea della personalità del soggetto, può ipotizzare come sia andata a finire, con Miles a radunare la sua epocale band dell'epoca, comprendente tra gli altri un allora poco noto John Coltrane al sax tenore e Paul Chambers al basso (i due sarebbero rimasti con Davis fino al mitologico Kind of blue), e a registrare, in pochi mesi, dalla primavera all'inizio dell'autunno di quell'anno, un numero di brani sufficienti a permettere alla Prestige di pubblicare, centellinando le uscite in quattro anni, i quattro album richiesti: Relaxin'; Workin', Cookin' e, perlappunto, Steamin'.

Abituati a dischi fatti per dovere, e pertanto spesso approssimativi e insinceri, ci si potrebbe aspettare qualcosa di analogo per queste opere. Non è affatto così, e questi lavori, in bilico tra jazz classico, be bop, hard bop, sono ancora oggi considerati se non dei capolavori sicuramente l'abrivio decisivo di quel primo Miles Davis Quintet, l'ultima curva prima dei capolavori. 

Le sei tracce di Steamin', in particolare, nascono quasi tutte dalla prime take di un'unica session, quella dell'11 maggio del '56, ad eccezione dello fenomenale standard di Thelonious Monk, Well, you needn't, che proviene dalle registrazioni del 26 ottobre dello stesso anno. Non ci sono, per comprensibili ragioni di tempo, inediti, ma riproposizioni di pezzi che arrivano dal musical (Surrey with the fringe on top, da Oklaohma!), dallo stesso passato be bop di Miles (Salt peanuts, di Dizzy Gillespie) , dal repertorio di Monk, come già riportato, ma anche da notissime tunes popolari  (When I fall in love, portata al successo da Nat King Cole ).

Un disco (un lotto di dischi) insomma suonato, per esigenze commerciali, senza gli sperimentalismi e la voglia di spaziare tra i generi che avrebbe caratterizzato Miles (e Trane) da lì a poco, ma che rappresenta, soprattutto per i neofiti, un imperdibile viatico per familiarizzare con un genere e due artisti monumentali. 

I quattro album si trovano su un'unica edizione suddivisa su due CD, sostanzialmente al prezzo di uno.

Cattivo sangue (2021)

L'ex sicario Sergio, ritiratosi a Malta dove gestisce un locale, viene contattato dall'amico d'infanzia Francesco e da sua sorella, che vogliono ingaggiarlo per vendicarsi della banda dei fratelli Ventura.

La soggettiva del piano sequenza iniziale chiarisce subito che il regista debuttante Simone Hebara non ha nessuna intenzione di farsi condizionare dallo status di film indipendente, e quindi dal contenimento dei costi di realizzazione, per regalare al pubblico un noir di livello. 

Hebara si appropria della lezione dei crime classici, azzeccando gli elementi fondanti di una narrazione di questo tipo: i tempi della tensione, location, fotografia e, soprattutto, il villain: il violento e sadico Edgardo Ventura, di cui Matteo Quinzi fornisce un'interpretazione che resta impressa. 

Vero, la storia muove sullo spunto di una criminalità romana, ammanigliata con la politica e orfana della banda della Magliana, se vogliamo già raccontata in tante altre produzioni, ne tantomeno il film è esente da pecche, ma non è questo il punto, se ci cercasse l'originalità del plot in una storia di genere non si farebbero più film così. La valutazione si gioca invece sulla riuscita messa in scena di una vicenda che mette assieme vendetta, malaffare, violenza, corruzione e quello che gli anglosassoni chiamano deathwish. In questo ambito tragico il regista dirige congruamente un protagonista tormentato come il sicario Sergio (l'habituè di queste produzioni Claudio Camilli), riuscendo a condurlo all'unica conclusione possibile, senza tuttavia far calare mai la tensione.

Tu che leggi sai che questo è il punto in cui mi lamento del poco coraggio dei produttori italiani e dell'esortazione a dare a tutti i Simone Hebara che abbiamo i mezzi per fare un film all'anno. 

E, sarò ormai prevedibile come gli svarioni di Salvini, ma è esattamente ciò che faccio. 

Disponibile per il noleggio su Prime Video.

Deep Purple, Turning to crime (2021)

Così come non tutti i dischi di cover sono uguali, nemmeno tutti i dischi di cover figli del lockdown lo sono. Infatti, l'altra faccia della manciata di artisti o band che durante la clausura imposta dal covid hanno rilasciato album derivanti da registrazioni casalinghe improntati alla "buona la prima" è rappresentata dagli immarcescibili Deep Purple (siamo alla MK VIII) che non avevano certo bisogno di ulteriori esempi della loro classe senza tempo, ma insomma, ci hanno tenuto a ricordarcela.

Turning to crime (cronologicamente il loro ventiduesimo album di una carriera ultracinquantennale, con il solo batterista Ian Paice già presente nel debut album del 1968) vede la band divertirsi nel pescare tra i brani che, evidentemente, sono la summa degli amori musicali collettivi ed individuali dei singoli componenti. 
Il disco è vincente già dalla scelta dei brani, che viaggiano tra i poco noti e gli sconosciuti al grande pubblico (ammetto che in più di un caso ho dovuto cercare l'autore originale), ma soprattutto per la capacità che possiede di far emergere un amore ed una passione straripanti per il rock, in molte delle sue sfumature.

Diversamente il lavoro non si aprirebbe, rispettivamente, con un brano dei Love (7 and 7 is), uno, travolgente, del musicista errebì della Lousiana Huey Piano" Smith (Rockin' pneumonia and the boogie woogie flu) nei quali la band fa letteralmente faville, trascinando l'ascoltatore in epoche diverse ed eccitantissime. Sorprende anche il recupero del medley Jenny take a ride/CC Rider di Mitch Ryder, vero colpo al cuore per gli springstiniani un pò agè, dato che il pezzo faceva strutturalmente parte delle setlist del boss una quarantina di anni fa. 
La band insomma crea un magico limbo temporale dove il brand DP è sempre riconoscibile, pur affrancandosi nella sostanza dal sound "hard rock". 

Turning to crime è anche l'occasione per il debutto alla voce del bassista Roger Glover (sul country/rockabilly The battle of New Orleans). 

Poi vabbeh, che Ian Gillan non arrivi più alle tonalità più elevate lo abbiamo imparato, ma come intona lui i pezzi lo fanno in pochi, tra coetanei e non. Prendiamo ad esempio Dixie Chicken, l'omaggio agli enormi Little Feat. Un pezzo teoricamente non nelle corde di Gillan, che il frontman fa indiscutibilmente suo. 

Alla fine il pezzo più "normale" è anche il più famoso (White room dei Cream), mentre la conclusiva Caught in the act è una festosa sarabanda (quasi completamente) strumentale, che mette, in medley, Booker T and the MGs, Allman Brothers, Led Zeppelin e Spencer Davis Group. 

Non il disco dell'anno (passato), ma che goduria!

Gov't Mule, Heavy load blues (2021)

 

Arrivati al ventesimo album e dopo un flirt interminabile, i Gov't Mule celebrano la loro unione con il blues. La musica del diavolo infatti aveva sempre innervato muscoli e ossa della band, ma non aveva mai avuto l'onore esclusivo dei riflettori, spartendosi la scena con il soul, il rhythm and blues, il folk, il southern e il rock, da sempre cibo dell'anima degli onnivori sudisti.

La tracklist di Heavy load blues è (non) equamente suddivisa - 60/40 -  tra classici e pezzi inediti. Le due tipologie sono comunque del tutto indistinguibili, grazie alla qualità dei pezzi firmati dal leader Warren Haynes e alla scelta di interpretare standard poco noti al grande pubblico. 

Il pezzo forse più conosciuto è piazzato subito, in apertura di disco, e si tratta di Blues before sunrise di Elmore James, proposto nel suggestivo stile grezzo originale. 

Ci sarà poi spazio per il blues elettrico infarcito di soul alla BB King (Hole in my soul; Wake up dead), le immancabili ballate cariche di pathos e disperazione (Love is a mean old world; Heavy load; l'allure di errebì di Ain't no love in the heart of the city, le liaison tra blues e rock and roll (Snatch it back and hold it; Last clean shirt). 

Sugli scudi ovviamente la Gibson di Haynes che tesse e ricama come se non avesse fatto altro per tutta la vita (e in effetti...), ma il sound GM non sarebbe ciò che conosciamo senza la maestosità delle tastiere di Danny Louis, che a volte si nascondono umilmente, altre si prendono con arroganza la scena, come nell'apoteosi jam di nove minuti di I asked for water (She gave me gasoline). 

Che ti piaccia o meno il blues, fossi in te un giro tra queste note me lo farei. 

I Gov't Mule saranno quest'estate in Italia.

MFT, marzo aprile 2022

ASCOLTI

Deep Purple, Turning to crime

Gov't Mule, Heavy load blues

Saxon, Carpe diem

Dave Gahan, Imposter

Vincent Neil Emerson, ST

Miles Davis, Steamin'

Bachi da Pietra, Reset

Vio-lence, Let the world burn (EP)

Warrior Soul, Out on bail

Suicide, ST

AA/VV, Badlands: A tribute to Bruce Springsteen's Nebraska

John Mellencamp, Strictly one-eyed Jack

Scorpions, Rock believer

Ghost, Impera

Fabri Fibra, Caos

Cowboy Junkies, Songs of the recollection

Rachel Brooke, The loneliness in me

Red Hot Chili Peppers, Unlimited love

Fontaines D.C., Skinty fia

Old Crow Medicine Show, Paint this town

Willie Nelson, A beautiful time

Cannonball Adderly, Somethin' else

Taj Mahal, Get on board

Edgar Winter, Brother Johnny

Jack White, Fear of the dawn

The Alarm, The best

Meshuggah, Immutable

Thunder, Dopamine

Aslan, Feel no shame

Eddie Vedder, Earthling

PLAYLIST

Big Country

Flogging Molly

Bryan Ferry & Roxy Music

VISIONI

Animali notturni (3,5/5)
Il prezzo da pagare (2009) (3/5)
Uomini senza legge (2010) (3,5/5)
47 metri (3/5)
The Panama papers (3,5/5)
Una intima convinzione (3,5/5)
City of ghosts (2002) (2/5)

The King's Men - Le origini (1/5)

Nixon - Gli intrighi del potere (3,5/5)

Sir Gawain e il Cavaliere Verde (3,5/5)

Omicidio a Los Angeles (2,75/5)

Vendetta e redenzione (2/5)

Madre (2009) (3,5/5)

Drive my car (4/5)

Scompartimento numero 6 (3,5/5)

All'ombra della luna (2,5/5)

Okja (3,5/5)

Il contrattempo (3/5)

Il re di Staten Island (3,25/5)

I saw the devil (4/5)

The eys of Tammy Faye (3/5)

Made in Hong Kong (4,25/5)

Killerman (2/5)

Gimme danger (3,5/5)

Prisoners of the ghostland (3/5)

Bangla (2,75/5)

Cattivo sangue (2021) (3,75/5)

La terra dei figli (4/5)

Terminal (2018) (3/5)

Nameless gangster: Rules of the time (3,25/5)

Madres paralelas (3,5/5)

Una notte da dottore (2/5)

A vigilante (3,25/5)

The man from nowhere (3,5/5)

Freaky (3,25/5)

I cassamortari (2,5/5)

Mississippi grind (3,5/5)

Testimone misterioso (2,5/5)

Greta (3,25/5)

Finale a sorpresa (3,5/5)

La stangata (3,75/5)

La strada scarlatta (4/5)

Hugo Cabret (4,5/5)

Cella 211 (4/5)

Visioni seriali

Dopesick (3,75/5)
Hit and run (2,75/5)
Il re (2,75/5)

Christian (3/5)

LETTURE

Jacopo De Michelis, La stazione

La terra dei figli (2021)

In un'Italia devastata da guerre e successivi intossicamenti di acque e terreni, un ragazzo e suo padre vivono in una sorta di casa/palafitta in una laguna inaccessibile, attraverso un sistema di chiuse, al mondo esterno. Unici "vicini", raggiungibili via barca, Aringo, un vecchio rancoroso, aggressivo e violento e Strega, una donna cieca che ha buoni rapporti con padre e figlio. Il figlio, che vive senza sapere nulla della precedente era "civilizzata", a seguito di un avvenimento dovrà abbandonare quel mondo povero e ingeneroso, ma protetto, per avventurarsi nell'ostile territorio oltre le chiuse della laguna.

Forse, ma aspettiamo le necessarie conferme, dopo tante preghiere non esaudite, il cuore del cinema italiano di genere sta ricominciando a battere. Il 2021 in questo senso è stato un anno particolarmente pregno di segnali. Oltre al tentativo di blockbuster Freaks out, sono usciti un altro eccellente post apocalittico, Mondocane, un noir indipendente di sorprendente fattura, Cattivo sangue (mi piacerebbe recensire entrambi, ma, insomma, si vedrà, intanto segnateveli e magari recuperateli), un ottimo Diabolik, ed ad altri progetti magari meno riusciti (Calibro 9, Bastardi a mano armata, Il mostro della cripta, etc.) ma estremamente lodevoli negli intenti.

Tratto dall'omonima graphic novel di Gipi, La terra dei figli si avvale di una regia (Claudio Cupellini) dosata ed estremamente coerente con il mood distopico della storia che, a sua volta, si intreccia con location rugginose, meravigliosamente desolate (il film è stato girato tra il delta del Po, nel ferrarese, nel Polesine e nella laguna di Chioggia) nel quale lo specchio d'acqua riflette l'immobilismo di un mondo distrutto (si intuisce) dalla bestialità umana che, non ancora paga, invece di capire dai propri errori, amplifica ancora di più la propria crudeltà, stavolta giustificata da un disperato spirito di sopravvivenza. 

Detto di regia, esterni e fotografia, l'altra arma vincente del film è la prova di tutti gli attori. Laddove infatti, il grosso scoglio di produzioni italiane coraggiose è troppo spesso l'amatorialità delle interpretazioni, qui tutti i protagonisti sono resi in modo credibile e convincente, a partire dal figlio, interpretato mostruosamente bene dall'esordiente classe 2001 Leon de la Valèe (già rapper con il nome di Leon Faun) passando al padre (Paolo Pierobon), Aringo (Fabrizio Ferracane, visto di recente in Ariaferma e Il traditore), Maria (Maria Roveran), il capo (Alessandro Tedeschi), per finire con una delle migliori recenti prove attoriali, non a caso fuori dalle sue normali comfort zone, di Valerio Mastandrea (il boia). Nel cast anche Valeria Golino (la strega). Il più grande rimpianto è non averlo visto al cinema.

Anche se deontologicamente sbagliato, lo inserisco "postumo" nella lista dei miei migliori film del 2021.

Disponibile su Sky e Prime video.

I saw the devil (2010)

Un serial killer di ragazzine miete come sua ultima vittima la moglie di un agente dei servizi segreti, figlia di un ex commissario di polizia. I due uniscono le forze per individuare il colpevole. In particolare il vedovo, trasfigurato dalla perdita, una volta trovato l'assassino, mette in atto una forma di vendetta terrificante e violentissima, incurante dei danni collaterali che provocherà.

In premessa alla parte critica della recensione voglio segnalare il lavoro della Far East Film, che, oltre a tenere annualmente a Udine la più importante manifestazione cinematografica di film asiatici, da tempo ha anche attivato un sito (Fareastream) dove è possibile scegliere tra un buon numero di film asiatici, vecchi e nuovi, da vedere in streaming. Io mi abbono "random" ma seguo gli aggiornamenti dei titoli, ed è così che ho scoperto dell'inserimento di questo film, scandalosamente inedito in Italia, che era da tempo sulla mia wish list. 

Kim Ji-woon, regista sudcoreano formidabile e poliedrico, capace di girare, tra gli altri, gangster movie (l'epocale Bittersweet life) horror (Two sisters), commedie western ( Il buono, il matto, il cattivo) e fantascienza distopica ( Ilang - Uomini e lupi), con I saw the devil firma un thriller a tinte gore, oscuro, disperato e pervaso dalla violenza, dove la dicotomia tra bene e male, già normalmente sfumata nella grammatica cinematografica orientale, sparisce del tutto. Per mettere in scena questo dramma criminale Ji-woon si affida al meglio che la recitazione del suo Paese possa offrire: per l'agente dei servizi segreti Lee Byung-hun, dolente protagonista di Bittersweet life e per il serial killer Choi Min-sik, indimenticabile nel ruolo principale in Oldboy. Oltre a questo formidabile duo, il plus del film è, ovviamente, la mano dietro la mdp di Kim Ji-woon, che regala più di una sequenza nella quale la tecnica superiore non è fine a sè stessa, ma contribuisce ad alimentare, a seconda dei casi, tensione, pathos, angoscia o empatia con i personaggi. 

Non mi stancherò mai di ripetere quanto il cinema asiatico stia dando al cinema di genere, e in particolare al noir/crime/thriller/horror, portando i classici americani, francesi, italiani, di cui si è alimentato,  ad un livello superiore. Non c'è proprio partita, e dover constatare che un film come I saw the devil (per me tra i migliori thriller dei duemila), a dodici anni dalla sua uscita, non abbia ancora trovato qualcuno che lo distribuisca in Italia mette un'enorme tristezza, oltre a far riflettere sulle scelte strategiche dei nostri distributori (viste le schifezze che invece girano). 

Se non si fosse capito, straconsigliato.

Disponibile su fareastream.it. 

Saxon, Carpe diem

Come gli AC/DC, ma senza l'isteria mass-mediatica, come i Motorhead, ma molto meno cool, i Saxon fanno da trent'anni lo stesso disco. Trenta e non quaranta, nonostante la band sia attiva discograficamente dal 1979, perchè escludo il primo lustro degli ottanta, quello della massima espressione, e il secondo, quello in fin dei conti non così tremendo, della fase hair/glam/aor. E' dunque con Forever free del 1992 (vedi che i conti tornano?) si sono messi sulle spalle il ruolo di defenders of the faith e non hanno più sgarrato, muovendosi dall'heavy metal classico al massimo per sconfinare con qualche brano nell'epic/power. Tredici dischi in trent'anni dicono un disco ogni due anni, al massimo tre. Qui dal precedente Thunderbolt ne sono passati quattro, ma in mezzo sono stati rilasciati, rispettivamente, il primo disco solista di Byford e un album di cover (entrambi prescindibili, per chi scrive). 

La premessa mi serve per dire che nessuno si aspetta svolte particolari nel sound dei Saxon, ci si accontenta della potenza di fuoco e che il songwriting sia in buona condizione d'ispirazione. E in questo Carpe diem, a partire dall'epica copertina con due legionari romani sul Vallo di Adriano, è un disco riuscito. La produzione è coerente con il mood, i suoni sono potenti, la voce di Biff sempre solida e affidabile. L'attacco con la title track dal "solito" ritornello killer made in Saxon, la successiva Age of steam, con un interessante testo sull'avvento della rivoluzione industriale, e via via l'ottimo mid-tempo The pilgrimage, Remember the fallen, Lady in grey, ci consegnano una band sul pezzo e un leader che, tra gli inevitabili acciacchi dell'età (sono settantuno, eh), gliela ammolla ancora come un ragazzino.

Keep the faith.

Gimme danger (2016)

Tutti ormai riconoscono il fondamentale ruolo che ebbero gli Stooges nel piantare i semi di punk, hardcore e metal anche se, come per altre band seminali, i doverosi riconoscimenti sono arrivati postumi, decenni dopo che i tre fondamentali dischi (The Stooges -1969 -, Fun house - 1970 -, Raw power - 1973 -) vennero sostanzialmente ignorati dal pubblico. 
Jim Jarmush, grande fan della "più grande band di tutti i tempi", nel 2016, dopo la morte dei fratelli Asheton (batteria e chitarra), realizza questo documentario nel quale ovviamente Iggy Pop ha un ruolo centrale ma dove trovano uno spazio importante anche gli altri protagonisti dell'avventura degli Stooges.

Altrettanto centrale nella narrazione è lo scenario storico, con l'America sotto shock per i delitti della famiglia Manson che metteva una pietra tombale sulla stagione dell'amore che aveva contraddistinto la seconda metà dei sessanta. Da lì a breve, con l'avvento dei settanta, sarebbe iniziata una conflittuale stagione di lotte e ribellione incarnata con incredibile preveggenza, rabbia e nichilismo dalla band.

Va da sè che Iggy è un personaggio che da solo potrebbe reggere anche ore di intervista senza annoiare, ma la bravura di Jarmush è quella di creare un patchwork che fluisce dinamicamente tra interviste vecchie e nuove, immagini di repertorio e altri inserti (vecchi film, cartoon, spezzoni di televisione), per un risultato finale oltre che godibilissimo, imprescindibile per chi voglia approfondire la storia e il peso storico di un frontman come Iggy Pop e di una band come gli Stooges.

Gimme danger è disponibile su Rai Play