bottle of smoke

Album o' the week / Motorhead, Iron Fist (1982)

2012-01-28T06:30:00.001+01:00

L'apice del successo i Motorhead lo raggiunsero nei primissimi anni ottanta, con la tripletta Ace of spades, No sleep 'til Hammersmith e, appunto, Iron Fist. A memoria mia quest'ultimo era il più debole dei tre mostri sacri e in effetti, al netto della title-track, le canzoni che compongono l'album sono state spesso trascurate in concerto dallo stesso Lemmy. Personalmente mi sono divertito a riascoltarlo. I'm the doctor, Loser, Sex and outrage e (Don't need) Religion sono dei calchi sui quali i Motorhead hanno perseverato a forgiare il loro sound per molti anni a venire. Strepitosamente kitsch le foto del booklet, con i componenti del gruppo in versione samurai.

MFT, gennaio 2012

2012-01-27T06:56:00.003+01:00

LA MUSICA: Eric Church, Chief. PJ Harvey, Let England Shake. Ani Di Franco, Which side are you on?. Mark Lanegan, Blues funeral. Leonard Cohen, Old ideas. Litfiba, Grande nazione. The Clash, Live at the Shea Stadium. Yo La Tengo, Prisoners of love

IL LIBRO: Don Wislow, Il potere del cane

LA SERIE TV: La prima di The Wire. La seconda di Boardwalk Empire. La sesta di Dexter

Guns and brothers

2012-01-26T04:15:00.002+01:00

Neol Gallagher's High Flying Birds
omonimo
(2011)

Pur riconoscendo agli Oasis una loro ragione d'esistere, ed identificando in almeno due loro album (Morning Glory e Definetely maybe) un ruolo di primaria importanza nella discografia dei novanta, non sono mai stato esattamente un loro fan. E non mi ha certo aiutato a diventarlo tutta quella sovraesposizione construita sul dualismo tra i fratelli, le liti, le minchiate, gli screzi che si accumulavano come una densa coltre di fumo sul poco arrosto che ormai era diventata la loro musica.

Non mi sono pertanto capicollato ad ascoltare i debutti solisti dei due Gallagher. Di Liam m'è bastato un pezzo per decidere di lasciar perdere, mentre, sorprendentemente, il disco di Noel mi è lentamente entrato sottopelle obbligandomi a prestarci attenzione.

Noel Gallagher's High Flying Birds è infatti un lavoro gagliardamente pop, in rigorosa scia dei Fab Four ma totalmente privo di arroganza o di abuso di posizione dominante data dall'essere i precursori del revival beatlesiano, anzi, con l'umiltà di una vera prova d'esordio. Canzoni perlopiù tranquille, grandi armonie, refrain a profusione, una manciata di pezzi assassini (su tutti ovviamente If i had a gun). In generale un gusto per la melodia semplice ma di grande effetto che conquista attraverso la persuasione e non l'autorità. Tra molti riferimenti espliciti ai Beatles io vorrei segnalarne invece un'altro insospettabile. L'attacco di The death of you and me (anche questo gran pezzo) è preciso preciso Je so' pazz di Pino Daniele, fateci caso.

Wild Moody's swing

2012-01-24T04:28:00.001+01:00

Diciamo la verità. I telespettatori di sesso maschile non hanno mai avuto bisogno di grandi stimoli per seguire questa serie. Giusto nel caso ce ne fossero che invece necessitano di ulteriori incentivi, la quarta stagione ne fornisce due imperdibili. Uno è la presenza di Carla Gugino (l'avvocata Abby Rhodes), al massimo del suo splendore (anche più che nel completino lattex di Watchmen) e gli altri (le altre?) sono le tette di Addison Timlin (nei panni di Sasha Bingham, attrice di fantasia).

L'esistenza di Hank Moody si è fatta complicata e la giustizia è arrivata a presentare il conto di una vita da debosciato sciupafemmine. Deve subire un processo per aver fatto sesso con una minorenne e il fatto che lui non fosse consapevole dell'età della ragazza non sembra importare a molti. Chiaramente uno come lui si trova l'avvocato più figa di LA (la Gugino, appunto) e non penso di spoilerare troppo se insinuo come andrà a finire tra i due , mentre la storia d'amore con Karen sembra proprio giunta al capolinea, anche per il profilarsi all'orizzonte di un micidiale antagonista maschile.

In questa stagione gli autori si divertono a giocare con la metatelevisione (una puntata si svolge negli uffici della Showtime, rete che produce il serial, con appesi alle pareti i manifesti di altre serie realmente trasmesse, come Dexter o Nurse Jackie) e il metacinema, con la vita di Hank che diventa progetto cinematografico (uno scoppiettante Rob Lowe a fare Moody, la Timlin nei panni di Mia e tutti i membri della famiglia impersonati da altrettanti attori con un effetto davvero inquietante).

Tra le curiosità, da segnalare la presenza di Zoe Kravitz, figlia di Lenny, nei panni della singer della band in cui suona Becca e un'apparizione fugace, ma non per questo meno appagante (almeno per me), di Tommy Lee dei Motley Crue che strimpella Home sweet home al pianoforte della lounge dell'hotel nel quale alloggia (e beve, e rimorchia) Hank. Che altro? Ah si! Gli affiliati (come il sottoscritto) del fan club Charlie Runkle troveranno anche questa volta pane per i loro denti.

New wave of american country music / 3

2012-01-23T04:38:00.001+01:00

Eric Church
Chief
(EMI Nashville) 2011

Se volete conoscere la canzone più suonata nelle autoradio dei camionisti e dentro i locali a loro adibiti, lungo le highway che si srotolano dal Tennesse attraverso il Mississippi, la Lousiana e il Texas, non dovete fare altro che posizionale il lettore mp3 sulla traccia numero due di questo album e premere play. Drink in my hand è l'anthem perfetto dei venerdì sera della working class di quelle zone e l'intero album (numero uno sia nelle classifiche generaliste USA che in quelle country) è un classico esempio, nei testi e nello stile, di country rock commerciale.

Eric Church (classe 1977) si ispira al movimento outlaw, ma quello più presentabile, che come deriva massima ha la sbandata alcolica del weekend e relativi doposbornia. Per intenderci, le spirali oscure ed autodistruttive di Hank 3 non vivono qui. Church, sapendo di non potersi giocare la carta dell'originalita, punta tutto sulla solidità delle composizioni, sull'attitudine e sul bilanciamento dei pezzi da matricola in libera uscita con quelli romantici.

Gli episodi più riusciti, oltre al già citato Drink in my hand, risultano essere Creepin' , Keep on, Hungover and hard up e soprattutto Country music Jesus e Jack Daniels. Da segnalare infine un tributo al più famoso Bruce nazionale, con la traccia numero nove che s'intitola semplicemente Springsteen.

Album o' the week / Beastie Boys, Licensed to ill (1986)

2012-01-21T09:46:00.003+01:00

Certe volte sono in serio imbarazzo a parlare dell'album della settimana. Che diamine posso dire di Licensed to ill che non suoni inutile o che non sia già stato detto? Che ci sono voluti tre bianchi ebrei coadiuivati dal chitarrista degli Slayer per fare il botto in un genere fino a quel momento esclusivamente nero? Che chissà perchè ho pensato subito alla loro (You gotta) Fight for your right (to party) e non ad un pezzo tra le decine dischi di metal che posseggo quando Stefano ieri mi ha chisto una canzone con le chitarre così (mentre faceva air-guitar) per fare baldoria? Diamine, sta roba ha venticinque anni e still spacca il culo alla grande.

WTF?!?

2012-01-20T15:49:00.002+01:00

Da Repubblica

L'Fbi chiude Megaupload e Megavideo, offensiva degli hacker contro il governo

Arrestato il fondatore, rischia 50 anni. Si tratta dei più popolari archivi di film e musica online, spesso usati per diffondere materiale protetto da copyright. In manette Kim Schmitz e altre tre persone, gli indagati in totale sono sette. I pirati attaccano il sito della giustizia Usa, dell'Universal, della Riaa e dell'Mpaa

You're the inspiration

2012-01-18T07:07:00.004+01:00

C'è un punto nel film School of rock in cui Jack Black e Joan Cusak sono in un locale per una birra e lui mette una canzone al juke box. Il pezzo è quello di Stevie Nicks che ho messo qui sotto. Ascoltandolo mi ha travolto la certezza che i Gossip debbano a lei tre quarti della loro ispirazione.

Catalogami questo! / 23

2012-01-17T04:17:00.001+01:00

Anno nuovo, si riparte con le rubriche vecchie. Oggi è il turno di uno dei miei generi country preferiti, l'honky tonk. La nascita della definizione di questo termine affonda le sue radici nella cultura americana di inizi novecento, quando, negli stati del sud degli U.S.A., l'honky tonk era un bar con licenza per gli alcolici dove si suonava dal vivo e che poteva anche essere luogo nel quale esercitavano la loro attività le prostitute.

La prima applicazione in musica fu nel ragtime e nel jazz, contraddistinguendo uno stile pianistico derivante dal classico boogie-woogie. Poco prima della seconda guerra mondiale, il genere diventò popolare in Texas grazie all'interpretazione che ne diedero artisti come Hank Williams, Floyd Tilman o Enrest Tubb che stendevano testi basati sulla vita della working class bianca americana, mettendo gli accenti spesso sui suoi aspetti più tristi: povertà, fatica, alcolismo, adulterio, solitudine. Il sound fu successivamente contaminato con il western swing e fatto proprio dall'industria discografica di Nashville. Nei settanta ebbe un momento di gloria con il movimento outlaw guidato da Billy Joe Shaver, David Allen coe e Waylon Jennings mentre in pieni eighties è cominciato il suo revival grazie a interpreti come Dwight Yoakam e George Strait. Grande importanza nel consolidamento storico del genere ebbe poi in seguito Garth Brooks (anni novanta). Ancora oggi è uno degli stili country più apprezzato dai "redneck" e gode di immensa diffusione proprio sul territorio del sud e del sud-ovest americano.

wikipedia

New wave of american country music / 2

2012-01-16T04:52:00.002+01:00

Caitlin Rose, Own side now (2011)

Decenni di evoluzione della musica popolare e basta una ragazzina con una chitarra e una vocina al marshmellows per far sobbalzare questo vecchio cuore da dinosauro. Se tutti i pezzi del debutto sulla lunga distanza di Caitlin Rose (Nashville, 23/06/87) avessero la delicata intensità dei primi due, Learnin to ride e Own side, ci sarebbe da saltare sulla sedia e gridare al capolavoro. Invece, com'è giusto che sia per un esordio, la qualità, pur attestandosi su una media più che elevata, è un pò altalenante. Inoltrandosi nel fitto dell'album esce un suono full band che ha i suoi momenti migliori nel singolo Shangai cigarettes e ancora di più in Spare me, anche se i peli del braccio tornano a rizzarsi quando le atmosfere accarezzano la ballata acustica, come nelle conclusive Sinful wishing well e Coming up, che si evolve in un blues elementare ma efficace.

Dietro la copertina da talent-show dell'album si nasconde musica genuina e una grande interprete che aspetto, non senza impazienza, alla conferma del secondo album.

Album o' the week / Mark Lanegan, Field songs (2001)

2012-01-14T09:31:00.002+01:00

In attesa del nuovo album, ormai prossimo all'uscita, tolgo un pò di polvere alla mia tessera preferita del mosaico fin qui composto da Lanegan. No easy action, Don't forget me, One way street, Blues for D.

Nostalgia a grappoli.

Marchetta e sentimento

2012-01-13T08:01:00.004+01:00

Dopo circa nove anni dall'ultima volta (la pubblicazione all'epoca era settimanale) sono tornato ad abbonarmi al Mucchio. Le ragioni sono diverse: la stima e l'affetto per la rivista, l'apprezzamento per il nuovo corso post-Stefani, ma sopratutto lo stato di improvvisa difficoltà in cui il giornale è precipitato a causa dei tagli Monti all'editoria (che sono addirittura retroattivi e quindi le aziende devono restituire parte di quanto incamerato nel 2010!). Ho recepito quindi l'appello della redazione, pubblicato sul numero uscito a gennaio (e qui, sul forum), provvedendo al bonifico di sessanta euro, a seguito del quale riceverò il ben di dio di 11 numeri + 2 uscite del Mucchio Extra e 2 cd.

E speriamo che passi la nottata!

In the Moody for love

2012-01-12T04:56:00.002+01:00

L'altra sera parlavo con un conoscente Molto Esperto Di Cinema, si disquisiva in generale di film belli e film brutti. Io sostenevo che a volte, laddove ci si trovi davanti a prodotti imperfetti, magari non solidissimi, ci si può comunque divertire se ci sono delle trovate divertenti, dei personaggi riusciti, delle situazioni coinvolgenti, dei dialoghi efficaci. Lui riteneva invece, non senza una punta di malcelato fastidio, che solo una grande sceneggiatura fa un gran film.

Non l'ho detto apertamente, ma anche se non è un film, è proprio a Californication che pensavo quando sostenevo la mia tesi. La terza stagione in particolare non si può davvero dire che sia sostenuta da uno screenplay d'acciaio, anzi, gli autori si perdono anche fili narrativi più banali, come il fidanzato di Becca che era stato la causa del mancato trasferimento di Hank e la figlia a New York, destinazione della sola Karen, al termine della season two. Cazzate, ok, era solo per fare un esempio. Però, e qui sta il bello di Californication, gia dai primi secondi del serial si capisce che anche a sto giro non mancherà il divertimento grazie alla consueta raffica di freddure, al parodistico gusto per il volgare, all'inesauribile piacioneria di Hank (spedito quasi suo malgrado ad insegnare letteratura al college) e sopratutto ad alcune grandiose new entry.

Sue Collini, nuova capa di Charlie è la prima. Ho fatto un pò fatica a riconoscere Kathleen Turner nei panni di questo personaggio, non ero a conoscenza dei suoi gravi problemi d'alcol e di salute che ne hanno radicalmente modificato l'aspetto, e quindi identificare l'interprete di Brivido Caldo, La guerra dei Roses, l'Onore dei Prizzi con l'attuale persona è stato arduo. In compenso il suo è senza dubbio il personaggio più divertente della serie. Volgare, assatanata, molestatrice, perversa, totalmente disinibita e sempre a caccia di sesso in qualunque forma esso si presenti, la Turner con la sua prova dimostra di non avere nessun timore a sputtanare il suo rispettosissimo curriculum cinematografico. Ancora di più ha fatto Ricky Springfield, idolo pop degli ottanta, che interpreta una versione depravata, egocentrica e misogina di se stesso. Oltre all'ironia in questo caso ci vuole una buona dose di coraggio (o disperazione?) ad accettare una parte così.

Tra risate e belle donne, continua l'identificazione del maschio medio con le disavventure di Charlie Runkle e si arriva solo in parte preparati alla svolta drammatica dell'ultimo episodio, che risolve la questione di Mia, risalente alla stagione uno.

Mentre in USA è iniziata la quinta (in Italia le tv si sono fermate alla seconda, la terza è uscita solo per il mercato dvd), sono già in pista con la quarta. A presto dunque.

I migliori del 2011, epilogo

2012-01-10T04:31:00.000+01:00

Sono rimasti dolorosamente fuori dalla main list dell'anno:

Wilco, The Whole love
Austin Lucas, New home in the old world
Chickenfoot, III
Social Distortion, Hard times and nursery rhymes
Floggin Molly, Speed of darkness
Artisti Vari, Lost Notebook of Hank Williams

La delusione

Beh, di Hank III ho già detto. Non so se può essere definita una delusione, ma insomma il nuovo disco di Lady GaGa non sono riuscito a finirlo nemmeno una volta. Tra plagi (la canzone Born this way è Express youself di Madonna) e autoplagi (Judas è Bad romance) appare come un tentativo piuttosto maldestro di clonare il celebrato The Fame Monster.

Da recuperare

Tra gli album usciti prima del 2011, da recuperare senza dubbio alcuno No better than this di Mellencamp. Le luci e le ombre del primo concerto italiano del coguaro non hanno scalfito la bellezza di questo lavoro, che è qualcosa di più di una semplice release rock. Anche gli inglesi Mumford and sons meritano di essere ricordati per Sigh no more, che tra l'altro di anni di invecchiamento ne ha due, perchè è del 2009.

I migliori del 2011

2012-01-09T04:02:00.002+01:00

Anno discografico formidabile, questo 2011. Al punto che, prima di parlare dei miei preferiti dell’anno, vorrei citare una lista di album che non sono riuscito ad ascoltare. Già, perché oltre a sentire molta musica nuova spesso ho ceduto al caldo e confortevole abbraccio di quella del passato, il che mi ha chiaramente sottratto del tempo. Ma torniamo a monte. Parlavo dei titoli persi. Avrei voluto trovare degli slot liberi per approfondire la conoscenza delle uscite 2011 di Casino Royale; PJ Harvey; Taking Back Sunday; Battles; Zen Circus; St. Vincent; Beirut; Cake; Incubus, Iron and Wine; Bon Iver; Paul Simon; Feist; Joe Henry; Beastie Boys; I Cani; I Fratelli Calafuria; The Vaccines; Css; Dave Alvin; The Answer; The Horrors e invece proprio non ce l'ho fatta. Se pensate che molti di questi titoli furoreggiano nelle liste riassuntive di più d'un soggetto di critica musicale, vi renderete conto ancora una volta di quanto poco sia autorevole la mia top ten. Poco male, perlomeno nessuno potrà accusarmi di plagio e comunque non è detto che non rimedi in seguito, inserendo qualcuno degli artisti sopra citati nei prossimi classificoni di fine anno sotto la voce "recuperi". Bando alle ciance e scaliamo la chart.

#10. FOO FIGHTERS – Wasting light
Nessuna pretesa e niente fronzoli. Grohl e i suoi mostrano i muscoli e non sfigurano affatto. Con ogni probabilità il miglior hard rock popolare oggi in circolazione.

#9. HANK III – Guttertown
Dall’alto della mia posizione di irriducibile fan di Hank the third lo posso dire: questa quadrupla release che ha visto la luce a settembre si è rivelata una profonda delusione. Si salva solo un titolo dei quattro, che paradossalmente non dovrebbe avere nemmeno vita propria visto che si tratta di una sorta di B-side di Ghost to a ghost. E invece la stupefacente follia psycho-cajun che contraddistingue l’opera mantiene in sella al cavallo imbizzarrito del country indipendente il nipote di Williams senior.

#8. 99 POSSE – Cattivi guaglioni
L’ho già scritto nella recensione. Avvertivo un bisogno quasi fisico del ritorno dei disobbedienti napoletani. A giudicare dal pus che esce dalle loro ferite aperte ne avevano bisogno anche loro. Tanta, tanta rabbia repressa che finalmente deflagra fuori controllo spazzando via ipocrisie e denunciando diseguaglianze.

#7.THE DECEMBERIST – The King Is Dead
Analogamente a quanto accaduto per altre bands (mi vengono in mente I Low di The great destroyer) la scintilla per I Decemberist si è accesa con un disco che devia strutturalmente dalla cifra stilistica del gruppo. The king is dead spazia stupendamente tra arie irlandesi e richiami ai Basament Tapes di Dylan and The Band. Suggestivo.

#6. TOM WAITS – Bad as me
L'album numero ventidue della discografia di Mr. Waits potrebbe essere considerato un piccolo consuntivo delle diverse fasi della sua vita artistica. Certo, a prevalere sono le sonorità “rumoriste”, ma quanto affascinano le riproposizioni delle atmosfere jazz della seconda metà dei settanta. Se i diversi momenti di una giornata avessero una colonna sonora sarebbe di sicuro questa.

#5. RY COODER – Pull some dust and sit down
Un suntuoso ritorno alle origini. Tejano alla sua massima espressione (e come potrebbe essere altrimenti?) ma anche blues del delta, rock and roll, ballate in punta di slide guitar. Aggiungiamo la verve fortemente politica che contraddistingue i testi e il capolavoro è servito.

#4. THE BLACK KEYS – El Camino
Dal punto di vista dell’impatto complessivo questo è il vero disco dell’anno. Un’esplosione lungamente annunciata ma non per questo meno fragorosa e stupefacente. Un disco stratificato che riesce a coniugare immediatezza e profondità di campo.

#3. CAPAREZZA – Il sogno eretico
Forse non c’è neanche più da stupirsi sulle capacità di Michele, oggi probabilmente l’artista indipendente più ficcante che l’Italia abbia. Parafrasando il tema portante della title-track, a sto giro al rogo ci vanno chiesa,borghesia italiana, l’ex premier e… Kevin Spacey!

#2 HAYES CARLL – KMAG YOYO
Il fuoco brucia ancora! Dopo la folgorante scoperta di questo cantautore americano, riponevo molte aspettative nel nuovo lavoro (il quarto in carriera) dell’autore di She left me for Jesus. Forse in recensione ho (consapevolmente) esagerato affibigliandogli il range massimo, ma KMAG YOYYO resta comunque un magnifico lavoro in equilibrio tra folk, rock, country e grande songwriting.

#1: GANG – La Rossa Primavera
E' molto semplice. La Rossa Primavera è il disco che più ho ascoltato e più mi ha emozionato nel corso dell'anno. La fortuna di avere uno spazio indipendente è di potersene fottere di quelli che: "dài,i Severini sono bolliti"; "ancora La pianura dei sette fratelli?!?"; "ebbasta co' sta Resistenza!"; "ma,suvvia, è un disco di cover!". Anche nel 2011 La Lotta Continua.

Tormentoni

2012-01-07T05:45:00.002+01:00

Da qualche giorno ho Stefano che gira per casa canticchiando il riffone di chitarra di Iron Man dei Black Sabbath. Non solo, continua a chiedermi di sentire il pezzo a volume-baldoria! Prima che chiamiate il telefono azzurro, lasciate che vi tranquillizzi, non l'ho sottoposto a perversi cicli di ascolto della band di Iommi, semplicemente il pezzo gli è rimasto in testa dopo aver rivisto il primo dei due film dedicati dedicati all'eroe Marvel con Downey Jr.

E' successo che eravamo lì tranquilli sul divano e lui comincia a mugugnare: "mmh mmh mmh mmh mmmhh dadadadadada-dah-dah-dah-daaahhh". Io smetto di farmi gli affari miei, lo guardo e gli dico: "aspetta un pò". Metto su la traccia quattro di Paranoid. "Stai forse cantando questa?" Lui riconosce l'intro di chitarra, si esalta e da lì cominciano le richieste di risentirla (l'abbiamo vista anche live sul dvd The last supper).
Beh, forse qualche responsabilità ce l'ho anch'io, ammettiamolo. Ma se poteste vedere quanto è divertente quando fa l' air-guitar (imitando me) mi assolverste in un secondo.

Last but not least

2012-01-05T04:53:00.002+01:00

Kurt Vile
Smoke ring for my halo
(Matador) 2011

Kurt Vile l'ho scoperto attraverso un'intervista ai Fleet Foxes che hanno risposto pronunciando il suo nome alla domanda del giornalista su chi fosse un musicista emergente da segnalare. Ho fatto un pò di ricerche e ho scoperto che l'artista è dell'80 e viene dalla Pennsylvania, che dal 2008 ha già inciso quattro album e quattro EP e che il suo stile può essere genericamente inserito in questo nuovo movimento acustico/psichedelico di cui proprio i Fleet Foxes sono gli alfieri.

Tracciate le coordinate di massima devo però dire che non condivido quasi per nulla le assonanze con altri artisti che gli affibia ad esempio la scheda di wikipedia: Springsteen, Dylan, John Fahey (e addirittura l'FM Rock), oltre al fatto che Kurt suona prevalentemente l'acustica, non mi sembra proprio influenzino le canzoni di Kurt, forse ci può giusto stare qualche richiamo ai primi Fleedwood Mac di Peter Green.

L'affinità di rilievo, rispetto al movimento in cui si colloca, mi sembra piuttosto un marcato richiamo al cosidetto Paisley sound, il movimento degli ottanta che era contraddistinto da un suono folk/rock/psichedelico e che aveva come capostipiti band quali Dream Syndicate e Green On Red.

Seghe mentali a parte mi sembra meritoria l'attenzione che si è concentrata su di lui, il ragazzotto ha stoffa. La tela che dipinge per Smoke ring for my halo suffestiona e ammalia già dal delicato incipit di Baby's arms. Lo stesso accade per Jesus fever o Ghost town. Ma la magia resta anche quando (Puppet to the man; Society is my friend) il suono diventa elettrico e le influenze con i Green on Red di cui dicevo si palesano.

Un altra scoperta di rilievo in un anno davvero prodigo di soddisfazioni in campo discografico.

Una nota a margine. Con Smoke ring for my halo si concludono le recensioni del 2011. Giusto gli ultimi ritocchi e il 9 gennaio sarà pronta la classificona di fine anno di Bottle of Smoke.

The cat is out of the sack

2012-01-04T04:37:00.000+01:00

Ecco un film di animazione dal quale non mi aspettavo grandi cose e che invece ha fatto centro. L'idea in se stessa di realizzare uno spin-off dalla saga di Shrek sembrava (e in fondo forse lo è) il classico tentativo di raschiare il fondo del barile con il comprimario più simpatico delle gesta dell'orco. Gli sceneggiatori hanno invece fatto un buon lavoro, trasportanto la storia dal contesto simil medievale di partenza in una location da spaghetti western, conservando però lo spirito di rivisitazione delle favole che ha contraddistinto il progetto Shrek (è il turno di Jack e la Pianta di Fagioli e Humpty Dumpty).

Vengono inoltre narrate le origini del Gatto (sempre doppiato da Banderas) e introdotta la sua controparte femminile, Kitty Zampe di Velluto (Salma Hayek).

Avventure pirotecniche e divertimento meno trasversale rispetto alla tetralogia di Shrek e più adatto ad un pubblico di bambini, sebbene come tradizione non manchino citazioni cinematografiche e doppi sensi fruibili dai genitori.

La funzione "inoltra"

2012-01-03T04:13:00.000+01:00

So che stavate in pensiero, ma tranquilli, sebbene da un pò non vi aggiorno, anche quest'anno non mi sono fatto mancare (e di certo nemmeno voi) la consueta sequela di insulsi sms di auguri. Tengo a rimarcare che non sono un cinico insensibile, e che chiaramente i pensieri altrui fanno piacere. Quelli che suonano autentici come banconote da due euro però mi danno profondamente fastidio. Alcuni esempi.

Si va dal tizio che mi manda una nave assemblata con i caratteri di scrittura accompagnata dal seguente testo: imbarco 2012 Destinazione serenità! Bagaglio: salute, amore,pace,lavoro e prosperità! Buon viaggio!

Per passare poi a chi tenta di buttarla in satira politica: Notizia ANSA: agli Oscar del porno a Miami premiati due italiani...secondo posto per Rocco Siffredi per essersi trombato oltre 4000 donne, ma al primo posto Mario Monti per aver inculato 56 milioni di italiani. Notizie dall'interno: dopo la finanziaria del governo Monti avvistati i primi gommoni di italiani diretti in Albania. Manda ad altri 5 inculati come te qst sms o perderai il posto sul gommone. Buon anno.

Chiudiamo in bellezza con il vincitore della competizione, ben tre invii da tre persone diverse da differenti parti d'Italia: E basta con sta pace e serenità! Ti auguro di non fare un cazzo e guadagnare tanto. Di fare sesso tutte le volte che vuoi e con chi vuoi. Di vincere la lotteria con un biglietto che hai fregato. Che le cose peggiori che hai pensato per chi ti sta sulle palle si avverino. E se mandi questo messaggio a 10 amici...non succederà un cazzo come al solito ma almeno qualcuno sorriderà. Buon anno. Che spasso eh?

In ultima analisi non è tanto il ricevere frasi terrificanti da parte di gente che mi è indifferente a infastidirmi, quanto invece leggere sms inviati da chi mi è caro ma non si sforza di pigiare invio sopra qualcosa di personale scritto apposta per me, fosse anche solo un banale ma sincero buone feste.

E' la funzione "inoltra" il problema dei rapporti personali a distanza, credete a me.

New wave of american country music

2012-01-02T05:16:00.002+01:00

Austin Lucas
A new home in the old world
(Last chance records) 2011

Acciuffo per i capelli (quasi) fuori tempo massimo il disco true country dell'anno. E' quello di Austin Lucas, che nasce a Monroe County, Indiana (non ho trovato nemmeno sul suo sito l'anno di nascita, a occhio è intorno ai trenta) ma che poi passa molti anni della sua giovinezza (dal 2003 al 2008) nella Repubblica Ceca,unendosi a diverse band fino ai Guided Cradle(tutt'ora in attività e di stanza a Praga). Nel frattempo incide anche a proprio nome diversi lavori tra EP, full-lenght e raccolte. Wikipedia descrive il suo stile con generi che vanno dal punk al blugrass ma A new home in the old world è prima di tutto un bellissimo album country.

Bastano le prime note di Run around per innamorarsene ed avere al contempo la certezza che non si tratterà di un fuoco fatuo. Lucas dosa infatti le forze da veterano, violino e seconda voce femminile sono sublimi, e lui stesso conduce il gioco con autorità. La prima parte dell'opera si muove tra lenti (Sit down) e pezzi veloci (Darkness out of me, splendida) sempre cavalcando un'ispiratissimo e genuino country classico, brevemente intervallato dal driven rock di Thunder rail , per tornare nei ranghi con una ballata acustica da brividi, Nevada County line. La seconda metà del lotto di tracce cala leggermente in qualità e si sposta più sul folk, ma si fanno comunque notare The grain, con REM e Neil Young a spartirsene la paternità, e la conclusiva Somewhere a light shines incorniciata da una deliziosa cornice di fiati.

Onestamente niente di originale, ma vale un pò il discorso fatto, su coordinate musicali differenti, per Black Keys e Chickenfoot: dietro un prodotto che suona subito classico, perfetto e riconoscibile ben poco è lasciato al caso e molto alla bravura.

2011: i migliori degli altri / 2

2012-01-02T04:54:00.001+01:00

Per Rolling Stones USA il canonico equilibrio tra indie e mainstream

10. Robbie Robertson - How to become a clairvoyant
09. Wild Flag - Wild flag
08. Wilco - The whole love
07. The Decemberist - The king is dead
06. Lady GaGa - Born this way
05. Radiohead - The king of limbs
04. Fleet Foxes - Helplessness blues

03. Paul Simon - So beautiful, so what
02. Jay - Z and Kayne West - Watch the throne
01. Adele - 21

Il prestigioso magazine inglese Uncut

10. The War On Drugs - Slave ambient
09. Bon Iver - Bon Iver
08. Wild Beasts - Smother
07. Radiohead - The king of limbs
06. The Horrors - Skying
05. Josh T Pearson - Last of the country gentleman
04. White Denim - D

03. Metronomy - The english riviera
02. Gillian Welch - The harrow and the harvest
01. PJ Harvey - Let England shake

Mojo , the world's best music magazine, come molto umilmente si autodefinisce il giornale inglese

10. Wild Beasts – Smother
09. Tom Waits – Bad As Me
08. Anna Calvi – Anna Calvi
07. Josh T Pearson – Last Of The Country Gentlemen
06. White Denim – D
05. Kate Bush – 50 Words For Snow
04. Jonathan Wilson – Gentle Spirit

03. Fleet Foxes – Helplessness Blues
02. The Horrors – Skying
01. PJ Harvey – Let England Shake

2011: i migliori degli altri

2012-01-01T05:21:00.000+01:00

Quale migliore modo di iniziare l'anno della fine del mondo con una bella lista di titoli? A sto giro vediamo le best choiches di NME e Pitchfork. Confortatemi. Leggendo molti nomi presenti in classifica state pensando anche voi: "e questi chi minghia sono?!?"

Best 10 NME (Qui trovate la lista allargata a 50 titoli, si possono anche ascoltare i brani in streaming)

10. Wu Lyf - Go tell fire to the mountain
09. tUnE-yArDs - Bizness
08. Katy B - On a mission
07. St Vincent - Strange mercy
06. Arctic Monkeys - Suck it and see
05. Kurt Vile - Smoke ring for my halo
04. Wild Beasts - Smother

03. The Horrors - Skying
02. Metronomy - The english riviera
01. PJ Harvey - Let england shake

Best 10 Pitchfork (Qui i migliori 50)

10. The Weekend - House of balloons
09. Real Estate - Days
08. Drake - Take care
07. tUnE-yArDs - Bizness
06. Oneothrix Point Never - Sleep dealer
05. Girls - Father, son, holy ghost
04. PJ Harvey - Let England shake

03. M83 - Hurry up, we're dreaming
02. Destroyer - Kaputt
01. Bon Iver - Bon Iver

continua...

Anna!

2011-12-31T06:46:00.001+01:00

Anna Calvi
Anna Calvi
(Domino) 2011

Visto che l'anno è ormai giunto alla sua conclusione lo posso dire con certezza. E' quello di Anna Calvi, inglese, classe 1982, di origini italiane da parte di padre, il debutto discografico più promettente del 2011. Viso spigoloso e bellezza inquieta, la cantante/chitarrista ha fatto confluire nell'oceano della sua opera prima tutti gli affluenti che l'hanno ispirata dal punto di vista musicale, dando vita ad una creatura, ora elettrica ora intimista, che riesce, nonostante le marcate influenze, ad esprimere proprie personalità e carattere.

Il gioco dei rimandi e dei riferimenti apre infinite possibilità di partecipazione, alcune ovvie altre sorpendenti. Se ad esempio non si può prescindere dal tirare in ballo PJ Harvey (I'll be your man) e Patti Smith (Desire), indiscusse muse intergenerazionali per il movimento rock femminile, è una piacevole sorpresa scovare omaggi a Morricone (l'apertura strumentale e molto suggestiva di Rider to the sea e la chiusura di Love won't be leaving), melodie intonate in compagnia dello spirito di Jeff Buckley (The devil) o utilizzando il delicato approccio al canto di Roy Orbison (First we kiss).Così come affascina passare dalla tensione trattenuta di un pezzo dolce e al tempo stesso oscuro quale è No more words, alla vivacità di Suzanne and I, aperta da un intro di batteria che fa molto british rock degli ottanta.

Alla fine comunque sono proprio il fascino, il magnetismo, lo charme, a prevalere nella cifra stilistica dell'opera, relegando in secondo piano, dopo pochi ascolti, la valigia di influenze che Anna si trascina appresso con grazia. Considerando che si tratta di un'opera prima, c'è da essere fiduciosi.

MFT, dicembre 2011

2011-12-30T07:48:00.004+01:00

ALBUM

Chickenfoot, III
Anna Calvi, omonimo
Kurt Vile, Smoke ring for my halo
Tom Waits, Bad as me
Black Sabbath, Reunion
Ryan Adams, Ashes and fire
The Black Keys, El camino
Nickelback,Here and now
Area, International POPular Group
Wilco, The whole love
Tom Waits, Bad as me
Low, C'mon

LETTURE

Don Wislow, Il potere del cane
Anthony Kiedis, Scar tissue

VISIONI

Fringe, stagione 2
Californication, stagione 3
Il trono di spade

Five years

2011-12-29T07:23:00.005+01:00

Alcuni amici, rientranti nel novero di persone di cui m'importa l'opinione, in maniera diretta o indiretta, si sono lamentati della svolta che ha preso il blog, cioè del dominio delle recensioni rispetto agli altri temi.

In effetti il blog non era stato concepito a questo scopo. Anche se l'amore per la musica era dichiaratissimo, rileggendo i primi anni di post mi sono reso conto che tentavo di spaziare molto di più tra gli argomenti rispetto a quanto faccio oggi.

Le ragioni che hanno portato Bottle of smoke ad essere in una fase di quasi monotematicità sono svariate. Intanto dopo cinque anni di post quello che c'era da dire su di me, o meglio, quello che ero disposto a confessare pubblicamente sulla mia persona, l'ho già detto, dovessi fare un'analisi del mio stato attuale ne uscirebbe una lunga sequela di lamentele di scarso interesse anche per il lettore più fedele. Mi limito a dire che ai miei vari difetti ho di recente aggiunto una misura significativa di ipocondria e d'insofferrenza verso tutto/i.

Quali sono gli altri argomenti che mi appassionavano? La politica. Si beh, la situazione italiana degli ultimi anni mi ha disgustato. Credo ci troviamo nella fase in cui i partiti hanno raggiunto una distanza tale dalle persone che per riempirla ci vorranno non so quanti lustri, fatica e leader credibili. Vedere un giovane che fa attività politica per passione e non per calcolo è raro come un gol di Milito. Lo stesso in qualche modo si può dire per il sindacato. Mi sembra che ormai la linea perseguita da Cisl e Uil (un sindacato "di sistema" e non di lotta, "di istituzione" e non di tessera) sia ben avviata. I precari vedono le organizzazioni confederali e i loro attivisti alla stessa stregua dei politici. Forse dovrà esaurirsi la riserva indiana dei lavoratori tutelati (che insieme ai pensionati costituiscono il grosso degli iscritti ) per dare uno scossa a tutto il sistema.

Per ciò che concerne gli spunti che rientrano nelle varie ed eventuali, anche quel poco di ispirazione che ogni tanto mi illuminava nei momenti della giornata più impensabili e che mi dava idee per inventarmi qualcosa di (spero) divertente da scrivere è da un pò in fase di appannamento, soffocata dalla saturazione del mio tempo libero, giacchè dall'intuizione alla scrittura, ogni spunto o l'interesse che mi aveva suscitato, sfuma.

In tutto questo contesto due cose almeno non sono cambiate. La passione per l'ascolto dei dischi e la volontà di aggiornare il più costantemente possibile (anche in condizioni di difficoltà di concentrazione estreme, mentre faccio altre cose) questo spazio. Coniugate i due elementi ed il gioco è fatto. Sarà sempre così d'ora in avanti? La piega è definitivamente presa? Onestamente non lo so. Restate (se vi va) e si vedrà. Anche perchè si avvicina a grandi passi il momento più temuto e atteso dai miei lettori. Quello delle classifiche di fine anno...

Il fuoco sotto la cenere

2011-12-28T04:33:00.002+01:00

Ryan Adams
Ashes and fire
(Pax Am / Capitol Records) 2011

Ogni tanto fa bene ricordarsi che per alcune opere non basta un'ascoltata frettolosa e via. Alcuni dischi, anche nell'era del digitale e del tuttosubito, hanno bisogno di sedimentare, di essere degustati a sorsate lente, per far emergere tutto il loro sapore dolce e il retrogusto amaro in fondo alla gola.
Fa bene ricordarlo perchè la voracità musicale incontrollata rischierebbe di farsi sfuggire piccoli gioielli intimisti come Ashes and fire, che sono concepiti giustappunto per uscire alla distanza.

Certo, nulla di nuovo sotto il sole di Ryan Adams, umorale genietto di Jacksonville, NC, qui alla sua tredicesima uscita in undici anni di carriera solista (senza contare dunque i lavori con i Whiskeytown), un ritorno semmai alle atmosfere languide ed introspettive di Love is hell e ad un buon stato di ispirazione, dopo che l'anno scorso l'autore si era tolto pure lo sfizio di pubblicare Orion, un album di rumorosissimo (e francamente evitabile) indie-metal.

Gli undici pezzi contenuti in Ashes and fire sono invece inni alla malinconia e alla dolcezza, tributi al cantautorato folk dei settanta ed ai suoi autori, da Joni Mitchell a James Taylor, anche se sarebbe ingeneroso non ricordare che questo stile qui caratterizza ormai da tempo il personale brand artistico di Ryan.

L'inizio del disco è una trepida brezza primaverile che accarezza l'anima, Dirty rain, Ashes and fire e Come home lasciano il segno con un abbraccio nel quale ci si perde morbidamente. Più avanti colpiscono in profondità anche la dolcissima Do i wait, mentre Chains of love roccheggia sugli U2 di The joushua tree e Save me è sublime nella sua dolorosa esortazione. Lucky you, che ha qualcosa di Springsteen, è il singolo che ha anticipato la release, ma malgrado sia in teoria il pezzo più commerciale è piazzato in fondo alla tracklist proprio prima dell'ultima canzone: I love you but i don't know what to say, che, manco a dirlo, è un'altra perla della raccolta, forse addirittura la più preziosa di tutte.

Se per le torrenziali uscite di Ryan Adams valesse la regola di quelle di Neil Young, cioè un disco di valore ogni uno-due buttati un pò lì, rassicuro tutti: questo giro è quello dannatamente buono.

Outlaw tales, 4 di 4

2011-12-27T05:07:00.000+01:00

Hank III
3 Bar Ranch Cattle Callin
(Megaforce Records/Hank III Records, 2011)

Non sono l'unico ad essere giunto senza entusiasmo al quarto capitolo della monumentale opera licenziata quest'anno da Hank III. Lo stesso Williams è rimasto senza il combustibile della creatività, se 3 Bar Ranch Cattle Callin propone per ventitre tracce praticamente la stessa allucinata canzone. Un cantato che usa lo stile scat per fare a gara con chitarre e batteria a chi va più veloce. In alternativa dei vocalizzi lamentosi tipo capre sgozzate e qualche growling piazzato qua e là. Va bene la provocazione, ma qui la prova di forza è arrivare alla fine dei settantadue minuti del timing complessivo dell'album senza dare di matti.

Ok Hank, fai la musica più indipendente di tutti. Ora però che ne pensi di tirare il fiato e ricominciare a creare qualcosa che abbia anche un senso?

Ruffiani, ma di gran classe

2011-12-26T09:28:00.001+01:00

The Black Keys
El camino (Nonesuch, 2011)

Pur essendosi costruito un nome ed una faccia, per molti anni Johnny Depp ha continuato ad accettare ruoli in piccoli, straordinari film ( Buon compleanno Mrs. Grape, Ed Wood, Dead Man, Paura e delirio a Las Vegas) nei quali ha consolidato le sue doti recitative, per intraprendere infine,trionfalmente, la strada del cinema mainstream e dei blockbusters.

I Black Keys (Dan Auerbach e Patrick Carney) mi sembra abbiano fatto lo stesso percorso. In quasi dieci anni e otto album (nel lotto anche il progetto Blakroc), più uno solista di Auerbach, si sono tolti tutti gli sfizi artistici possibili, trastullandosi con l'indie, il garage, il blues e persino con l'hip hop, allargando, in un crescendo costante, la loro cerchia di sostenitori tra critica e pubblico più attento. Fino ad arrivare ad oggi e a El camino, nel quale fanno i piacioni irresitibili proprio come Depp nei Pirati dei Caraibi.

Si perchè solo chi si è creato una solida reputazione in campo musicale indipendente può sfornare un disco paraculo come questo senza essere tacciato di disonestà intellettuale. Qui tutto è rigorosamente vintage, in un viaggio nel tempo che ferma le lancette agli eartly seventies: il sound (chitarre ruvide, tastiere di velluto, battimani, ritornelli catchy) la copertina dell'album, il video di Lonely boy, singolo che ha antipato la release. Proprio Lonely boy ha certificato lo sdoganamento del duo, diventando in brevissimo tempo feticcio delle radio più trendy e colonna sonora delle immagini di presentazione di molti servizi televisivi, con un utilizzo così massiccio da rischiare lo sfinimento. Prepariamoci perchè tra non molto lo stesso trattamento verrà riservato alle irresistibili Gold on the ceiling, Sister o Little black submarines.

Noi siamo comunque contenti, perchè sono pochi i gruppi che meritano la notorietà più dei Black Keys e poi perchè l'opera è effettivamente entusiasmante e ispirata, caratterizzata da un livello qualitativo che non si abbassa mai. Occhio però, che il difficile inizia adesso. Se per El camino gli aggettivi superlativi si sprecano, il rischio di cedere alla tentazione di replicare la stessa formula con i prossimi dischi è dietro l'angolo. Spero vivamente che non succeda. Jack Sparrow ha divertito solo nel primo film, poi è gradulamente diventato prevedibile.

Happy christmas your arse

2011-12-25T11:18:00.001+01:00

Questa mi mancava...

Album o' the week / Mina, Piccola strenna (2010)

2011-12-24T09:58:00.002+01:00

Disco della settimana in rigorosa sintonia con la ricorrenza. Piccola strenna contiene quattro sole tracce ed è stato regalato da Mina ad Aldo, Giovanni e Giacomo per il loro ultimo film, La banda dei babbi Natale. Sono due in particolare i brani che "creano l'atmosfera": uno è Mele Kalikimaka, divertente canzone natalizia hawaiana che ha il pregio, nel marasma delle solite composizioni natalizie, di suonare inedita e, al contrario, il classicissimo Silent Night in una versione però davvero intensa.

Buona vigilia a tutti.

Querce

2011-12-22T04:58:00.000+01:00

Chickenfoot

III (eOne Music, 2011)

Dunque è vero che quelli bravi fanno sembrare facili anche le cose che non lo sono. Il secondo disco dei Chickenfoot (Sammy Hagar;Joe Satriani; Michael Anthony; Chad Smith e a sto giro anche l'immenso Kenny Aronoff a dare una mano), chiamato burlescamente III (lo avevano fatto anche i mai troppo rimpianti Traveling Wilburys) dà esattamente questa impressione. Hard rock commerciale (io lo chiamo così anche le se definizioni si sprecano) di sicuro impatto per chi a questo suono, che ha avuto la sua massima affermazione da metà ottanta fino all'avvento del grunge, è generazionalmente legato.

In realtà ci provano in tanti a replicare codesta formula senza arrivare ai risultati pirotecnici dei giurassici componenti dei Chickenfoot. Già, perchè non è mica semplice fare un disco così perfetto, suonato e cantato da dio, senza una sbavatura ne una nota fuori posto o un riempitivo per allungare il timing totale, con un tiro da far impallidire ben più giovani e agguerriti competitors musicali.

Seguendo un canovaccio influenzato più dai lavori passati di Hagar e Anthony, che alla storia artistica degli altri due (seppur con alcune eccezioni), l'album alterna magistralmente pezzi potenti (se proprio devo pescare dico almeno Last temptation; Alright alright; Dubai blues), ballate AOR (Come closer; Different devil; Something going wrong) e persino riusciti pezzi di critica sociale (l'intensa Three and a half letters e l'hidden track No change, forse i miei preferiti).

Sul progetto trionfa, e c'è poco da fare, la voce inossidabile di Hagar che è anche l'unico a firmare (o co-firmare) la totalità delle composizioni. Bravi gli altri a creare un automatismo che non sbaglia un colpo. Danno tutti l'impressione di partecipare a qualcosa che li coinvolge, li appassiona e li diverte. Sarà mica questo (oltre alla classe cristallina) il segreto di quelli bravi?

True blood

2011-12-21T04:16:00.002+01:00

Stavo per scrivere che la quinta stagione di Dexter è probabilmente una delle migliori della serie, quando mi è venuto in mente che probabilmente l'ho già detto per una stagione o due già trasmesse (qui tutti i post che ho dedicato al serial). Cosa significa questo? Beh, che gli autori del serial killer dei killer continuano a fare davvero un gran bel lavoro di scrittura.

Lasciatemi dire almeno che questa stagione (che io ho appena concluso mentre in USA è già ben avviata la sesta), è forse la più nera e violenta del lotto, ma anche quella che raccoglie meglio l'eredità degli esordi, in quanto a introspezione psicologica del personaggio, drammaticità della sua condizione e financo poesia di dialoghi e immagini.

Il tutto con un crescendo di tensione che mette la freccia e supera senza eccessivo sforzo molti (presunti) thriller cinematografici. Davvero gli incastri del finale (con un geniale e, almeno per una parte, inconsapevole scambio di "favori" tra i fratelli Morgan ) funzionano come un orologio svizzero tenendo in equilibrio suspance, dramma e sentimento (nei minuti conclusivi dell'ultimo episodio, Dexter, osservando le coppie felici di amici che lo circondano riflette: "lo fanno sembrare così facile. Legare con un altro essere umano. E' come se nessuno gli avesse detto che è la cosa più difficile al mondo") riuscendo a non ripetersi in situazioni analoghe ad altre nel passato (la soluzione del rapporto conflittuale con il detective Quinn non ricorre ai rimedi estremi adottati con l'investigatore Doakes, nella season 2).

Oltre al lavoro degli sceneggiatori il merito della riuscita del serial va equamente distribuito tra il cast storico e le new entry. Su tutte, è giusto segnalare la prova di Julia Stiles, attrice dotata di una bellezza non canonica ma permeata di grande empatia alla quale è stato affidato il ruolo più pregnante del telefilm.

Davvero una serie che non smette di stupire.

Avanti piano

2011-12-19T04:30:00.001+01:00

Low

C'mon (Sub Pop, 2011)

Dopo tanti consigli inascoltati, nel 2005 ero finalmente riuscito ad apprezzare i Low con The great destroyer, un disco che però mi dicevano essere un anomalia nella produzione del trio di Duluth, Minnesota (tranquilli, non lo ricordo chi è altro ci è nato in quell'amena località) in quanto molto rock oriented rispetto alla tradizione della band.
Dopo essermi preso un'altra pausa dalle loro produzioni (nel 2007 ho ignorato l'uscita di Drums and guns), circostanze poco interessanti ai fini della recensione mi hanno portato sulle tracce della loro ultima opera, C'mon.

Dico subito che, pur essendo la cifra stilistica lontana dalla vivacità elettrica di The Great Destroyer, il primo impatto è stato ammaliante. L'album si apre infatti con Try to sleep, un pezzo onirico dall'ampio respiro, che trascina con dolcezza, contraddistinto da uno di quei refrain che ti elevano lo spirito. Aiuta probabilmente, nell'immedesimazione con il testo (Try to sleep/Don't look at the camera/Try to sleep/But then you never wake up) la mia condizione psicofisica attuale, che mi vede anelare un pò di riposo per quietare una spossatezza che sta diventando pericolosamente strutturale. Tornando al disco. Qualche traccia ed è chiaro che la strada percorsa dalla band è quella dei pezzi dilatati e armoniosi, lenti e pregnanti. Prendiamo Witches ad esempio, che è sostenuta da un suono chitarristico elettrico-ma-acustico che rimanda immediatamente a Neil Young. Una distorsione che lotta per imporsi sul cantato di Alan Sparhawk, mentre si ode in lontananza, come un eco sommessa, un delicato ricamo di banjo. Especially me è invece cantata da Mimi Parker, componente femminile del trio, e si muove agile su suggestioni west coast folk dei sessanta/settanta.

Onestamente è molto difficile trovare un opera sviluppata su canoni introspettivi che non perda coesione e coinvolga con continuità l'ascoltatore, senza annoiarlo. L'obiettivo in questo caso è raggiunto grazie anche ad un cambio di marcia finale che intorbida le placide acque, con la lunga Nothing but heart (è ancora lo zio Neil a echeggiare) e lo spensierato pop-folk di Something's turning over.

Fin troppo facile definirlo un lavoro autunnale, da tepore domestico e pioggia che picchia sui vetri delle finestre (o sul parabrezza dell'auto, normalmente la mia condizione d'ascolto).

Album o' the week / Chemical Brothers, Dig your own hole (1997)

2011-12-17T09:13:00.002+01:00

La consuetudine che mi ha portato alla pubblicazione di questa rubrichetta è la seguente: ogni sabato mattina scelgo un disco da diffondere per la casa, selezionato preferibilmente tra i miei supporti solidi (ellepì o ciddì) e, fatto salvo per la roba più pesa per la quale mi autocensuro con le cuffie, dò la sveglia alla famiglia (e a volte anche al condominio...). Stamattina butto giù la casa a suon di Block rockin' beats, Setting sun, Don't stop the rock: ammazza quanto spaccavano quindici anni fa i Chemical Brothers!

L'arte del quasi

2011-12-15T04:49:00.001+01:00

Wilco
The whole love (dBpm, 2011)

Per essere uno che arriva in conclamato ritardo sui fenomeni musicali importanti, ai Wilco sono giunto in largo anticipo. Si può dire anzi che seguo Jeff Tweedy da quando portava i calzoni corti e con Jay Farrar inventava l'alternative country attraverso la ragione sociale degli Uncle Tupelo.
Ho ascoltato i primi vagiti dei Wilco con il country-rock convenzionale di A.M. (1995), la svolta lisergico-acustica di Being there, il delizioso gioiellino beatlesiano Summerteeth, la collaborazione di due parti con Billy Bragg sugli inediti di Woody Guthrie (Mermaid Avenue I e II) per approdare infine a quello che è giustamente considerato uno dei must-have degli anni zero: Yankee Hotel Foxtrot, che la band riscattò per cinquemila dollari dalla etichetta Reprise, a fronte del rifiuto di quest'ultima a pubblicarlo (quando si dice la competenza!). I loro lavori successivi (A ghost is born, Sky blue sky, l'omonimo del 2009) si sono infranti contro la barriera dei primi ascolti, probabilmente per una mia saturazione, mentre per tutto il resto del mondo il credito del combo si affermava definitivamente.

Fa piacere quindi riappropiarsi un pò della musica di Tweedy attraverso l'ascolto di The whole love, album in studio numero otto della band. La riconciliazione è in buona parte veicolata dalla lunga traccia di apertura, Art of almost, un pezzo che segue i cambiamenti di umori e le improvvisazioni che la band imprime al proprio sound e che qui trova sfogo con una coda strumentale elettrica che in realtà si prende più di metà timing complessivo. Una canzone magnetica, sospesa tra elettronica,acustica e jamming strumentale elettrica. Davvero il Wilco sound al suo massimo splendore.

Molto convincente anche la successiva I might, benchè suonata in maniera meno spiazzante e più convenzionale, ha una struttura appagante e un ottimo songwriting. Nell'ambito dei pezzi maggiormente introspettivi la palma del migliore va equamente divisa tra Black moon e Open mind. Con Sunloath e più giù, con le movimentate Dawned on me e Capitol City tornano a fare capolino echi delle sonorità dei Fab Four, elemento questo che ormai fa parte strutturalmente del suono della band e che mi fornisce lo spunto per affermare che l'album, nel suo complesso fa pensare quasi ad un abecedario degli stili e delle influenze della vita artistica dei Wilco, con accennti alt country, rumoristi, acustici, psichedelici, indie. Il perimetro del lavoro è delimitato dai due pezzi più lunghi, dei sette minuti di Art of almost ho già detto, mentre a chiudere il recinto ci stanno i dodici minuti di One sunday morning (Song for Jane Smiley's boyfriend) che riabbraccia in maniera tradizionale lo stile country folk degli esordi. Le dodici tracce dell'opera sono espandibili fino a diciassette con le bonus della versione su iTunes e addirittura fino a ventuno con l'edizione speciale su due dischi.

Personalmente ho preso The whole love come l'atteso ritorno di un amico importante, perso di vista per mia unica responsabilità, da quasi dieci anni. Come spesso accade anche per i rapporti umani perduti, l 'ho trovato cambiato nei dettagli ma esattamente come lo ricordavo nell'essenza.

Il ritorno dei morti viventi, prima parte - stagione due

2011-12-13T04:41:00.000+01:00

Con un impatto visivo meno spettacolare della prima stagione, The walking dead torna a narrare le disavventure del gruppo di superstiti ad un misterioso contagio che ha trasformato la maggior parte dell'umanità in zombie, concentrandosi maggiormente sull'introspezione, sulle paure dei personaggi e sui bambini, anelli deboli della catena.

Il protagonista della storia, lo sceriffo Rick Grimes, buono e affidabile come da copione classico, comincia ad avere pesanti incertezze sul suo ruolo a seguito di un attacco degli zombie che provoca gravi conseguenze alla comitiva e in seguito al ferimento del figlio durante una perlustrazione nei boschi. Questo avvenimento porta però con se uno sviluppo positivo: i fuggitivi trovano rifugio in una grande fattoria miracolosamente scampata agli attacchi degli zombie, abitata da diverse generazioni di una famiglia guidata da un anziano patriarca.

L'aspetto più incisivo della storia è a mio avviso, lo sviluppo, o se vogliamo la caduta in una spirale autoritaria e violenta, dell'amico di Rick, Shane Walsh, che sopravvive ad una missione suicida per reperire medicinali proprio grazie all'abbandono di ogni etica e lealtà e al trionfo del più primitivo e crudele spirito di sopravvivenza. Shane cambia anche nell'aspetto, nel modo di camminare, la sua fisicità si fa minacciosa, si scontra violentemente con Lori, Dale e con lo stesso Rick. La sua influenza negativa contagia progressivamente gli altri. In una coabitazione sempre più complicata con gli abitanti della fattoria, assume una decisione che mina la permanenza del gruppo in quell'oasi (quasi)incontaminata e risolve drammaticamente una vicenda aperta dopo l'attacco degli zombie a cui accennavo in apertura.

La stagione due consta di tredici episodi, ma la produzione ha deciso di trasmetterne inizialmente solo sette, per poi riprendere a febbraio. A mio avviso la storia regge bene, quel che perde in spettacolarità viene parzialmente equilibrato nell'analisi dei personaggi (oltre a Shane anche Andrea, Daryl e Glen). E comunque l'adrenalina, anche se razionata, non manca e l'emozione è ben dosata (nell'ultima scena del settimo episodio la commozione ti afferra stretta la gola). Per essere un serial di zombie può bastare. Anche se magari sarebbe ora di riprendere qualche filo narrativo interrotto dalla prima serie e cominciare a svelare qualcosa sulle origini del contagio...

Outlaw tales, 3 di 4

2011-12-12T04:58:00.004+01:00

Hank III

Attention deficit domination (Megaforce/Hank III Records, 2011)

Chiusa l'analisi delle uscite country (in senso moolto lato della definizione) passiamo ai lavori metal della recente tetralogia di Hank III. Attention deficit domination è, seppur in tema di metallo pesante, una novità dello stile dell'outlaw texano che in genere si misurava con il cowpunk e tutte le derivazioni più sudicie dell'hardcore. Il genere qui interpretato è invece rigoroso doom: lento, angosciante e sofferto, suonato in tutte le sue parti strumentali e (ovviamente) cantato dal solo Hank.

Pur amando i Black Sabbath, che sono indicati dai più come inventori del genere, non sono un particolare appassionato dell'evoluzione che lo stile ha assunto negli anni. Il doom contenuto in ADD poi, con i suoi riff ossessivi, ipnotici, decadenti e (ahimè) ripetitivi non è probabilmente il massimo per un'eventuale iniziazione al sound. I Candlemass di Epicus Doomicus Metallicus per dire, sembrano quasi maggiormente accessibili rispetto a questo lavoro. Che poi qualche pezzo notevole lo contiene anche, I feel sacrificed per esempio,insieme a Make a fall, Demons mask o a Get str8, personalmente però, devo estrapolarli dal contesto complessivo per apprezzarli, perchè oltre cinquanta minuti di queste atmosfere, con tre pezzi che gravitano attorno agli otto minuti, sono troppi anche per un die-hard fan del cappelluto singer quale ritengo di essere.

Una considerazione sul cantato. Ascoltando il lavoro in più di un'occasione mi è scattato il collegamento tra il modo d'intonare i pezzi di Williams e quello di Layne Staley degli Alice in chains. Leggendo i crediti dell'album ho scoperto che proprio a lui è dedicato l'intero lavoro. Difficile a questo punto pensare ad una coincidenza.

La valutazione finale dell'album è dunque condizionata dalla mia scarsa tolleranza al sottogenere, e quindi strettamente personale (beh, come sempre del resto), un adepto del doom darebbe magari un giudizio completamente diverso. Per me, come dicevo, si arriva alla sufficienza e stop.

Album o' the week / AAVV, The songs of Jimmie Rodgers (1997)

2011-12-10T10:31:00.003+01:00

Un tributo, un tipo di operazione che andava tanto di moda tra la fine degli ottanta e i novanta. In questo caso però un progetto di grande significato, per l'eccellenza della sovraintendenza (Bob Dylan), per gli interpreti coinvolti e, last but not least, per l'autore omaggiato. Trattasi di Jimmie Rodgers, 1897/1933, considerato il padre del country e dello stile yodel al suo interno.

Si misurano con le sue composizioni Bono (l'apertura è per la rilettura da brividi di Dreaming with tears in my eyes), Alison Krauss (il ragtime di Any old time), lo stesso Dylan, Willie Nelson, Steve Earle (In the jailhouse now), Jerry Garcia con David Grisman, John Mellencamp, Van Morrison, Aaron Neville, Dwight Yoakam(l'anthem T for Texas) e altri. Fatevi un viaggio nel sud degli states. Non costa niente e questa è la prima classe!

Back at the top

2011-12-09T04:31:00.001+01:00

Tom Waits
Bad as me (Anti, 2011)

La domanda da porsi è questa: perchè Tom Waits riesce nell'obiettivo di restare fedele a se stesso, al sound che ha eruttato fuori nel 1983 con Swordfishtrombone, senza eccedere mai in autorefenzialità? E perchè invece la maggior parte di suoi coetanei quando ci prova cade immancabilmente nell'autoplagio?

Le risposte possono essere multiple. La prima è che l'ispirazione, quella vera, sembra non abbandonarlo mai. Un'altra risposta è che probabilmente Tom non avverte il peso delle aspettative rispetto ai suoi lavori. Dà l'impressione di fottersene insomma. Non ha baracconi da portare in giro negli stadi un anno si e uno no. Le tournè le fa quando, come e dove gli pare. La qualità delle canzoni, infine, è sempre eccellente. Partiamo da Chicago, la prima traccia di questo Bad as me, e della fuga del suo protagonista verso un posto dove "tutto sarà migliore". Un pò come succedeva al fuggitvo di Singapore, apertura del seminale Raindogs. Una botta di futurismo rock scatarrata nel microfono.

Dopo un inizio pirtecnico e rumorista che si conclude con il twist allucinato di Get lost, il saliscendi di emozioni composto da Waits giunge finalmente al primo momento di introspezione che si traduce in un trittico di lenti. Il suggestivo Face to the higway, lo struggente Pay me e la ballatona Back in the crowd. E' questo uno dei momenti topici dell'album, oltre a servire per tirare il fiato prima di tornare al lato più scatenato del meltin pot di suoni del cantautore newyorkese, che si scrolla di dosso i sentimentalismi residui con l'animalesca title-track.

Ma ho fatto riferimento allo stile "rumorista" di Tom Waits, inaugurato quasi venticinque anni fa con Swordfishtrombone. Prima di esso l'artista americano aveva evoluto il suo personalissimo songwriting in ballate jazz disperate, notturne, fumose. Da club di terza categoria aperti tutta notte solo per i cuori infranti. La traccia numero nove, Kiss me, torna imprevedibilmente proprio da quelle parti, neanche fosse una outtake di Foreign affairs (lo stesso si può dire per la conclusiva New year's eve). Un pezzo suntuoso.

Dimenticavo gli ospiti. A coadiuvare il maestro tanta gente di qualità. Da Keith Richards, al fido Marc Ribot, a Les Claypool a David Hidalgo a Flea. Il disco è uscito in due versioni, quella normale consta di tredici tracce, la speciale ne annovera tre in più.

Un ritorno proprio come ce l'aspettavamo ma non per questo meno sorprendente. Ma come fa?!?

Oltre il margine

2011-12-08T10:55:00.001+01:00

Premessa doverosa: siamo nell'ambito del prodotto televisivo prescindibile . Non me la sentirei cioè di consigliare Fringe rispetto ad altre serie, anche a Lost, per esempio, con la quale condivide lo stesso autore (JJ Abrams) e alla quale si ispira in quanto ad atmosfere. Per essere più chiaro: siamo dalle parti dell'intrattenimento a spina del cervello staccata. Per goderne bisogna mettere totalmente da parte logica e razionalità, eludere le incongruenze e concentrarsi sull'aspetto più superficiale, immediato e visivo della storia.

In questo senso Fringe coniuga in maniera divertente il genere horror e quello di fantascienza, basandosi su una presunta organizzazione segreta che effettua esperimenti sul genere umano a colpi di mutazioni genetiche, malattie terrificanti, armi di sterminio di massa non convenzionali, realtà alternative, persino alieni da altri mondi.

Tutti questi elementi ruotano in qualche modo attorno al lavoro giovanile dell'anziano Dottor Walter Bishop(interpretato da John Noble), scienziato visionario che ha passato un lungo periodo in un manicomio, dal quale viene fatto uscire dall'agente FBI Olivia Dunham (Anna Torv) con l'ausilio del figlio Peter Bishop(Joshua Jackson), per fronteggiare un attacco batteriologico mortale su un volo di linea. I tre, sotto la direzione del colonnello Philip Broyles (Lance Reddick), costituiscono l'ossatura della sezione Fringe, specializzata nel prevenire e combattere eventi inspiegabili.

Il canovaccio della storia prevede che in ogni episodio si verifichi un caso, spesso orrorifico, che richiede l'intervento della squadra. Ogni evento sembra scollegato dagli altri e conduce sempre al lavoro del dottor Bishop. Alla fine emergerà il collegamento tra i diversi casi e tra di essi e il ruolo dei protagonisti.

Venendo a mancare, diciamo così, una trama spessa che sostiene la struttura delle puntate, a fidelizzare lo spettatore sono i carachters, tutti, con l'eccezione della semi esordiente australiana Anna Torv, volti noti delle produzioni perlopiù televisive. Reddick (Lost, Oz, ma sopratutto The Wire); Joushua Jackson, con una mimica facciale alla George Clooney, che in realtà di cinema ne ha fatto anche tanto, ma che tutti ricordano sempre e solo per Dawson's Creek. Ma il personaggio vincente della serie è senza ombra di dubbio Walter Bishop, interpretato da John Noble (anche nel Signore degli anelli) prototipo dello scienziato folle, affetto da vuoti di memoria e dedito al consumo di psicofarmaci ma dotato di capacità leggendarie. E' lui, con le sue uscite estemporanee ("Agente Dunham, ho un erezione. Ma non dipende da lei, è solo che devo orinare") la marcia in più della serie.

Come dicevo in premessa, niente di imperdibile. Tra l'altro, volendo approfondire, la serie è strutturata in modo da essere approfondita in rete attraverso gli indizi disseminati nelle varie puntate. Che è la strategia usata da J.J. Abrams anche per consolidare il seguito di Lost tra il popolo della rete. Io mi sono fermato al livello di coinvolgimento superficiale, ma se qualcuno di voi ha tempo da perdere...

Sparatutto Monti!

2011-12-06T04:40:00.000+01:00

Magari c'era da aspettarselo, viste le premesse. Mi viene però difficile ipotizzare una manovra più pesante e,sì, iniqua di questa. Bisogna tenere a mente le motivazioni che hanno portato la squadra di Monti ad assumere codeste decisioni, cioè la crisi totale che sta sconquassando il Bel Paese, ma anche così faccio davvero fatica a digerirla.

A danno di lavoratori, famiglie e pensionati, direttamente (con trattenute e tasse) e indirettamente (con i tagli al pubblico,alla sanità) una mazzata terrificante, resa ancora più pesante dal fatto che, in tema di pensionandi, si interviene su individui in dirittura d'arrivo per la pensione e gli si sposta il traguardo o molto più in la o nella migliore della ipotesi di poco in avanti, ma penalizzandoli economicamente. In entrambi i casi comunque, il passaggio dal sistema retributivo (calcolo della pensione sugli ultimi dieci anni di lavoro) al contributivo (calcolo sui contributi di tutta la vita lavorativa) toglie euro sonanti dal reddito mensile passato dall' INPS. E' curioso poi come la classe politica ritenga "ricche" le pensioni che superano i €960 al mese. I ministri usano infatti questa giustificazione per bloccare, oltre quella soglia,la rivalutazione dell'assegno della previdenza pubblica (il che comporta ovviamente il taglio di altri euro). Non considerano i tecnici al governo, che spesso le famglie con dei pensionati sono le prime reti di salvataggio della società, avendo a carico i figli che studiano o che trovano lavori saltuari e che pertanto non possono permettersi l'agognata indipendenza. Impoverendo i loro redditi, le ricadute sono a cascata, altro che patto intergenerazionale.

Che dire dell'ICI? Ero tra quelli quasi favorevoli alla sua reintroduzione (anche se in parte era stata sostiuita dalle tasse regionali), per compensare quanto possibile i tagli operati dal governo precedente e quindi per permettere agli enti locali di fornire i servizi ai cittadini, oggi pesantemente a rischio. Ma diamine, qui si parla di rivalutare del 60% il valore catastale degli immobili (dato base per calcolare la tassa)! Dai primi conteggi effettuati si potrebbe arrivare ad un bollettino medio di seicento euro l'anno per la prima casa. E l'aumento dell'IVA, della benzina?Aggiungetelo al resto (e alle altre quattro manovre già licenziate quest'anno) e poi ditemi se non è un vero e proprio tracollo finanziario per le famiglie.

Dove sta l'equità? Nell'introduzione della tassa per gli Yatch o per gli elicotteri? E la patrimoniale, che, con tutti i se e i ma del caso, era stata avallata anche da Confindustria? Sparita. E l'aumento dell'IRPEF per i redditi oltre i 55mila e oltre i 76mila? Dissolto nottetempo. Altro che non mettere paletti, questa manovra sembra cucita addosso alla linea del PdL, e il PD chiaramente pagherà dazio, dato che gli altri partiti di sinistra, l'IDV, la Lega e i sindacati manifesteranno il loro dissenso, lasciando Bersani con il classico cerino in mano alle prossime elezioni.

Ce lo meritiamo per aver festeggiato troppo in fretta e senza ritegno la caduta del Cavaliere? Sarà. Non dimentichiamo però quanto l'ex Presidente abbia contribuito a questo risultato.

E comunque, tornando a Monti,se proprio dobbiamo prendere a prestito per rappresentarlo un personaggio dei videogames, fin qui direi che ci troviamo più in clima da massacri indiscriminati alla Duke Nukem, altro che il colorato mondo della favole di Supermario.

Kenny Wayne's back

2011-12-05T04:19:00.001+01:00

Kenny Wayne Shepherd
How i go (Roadrunner, 2011)

Kenny Wayne Shepherd, insieme a Johnny Lang e Joe Bonamassa, è un ex enfant prodige del rock-blues. Nato nel 1977, ha pubblicato il suo primo album già nel 1995 attirando su di se le attenzioni degli amanti del genere. Col tempo, nonostante la buona fattura dei suoi dischi (su questo spazio ci eravamo già occupati di lui), gli è mancata probabilmente una vera evoluzione personale. Cosicchè la sua figura si è vista sorpassare dagli altri giovani guitar hero, tant'è che, attualmente, fra i tre della premessa, il più quotato è senza dubbio Bonamassa.

Oggi il chitarrista del Mississippi torna in buona forma, con un perfetto lavoro di rock-blues bianco ben equilibrato tra pezzi al fulmicotone, lenti e bluesacci canonici. Tra i primi si stagliano dalla media l'opener Never lookin' back, Oh pretty woman (non è quella di Orbison), The wire mentre Show me the way back home, Anywhere the winds blow e Heat of the sun si muovono tra la seconda e la terza tipologia di cui sopra. Dark side of love esce dal classico stampo di B.B. King, mentre Yer blues è la cover del pezzo dei Beatles dal White Album. Ottima la trilogia che chiude la tracklist, con l'acustico quasi in odore di pop Who's gonna catch you now, il sofferto Black water blues e Strut, trascinante boogie-blues strumentale che strizza l'occhio a Steve Ray Vaughan. I pezzi in totale sono tredici ai quali ne vanno aggiunti quattro dell'edizione speciale.

How i go è un buon lavoro per chi apprezza il genere ma anche per chi normalmente non lo fa, visto il buon livello di accessibilità rispetto ai neofiti e il suo low factor di ripetitività. Bella lì, Kenny Wayne!

Album o' the week / Massimo Ranieri, Napoli e le mie canzoni (2010)

2011-12-03T10:03:00.003+01:00

Non ho mai avuto l'occasione di parlare della mia passione per le canzoni della tradizione napoletana. Più precisamente del periodo che va dall'inizio del novecento fino alla fine dei cinquanta. In questo triplo ciddì Massimo Ranieri ne raccoglie trentasei, operando una buona, seppur non esaustiva, selezione. La scelta è di proporle perlopiù in versione acustica, rarefatta, rallentata, con molto risalto su archi e voce. Pur preferendo le versioni originali la pulizia del suono e l'indubbia qualità dell'operazione mi fa apprezzare anche queste versioni di Reginella, Malafemmina, Luna Rossa, O' surdato 'nnammurato, Dicitincello vuje e dei classici di Carosone.

Nell'era del Minzulpop

2011-12-02T04:35:00.003+01:00

Quando ho saputo che Santoro, via dalla RAI, aveva rotto anche con LA7 a causa di vincoli che gli sarebbero stati imposti pure lì, e avrebbe quindi fatto il suo programma in maniera autonoma, grazie ad un network di televisioni regionali e a Sky ( qui la lista completa), ho pensato che forse, tutto sommato, la cosa poteva anche essere positiva. Nel senso che avrebbe potuto togliere un pò d'ingessatura al format e magari, scevro da censure, regalarci perle come la metafora della politica che penetra analmente i cittadini, eseguita da Luttazzi nel ormai epocale monologo a Raiperunnotte.

E invece. Invece dopo qualche puntata, Servizio Pubblico, al netto di un maggiore spazio concesso a Vauro e Travaglio (elemento non necessariamente positivo, anzi, alla lunga i due stroppiano), riprende paro paro il canovaccio di Annozero (servizi "sul campo"; ricostruzioni delle intercettazioni telefoniche attraverso attori; dibattito in studio) senza troppi slanci o innovazione.
Intendiamoci: è comunque insieme a Report, fatte le dovute differenze (uno è puro giornalismo d'inchiesta, l'altro è contaminato con l'intrattenimento), una delle poche trasmissioni che tocca aspetti accuratamente occultati dai principali tiggì nazionali. Prendete il caso delle tangenti Enav/Finmeccanica, è abominevole che la vicenda che pare implichi massimi livelli della politica italiana sia passata quasi sotto silenzio.

Però, e arrivo finalmente al dunque, se in Italia istituzioni e partiti temono un programma non dico innocuo ma insomma quasi come Annozero/Servizio Pubblico (chi segue David Letterman sa quanto ci vada giù pesante nei monologhi, e nessuno si sogna di chiudergli lo show) significa che siamo in una condizione di coma indotto farmacologicamente, e che ogni segno di risveglio è considerato, paradossalmente, un virus. Lo sapevamo già? Può darsi, ma non per questo è meno inquietante...

MFT, novembre 2011

2011-11-30T04:10:00.003+01:00

ALBUM

99 Posse, Cattivi Guagliuni
In Flames, Colony
David Bromberg, Use me
Chickenfoot, III
Lou Reed/Metallica, Lulu
Anna Calvi, omonimo
Kenny Wayne Shepherd, How i go
Wagons, Rumble, shake and tumble
Kurt Vile, Smoke ring for my halo
Hank III, Attention deficit domination
Volbeat, varie 2005/10
Tom Waits, Bad as me
Mastodon, The hunter
Black Sabbath, Reunion
Artisti Vari, The lost notebooks of Hank Williams
Ryan Adams, Ashes and fire
Arch Enemy, Khaos legion
JJ Grey & Mofro, varie 2001/10

VISIONI

Fringe, stagione uno
The walking dead, stagione due

LETTURE

Anthony Kiedis, Scar tissue

Vite incomplete

2011-11-29T04:53:00.003+01:00

Quando si fa un film con o sugli adolescenti si rischia sempre. O di uscirsene con seriosissimi pamphlet storici-sociali o con robe superficialette che trovano ampio spazio su riviste del calibro di Top Girl o Cioè.

Francesco Bruni (carriera da sceneggiatore, qui all'esordio anche come regista) riesce invece ad evitare in scioltezza entrambe le trappole e confeziona un prodotto credibile e divertente. Certo, gran parte del merito va ascritto, e non è certo una novità, a Fabrizio Bentivoglio, mostruoso nella sua recitazione per sottrazione, i suoi stati d'animo prima ancora che con le battute, sono percepiti attraverso la postura, gli sguardi, l'incedere, le espressioni, la comunicazione non verbale. Il suo personaggio è Bruno, ex professore e scrittore che oggi tira avanti con le ripetizioni private e il ruolo di ghost writer per le autobiografie di personaggi famosi. La sua è chiaramente una solitudine rassegnata ma, si intuisce, non meno dolorosa. A frantumare fragorosamente i suoi spazi ed i suoi tempi ci pensa Luca, quindicenne sveglio ma ignorante, di cui Bruno dovrà improvvisamente occuparsi a causa di un evento imprevisto.

Il canovaccio del film è tutto qui, nel mezzo c'è però un modo brillante per raccontarlo, un grande attore, camei divertenti in parte riusciti (Barbora Bobulova è Tina, pornostar arricchita a cui Bruno sta scrivendo la biografia ) in parte meno (Vinicio Marchioni nei panni de Il poeta, boss criminale che cita Pasolini e obbliga la sua cricca a vedere Truffaut, è un pò troppo tirato per i capelli, benchè gustoso). Ben scelto anche Filippo Scicchitano, l'interprete di Luca, ragazzo in un fisico da adulto con ben impressi ancora sul volto i lineamenti da bambino.

Il film alterna bene i momenti divertenti a quelli drammatici, certo non è immune da critiche (ci risparmia la storiella d'amore adolescenziale, ma non quella, abbastanza telefonata, tra Tina e Bruno) ma tra diverse citazioni a Romanzo criminale (la presenza stessa di Marchioni nel ruolo di boss, un dialogo tra Luca e l'amico, il colloquio finale tra Il Poeta e Bentivoglio) e l'invadente musica di Amir, alla fine sono di gran lunga gli elementi positivi ad emergere rispetto a quelli negativi (considerato anche che si tratta di un'opera prima).

Una sintesi all'italiana tra il Grande Lebowski (per l'astrattezza del vivere di Bruno) e Wonder Boys (sul tema giovani talenti invecchiati male).

Giorni luminosi

2011-11-28T04:43:00.001+01:00

JJ Grey and Mofro
Brighter days (Alligator Records), 2011

JJ Grey and Mofro è una realtà che negli USA si è ritagliata da tempo uno zoccolo duro di fans grazie ad una carriera ormai decennale, un'intensa attività di concerti ed un sound di matrice rock n' soul che ha il ritmo del funk e sconfina nell'errenbì con una predilizione per i lenti o i midtempo rispetto ai brani veloci.
La band, guidata da JJ Grey (voce, chitarra,armonica e piano) comprende nella sua line-up, oltre agli strumenti tradizionali anche un piano hammond ed una sezione fiati.

Escluso Brighter days, live celebrativo uscito anche in dvd, i Mofro's hanno già inciso cinque album costruendosi una buona credibilità nelle scene americane, sulla scia delle cose più black oriented di band bianche come i Little Feat, pur non disdegnando a volte rimandi alla Dave Matthews Band e all'aspetto meno cervellotico delle jam bands.

Non tutte queste sconfinate sfumature emergono dall'ascolto dalla prima raccolta dal vivo del combo, e qualcosa,inevitabilmente, resta fuori (un posticino nella tracklist per Hide and seek, Slow, hot and sweeaty e The devil you know io l'avrei trovato), ma al netto di questa osservazione quello che emerge è la confidenza che la band ha con la dimensione live e la partecipazione del pubblico al concerto. Sembra che l'audience non aspettasse altro che brani quali l'opener Country ghetto o Lochloosa, dilatata fino a superare gli undici minuti, e ancora la title track, Ho cake, The sweetest thing per scatenare tutto il proprio entusiasmo per queste note calde, vibranti e sexy.

Sì perchè l'opera dei JJ Grey and Mofro ha la particolarità di riconciliarti con l'aspetto più interiore della musica, l'impasto compessivo del sound, i break dei fiati, il basso, l'hammond producono, quando sei della predispozione giusta, quasi uno stato di empatia assoluta. Un'ottimo groove, magari niente di innovativo o originale, ma suonato con onestà e passione, questo è garantito.

Album o' the week / Eels, Electro shock blues (1998)

2011-11-26T10:23:00.003+01:00

Electro shock blues è considerata da molti l'opera migliore di Mr. E.

E' anche il risultato artistico del periodo più triste della vita di Everett, che nei mesi precedenti alla sua uscita ha perso prima la sorella per suicidio e poi la madre a causa di un male incurabile. Oltre ad essere chiaramente autobiografico, molti pezzi elaborano quelle dolorose esperienze (Climbing up to the moon, Dead of winter) con risultati strazianti e poetici. L'album contiene anche Cancer for the cure, usata nel soundtrack di American beauty, Going to your funeral e P.S. You rock my world.

Se in questi giorni vi sentite malinconici.

La madre di tutte le notti

2011-11-25T07:08:00.001+01:00

Il primo pensiero è andato all'odiosa azione dei vecchi e nuovi revisionisti storici.
Se davvero si vuole fare un processo alla storia, un'analisi seria alle tremende dinamiche che si sono sviluppate prima, durante e dopo la seconda guerra mondiale, basterebbe rileggere l'opera di Vonnegut. Lì c'è tutto. Il continuo rovesciamento dei ruoli tra vittime e carnefici, tra vincitori e sconfitti, tra torto e ragione.

A differenza della capziosa opera revisionista però, negli scritti di Vonnegut (in Madre notte come in Mattatoio numero 5) non si esprimono giudizi , ma si tracciano impietose descrizioni delle laceranti incongruenze insite nell'animo umano. Non si proclamano sentenze, l'atteggiamento che emerge è quasi giustificatorio persino nei riguardi di persone che rivestono ruoli di norma considerati abietti: traditori, doppiogiochisti, bugiardi, assassini, fanatici.

Se il tema è la bestialità trasversale dei conflitti, l'ottusità della crudeltà, la banalità del male, Vonnegut sa bene di cosa parla, visto che da volontario della fanteria USA fu fatto prigioniero a Dresda giusto in tempo per assistere al bombardamento della città che produsse la più grande carneficina del novecento, con un numero totale di vittime che si è attestato ad oltre le centotrentamila. Conosce bene l'uomo con il suo cinismo, le sue contraddizioni, le sue aspirazioni,le sue bassezze, i suoi imprevedibili slanci di coraggio. Sa che sono le condizioni oggettive, il contesto che ci circonda a fare di noi ciò che siamo e che dunque mutando questi fattori il risultato finale, l'agire individuale, ne viene influenzato.

Chiaramente c'è molto di Vonnegut nei tormenti di Howard Campbell, ma anche in quelli degli altri protagonisti del romanzo: reduci, nazisti americani, prigionieri di guerra, spie sovietiche, persone che non sono ciò che dicono di essere ("noi siamo quel che facciamo finta di essere, sicchè dobbiamo stare molto attenti a quel che facciamo finta di essere"). Tante sarebbero le pagine da tenere a mente, imparare a memoria, usare come bussola di vita, forse è più semplice utilizzare un pensiero formulato da quanti sostengono che un libro come Madre notte, "dovrebbe essere diffuso nelle scuole al pari di Se questo è un uomo di Levi" .

Una lettura imprescindibile.

Catalogami questo! / 22

2011-11-23T04:15:00.001+01:00

La musica Cajun è caratteristica della Louisiana, nata dalle popolazioni di origine francese chiamate Acadians. La musica Cajun è spesso associata alla musica zydeco, che ha le stesse origini.

La lingua parlata dai cajun corrisponde ad un francese antico, quasi puro, ed in questa lingua i cajun svilupparono un loro stile musicale che da loro prese il nome. La musica cajun, simile in qualche aspetto alla musica creola, prevedeva principalmente l'uso della concertina e della fisarmonica.

Le sue tipiche melodie sono state utilizzate da Virgil Thomson nella colonna sonora del film del 1948 Louisiana Story (La storia della Louisiana, su DVD come: I racconti della Louisiana), per la quale Thomson vinse nel 1949 anche un premio Pulitzer per la musica.

Nalla musica cajun viene tavolta suonato, oltre al tradizionale washboard, anche il violino, alla maniera di un secolo fa, da solo o in coppia, anche come solo strumento per accompagnare il canto o la danza. Altro strumento tipico e la fisarmonica cajun, una fisarmonica semplificata con, ad esempio, dieci tasti alti, due bottoni bassi, quattro serie di voci al canto. Altri strumenti sono il triangolo, chiamato tit fer o petit fer, e la chitarra.

I primi artisti ad incidere dei brani di cajun furono i bianchi Joe Falcon e Dennis McGee per la Columbia Records nel 1928 e il nero Amédé (Amade) Ardoin nel 1929 per la Decca. Ambedue le registrazioni vennero fatte a New Orleans. Si tratta di una musica da ballo campagnola che si aggancia alla tradizione franco-canadese con qualche influenza irlandese, tedesca, caraibica, messicana e africana. Comunque, il cajun anteguerra non ha nulla a che fare con il blues.

wikipedia

The beauty and the beast music

2011-11-21T04:23:00.001+01:00

Arch Enemy

Khaos Legions (Century Media) 2011

Probabilmente gli esperti del melodic death metal saprebbero compilare una lista di band più importanti degli Arch Enemy. Io invece, che del genere non so in pratica una mazza fionda, mi sono preso la libertà di affezionarmi a questo dischetto della band svedese formata da Micheal Amott dei Carcass, che ho scoperto essere attiva, tra alterne fortune, dal 1996.

I brani dell'album si susseguono seguendo un canovaccio che prevede pezzi brutalmente veloci con la doppia cassa a dettare la linea e improvvise stoppate con successivi rallentamenti della melodia (un esempio per tutti, Bloddstained cross, la traccia numero tre). Il cantato è, ca va san dir, in rigoroso growling, e fin qui nulla di strano. Solo ci sono rimasto di sasso quando, prendendo informazioni sulla band, ho scoperto che la voce da esorcismo che sventra i testi appartiene ad una fanciulla di nome Angela Gossow, che insomma a vederla non si direbbe.

I pezzi in generale sono un buon compromesso tra l'integrità che il genere richiede e comunque un buon livello di accessibilità, elementi che permettono ad un non adepto a questo sound di ascoltare l'opera senza crisi di rigetto al terzo brano consecutivo. E di giungere così con le orecchie provate, ma ancora integre, fino alla fine, passando per le ultime perle Cult of khaos e Secrets con un timing finale che si attesta attorno ai cinquanta minuti.

La band a mio avviso ha una forte componente commerciale. Un brano come No gods, no masters ad esempio con un arrangiamento differente potrebbe tranquillamente diventare un pezzo pop, magari dei Depeche Mode, non per niente a dimostarre che le radici della band sono tutt'altro che di nicchia, tra le bonus tracks per il mercato giapponese compare la convincente cover di The zoo degli Scorpions e all'interno di un'altra edizone speciale del disco ci sono tributi a Kiss (The oath) e Europe(Wings of tomorrow).

Khaos Legion è probabilmente un disco che non lascerà segno alcuno nella storia del metal, che verosimilmente annoierà gli integralisti del genere, e che pertanto è perfetto per essere trattato con accondiscendenza su queste virtuali pagine.

Album o' the week / Lucio Dalla, DallAmeriCaruso (1986)

2011-11-19T09:39:00.002+01:00

Questo live catturato durante un breve tour nei clubs americani (nello specifico l'intera serata è stata registrata a New York) riprende il secondo Lucio nazionale nel suo migliore stato di forma. La performance è memorabile anche grazie al contributo della band che accompagna Dalla: gli Stadio. L'album è forse più noto per la presenza di un unico inedito (il famigerato Caruso) che per la bontà delle riproposizioni tirate di pezzi come Balla balla ballerino, Tutta la vita, Futura, L'ultima luna e il classico del gruppo di Curreri Grande figlio di puttana.

Devastante ed incomprensibile la scelta della casa discografica che per la versione in cd del live esclude quattro brani e ne accorcia uno (Washington). Il tutto nonostante il timing finale del supporto digitale si attesti a sessantotto minuti (con ulteriore spazio utilizzabile dunque). E poi dicono che il mercato discografico è andato in crisi! Con un management così...

Il sabba di Milano

2011-11-18T08:24:00.005+01:00

Comunicato ufficiale

I BLACK SABBATH SI RIUNISCONO PER UN NUOVO ALBUM IN STUDIO (prodotto da Rick Rubin) DOPO 33 ANNI E INTRAPRENDERANNO UN TOUR MONDIALE. SARANNO IN ITALIA IL 24 GIUGNO.

BLACK SABBATH
24.06.2012 MILANO arena fiera milano (rho) – Gods of Metal 2012
Special guests TBA - Biglietti in vendita a partire da martedì 22 novembre sul circuito Ticket One e rivendite collegate autorizzate.

Prezzi dei biglietti:
Regular Ticket: 65 Euro + diritti di prevendita
Pit Ticket (disponibilità limitata): 85 Euro + diritti di prevendita

Il Pit Ticket comprende:Biglietto d’ingresso, Braccialetto per accedere al Pit e assistere allo show in posizione privilegiata, Entrata dedicata salta coda, Accesso Area Vip

Speravo davvero di poter vedere i Black Sabbath dal vivo e sapevo di avere, per ragioni anagrafiche della band, non più di una chance residua. Certo, mi toccherà passare sopra a diversi elementi che dovrebbero, ragionevolmente, dissuadermi: la follia del prezzo del biglietto, la location abominevole, lo stato di brasatura di Ozzy, la prospettiva che ci sia troppo spazio nella setlist per il nuovo disco a danno dei classici. Ma temo che tutti questi ostacoli non basteranno a dissuadermi...

De cat is in de sac

2011-11-17T05:07:00.000+01:00

Stavolta non ci sono state sviste arbitrali o furbate di campioni al declino, l'Irlanda ce l'ha fatta e torna finalmente alla fase finale dell'europeo di calcio dopo un quarto di secolo di assenza. La squadra non è composta da fenomeni, per dire le stelle sono Shay Given e Damien Duff (trombati da Mancini al City) e il trentunenne fantasista, con un breve passato anche all'Inter, Robbie Keane. Sapete già dove andrò a parare. Grande merito in questa impresa va ascritto al giovannino nazionale, che è diventato un'icona degli sportivi irlandesi e che nell'ultima conferenza stampa per tenere alta l'attenzione dei suoi a prescindere l'ampio vantaggio maturato in Estonia, ha riproposto uno dei suoi evergreen: non dire gatto...

Catalogami questo! / 21

2011-11-16T08:11:00.005+01:00

Mi occupo della defizione di un genere noto a tutti, il thrash-metal, quasi esclusivamente per fare ammenda. Da sempre ritenevo infatti che il termine si scrivesse senza la acca tra la prima e la seconda lettera, proprio come la traduzione in inglese di spazzatura (il che, in effetti non ha molto senso). Solo di recente, grazie ad Jumbolo che mi ha corretto, mi sono avveduto della clamorosa gaffe. Avessi saputo prima che il verbo to thrash (onestamente mai sentito usare) significa battere/percuotere, forse ci sarei arrivato anche da solo. Ad ogni modo...

Il thrash metal è un sottogenere dell'heavy metal, che combina le tecniche dell'heavy metal classico e dell'hardcore punk.

La sua definizione deriva dal verbo to thrash (inglese per "battere, percuotere"). Ha ottenuto un certo successo soprattutto negli anni ottanta e agli inizi dei novanta. Inoltre ha influenzato alcuni stili venuti dopo come death metal,black metal, punk metal ed altri più recenti, quali metalcore, groove metal, alternative metal e nu metal.

(...)

Il thrash metal nacque nei primi anni ottanta negli Stati Uniti, nella Bay Metropolitan Area della California. I primi fautori di questo genere furono Metallica, Slayer, Anthrax e Megadeth che insieme formarono i cosiddetti "Big Four" del thrash. Lo stile musicale si diffonderà poi a macchia d'olio in tutto il Nord America, per poi arrivare in Europa e nell'America Latina. (...)

Il thrash iniziò ad assumere i propri connotati con i Metallica e gli Slayer, i quali pubblicarono rispettivamente Kill 'Em All e Show No Mercy nel 1983, dischi che iniziarono a manifestare un certo distacco stilistico dal classico heavy metal britannico. Poco dopo, si aggiunsero gli Anthrax con Fistful of Metal (1984) e i Megadeth con Killing is my Business... And Business is Good! (1985).

I lavori di questi gruppi presentarono dei tratti comuni rappresentati da ritmiche taglienti e molto veloci, soprattutto per ciò che concerne i riff di chitarra e i tempi di batteria, e da testi abbastanza grezzi e spontanei che vanno dall'esaltazione quasi superomistica del metal (Metal Militia dei Metallica, Metal Thrashing Mad degli Anthrax) fino ad un certo gusto per l'horror e il satanismo (Black Magic degli Slayer, The Skull Beneath the Skin dei Megadeth). (...)

Grazie ai capofila del genere, il thrash metal venne portato verso il suo apice e si venne ad accentuare il processo di ulteriore evoluzione del genere. Con il passare degli anni, il thrash conobbe uno sviluppo notevole grazie anche alla nascita di altre formazioni degne di nota. Fra i gruppi più rappresentativi di questa corrente occorre ricordare Exodus, Testament, Death Angel. (...)

la scheda completa su wiki

Mr Ticket

2011-11-15T05:13:00.001+01:00

Ovvero come ammazzare il tempo in attesa di un treno che non arriva mai e avendo a disposizione solo una manciata di biglietti usati. L'epica battaglia tra un adulto e un bambino contro il perfido Mr Ticket nella stazione deserta di Dateo sarà narrata nei secoli a venire quale esempio di intrepido coraggio e sprezzo del periglio.

Bad to the bone

2011-11-14T04:09:00.002+01:00

99 Posse

Cattivi Guagliuni (Novenove) 2011

Ascolto il ritorno dei novenove e tiro un bel sospiro di sollievo. Il comeback era stato infatti anticipato, oltre un anno fa, dal singolo Antifa, che mi aveva veramente fatto temere il peggio, tanto era bolso, fiacco e prevedibile. Cattivi guaglioni invece riallaccia nel migliore dei modi il discorso interrotto quasi dodici anni fa, e lo fa con immutata coerenza, ma (se possibile) con più rabbia, meno melodia e una maggiore attenzione agli aspetti autobiografici del suo autore principale, o' Zulù.

L'album parte forte e convince subito. University of Secondigliano è 99 Posse style al cubo. Rime assassine e un ritornello che spacca, il tutto su di un testo dispiegato sulle macerie delle prospettive di una vita dignitosa nelle periferie d'Italia. Canto pè dispietto (feat. Nuova Compagnia di Canto Popolare) è, come dicevo, un resoconto dell'orizzonte temporale trascorso dall'ultima release del 2000 ad oggi nella vita di Luca Persico. La title track è forse il brano più riuscito del disco, un flusso di ispirazione circolare, che, partito dai maestri (loro, i novenove) ha raggiunto altre posse (i Cò sang su tutti) e poi è tornato indietro moltiplicato per cento. Il pezzo è una sfuriata micidiale su chi, per usare una metafora di De Gregori, ruba nei supermercati (finendo subito in prigione) e chi invece ha rubato per costruirli (che al gabbio non ci finirà mai).

La paranza di San Precario è un punk-rock leggerino, mentre Italia Spa fa ancora una volta centro, e mi piace segnalare un estratto da un monologo di Troisi che introduce il pezzo. Vilipendio fa scempio della retorica dei festeggiamenti ai centocinquant'anni del nostro Paese, mentre Yes Weekend è l'irriverente e sarcastica analisi della politica del piddì. Giusto per non farsi mancare strali nemmeno a sinistra.

C'è spazio anche per un'ospitata prestigiosa, quella di Caparezza che rappa nel suo stile inconfondibile sopra a Tarantelle pè campà. Su Antifa non ho cambiato idea, è il pezzo più debole della tracklist, mentre con Resto umano, il tributo al pacifista italiano Vittorio Arrigoni, ci si avvia alla conclusione del disco che tiene botta fino all'ultima traccia, per quasi un'ora di musica.

Non c'è quasi nulla da ridire sul ri-discesa in campo di o' Zulù e soci. Precisi, affilati, velenosi, spietati, rigorosi. Se proprio vogliamo andare a sfrucugliarli, mi sento di dire che senza l'apporto di Meg si sono un pò allontanati dal ruolo di Massive Attack italiani che tanto album come Corto Circuito e La vida que vendrà gli avevano appiccicato addosso. Qui la sloganistica e il furore delle rime non trovano quel magnifico equilibrio figlio del connubio musicale con la singer napoletana. Peccati assolutamente veniali rispetto all'importanza di un ritorno sulle scene di cui sentivamo davvero bisogno.

This time is for real

2011-11-13T09:36:00.006+01:00

BERLUSCONI SI E' DIMESSO

Album o' the week / Sweet 75, omonimo (1997)

2011-11-12T09:22:00.003+01:00

Gli Sweet 75 sono l'unica esperienza discografica di Krist Novoselic dopo i Nirvana. Il bassista si accompagna alla poliedrica cantante Yva Las Vegas per dare vita ad un progetto che ha come stella polare il sound indie ed il gruppo di Cobain (Fetch, Lay me down e Nothing probabilmente gli episodi migliori) ma che divaga con gusto, intercettando imprevedibilmente la lounge (La vida, con Herp Alpert), il country (Ode to Dolly, con Peter Buck), il tex-mex (Canots de pilon). Dopo questa collaborazione, Novoselic ha progressivamente mollato l'attività di musicista e Yva ha proseguito nella sua carriera squisitamente underground. Da ripescare.

Il treno ha fischiato

2011-11-11T04:38:00.000+01:00

Da qualche giorno avverto uno strano fischio all'orecchio sinistro. Tipo quando tuo malgrado sei sottoposto ad un rumore estremamente forte ed improvviso e le orecchie ti ronzano per qualche minuto, o come accade dopo i concerti. Solo che a me non è successa nessuna di queste cose (ne sono stato in piscina, montagna o aereo) e sto così da domenica. Il fischio non è intenso, ma continuo e chiaramente aumenta quando nell'ambiente circostante c'è silenzio. Ho fatto un salto in infermeria per capire se si potesse banalmente trattare di un tappo di cerume o di un'infezione (patologie di cui comunque non ho mai sofferto), ma sembra che l'orecchio sia a posto e dunque dovrò sottopormi ad una visita specialistica dall'otorino perchè sta cosa a lungo andare mi provoca una sensazione di rincoglionimento, come se vivessi sott'acqua.

Che qualcuno stia sparlando di me in misura così intensa e continuata? Che il mio corpo mi stia mandando dei segnali in codice? Che debba cambiare gusti musicali? Che stia sentendo anch'io il fischio del treno?

Dark journey

2011-11-10T06:48:00.000+01:00

Lou Reed & Metallica

Lulu (Universal) 2011

La mia impressione è che da quando è stata resa nota la collaborazione tra Lou Reed e i Metallica, finalizzata ad un progetto discografico comune, in molti non vedessero l'ora di sputtanarli. Ho notato anche che, una volta uscito l'album, a stroncarlo più violentemente, quasi con cattiveria sono stati i fans dei Metallica. Seguiti comunque a breve distanza da quelli di Lou Reed. Mi sembra invece ci sia stata più accondiscendenza (al netto dei soliti articoli-marchette a favore di major) da parte degli appassionati neutrali, che in passato hanno magari apprezzato sia il gruppo metal che il poeta maledetto, senza però per questo diventare degli integralisti delle loro opere.

La prima cosa da dire per fare chiarezza è che questo è senza dubbio un album di Lou Reed. Poi ci sono i Metallica a fare da gruppo spalla. Se qualcuno quindi si aspettava la rinascita della band di Hammett ed Hatfield rimarrà molto più che deluso. D'altro canto temo che per quella ci vorrebbe solo un miracolo (inteso in senso letterale, tipo resurrezione), vista l'empasse dei quattro. Lou Reed invece si può dire che abbia realizzato un operazione perfettamente nelle sue corde. Nei numeri cioè di un uomo che ha sempre fatto come gli pareva, a partire dall'atroce scherzo di Metal Music Machine (1975) per finire a The Raven (2003). E che prima e nel mezzo,insieme ai Velvet Underground o da solo, ha semplicemente scritto la storia della musica rock.

Ma ripartiamo proprio da The Raven, lavoro nel quale il sessantanovenne artista aveva musicato alcune opere di Edgar Allan Poe, non destando particolari favori in critica e pubblico. Il progetto Lulu segue coordinate analoghe, esplorando un lavoro teatrale del drammaturgo tedesco Frank Wedekind, lavoro che unisce due drammi distinti, Lo spirito della terra e Il vaso di Pandora in un unica rappresentazione: Lulu, appunto. Di cosa parlano le rappresentazioni (messe in scena tra la fine dell'800 e l'inizio del 900)? Di roba estremamente moderna, o se vogliamo trasversale al tempo. Sesso usato per salire la scala sociale, depravazione, attrazioni morbose, omicidi, suicidi, violenza fisica e psicologica. Di tanto sangue e di un finale splatter nel quale chiude il cerchio nientedimeno che Jack lo squartatore. Lulu (esile, carnagione chiara, capelli neri a caschetto, femminilità prorompente) diventerà l'icona di un certo tipo di femminilità, ripresa con una certa continuità da cinema, moda e fumetti (ultima ma non ultima la Valentina di Crepax).

La premessa è stata lunga ma a mio avviso era necessaria perchè conteneva l'embrione della recensione prettamente musicale. Per addentrarsi nella seconda parte dell'analisi del disco, c'è da dire che come da consolidato marchio di fabbrica degli ultimi anni , Reed non canta, ma recita i versi generalmente cantilenandoli, solo occasionalmente sforzandosi di intonarli se proprio non ne può fare a meno. Dietro di lui suonano i Metallica, non necessariamente autocoverizzando il loro suono, ma mettendosi a totale e umile disposizione della canzone, della storia, del progetto, del frontman. Il disco, pur essendo composto da dieci sole tracce ha una durata che accarezza i novanta minuti e dei singoli pezzi ben sei superano i sette minuti fino all'apice di Junior Dad, la traccia conclusiva che ne dura quasi venti.

Astenersi perditempo quindi. Se non si cade nel fascino oscuro del reading del vizioso newyorkese bastano una manciata di minuti per mollare il colpo. Se però si infrange l'imene della poca accessibiltà del disco, qualcosa di morbosamente affascinate in esso si trova, includendo in questo anche l'apporto della band di Master of puppets. Di più, il materiale racchiuso nel primo cd (le tracce fino alla sei) fila bene con il suo saliscendi d'intensità, a partire dalla chitarra acustica che apre Brandenburg Gate anticipando il cantato di Lou e l'entrata del resto della band. C'è poi The view, il singolo che ha lanciato l'album scelto presumibilmente in quanto uno dei pochi brani in cui Hetfield partecipa alle parti vocali. Il pezzo che però coniuga meglio i due stili musicali è Mistress dread, o perlomeno è quello in cui i Metallica suonano più veloce, facendo a gara con la nenia di Reed, che invece è costante nella sua ritmica lenta. Iced honey è il brano che maggiormente contempla la forma canzone classica ed in questo ricorda palesemente le composizioni più accessibili di Lou. Anche gli undici minuti della struggente (almeno per quello che si evince dal testo) Cheat on me non sono male e passano senza pesare.

Il secondo cd è un pò più sbilanciato sull'aspetto teatrale del soggetto, e poi comunque tre canzoni da quaranta minuti complessivi (anche se la metà dei venti minuti di Junior dad è come un'interminabile fader fatto di feedback chitarristici e archi vari) di questa roba metterebbero a dura prova anche la pazienza di un monaco tibetano.

Complessivamente, la boa della sufficienza è comunque raggiunta, non so se perchè in me è scattata la sindrome da giornalista snob che incensa ciò che gli altri abiurano o se sia più semplicemente una reazione alle critiche all'opera che mi sono parse preventive, esagerate ed irriguardose rispetto ad un lavoro che di certo non sarà ricordato negli annali e che rischia seriamente di finire presto nei cestoni tutto a cinque euro degli Autogrill, ma che non merita nemmeno di essere disprezzato con questa brutale intensità. No, Lulu non è sicuramente un disco trascendentale e vive inevitabilmente di alti e bassi, ma qualche qualità ce l'ha. Ad esempio cresce col tempo ed ha un suo oscuro magnetismo che attira a se. Non tutti gli ascoltatori forse, ma non è anche questo il bello della musica?

Che il vento tristo se lo porti via

2011-11-08T20:43:00.005+01:00

Forse ci siamo. Berlusconi avrebbe annunciato che presenterà le proprie dimissioni dopo l'approvazione della legge di stabilità. Anche se il condizionale con quest'uomo è d'obbligo, stiamo per vedere la luce alla fine di un tunnel nel quale siamo precipitati negli ultimi dieci anni di vita del paese.

Questo non è un blog d'approfondimento politico, lascio ad altri accurate analisi sul momento, sulla fase storica, sul berlusconismo che resiste a berlusconi e ancora sulle infinite pippe mentali della sinistra, a Bersani, Vendola, DiPietro,Casini e dell'ultimo arrivato Renzi.

Per me oggi, stasera, è esclusivamente il momento di gioire, di togliersi un peso, nel vero senso della parola. Di non vergognarsi più di essere italiano quando nei meeting internazionali si appropinquava il faccione da carro di Viareggio del cavaliere. Di non sentire più le sue agghiaccianti barzellette o i suoi comizi da imbonitore, le sue fughe da ogni tipo di contraddittorio. Non c'è rispetto nemmeno postumo per uno così. Non c'è alcun onore delle armi quando gli sconfitti hanno corrotto, lacerato, diviso, governato attraverso favori incociati, reso lecito l'indicibile, fatto del parlamento il proprio strumento legislativo, incidendo a fondo nel tessuto del bene pubblico e della morale italiana, se Berlusconi rappresenta tutto ciò che in democrazia non dovrebbe mai accadere e che infatti non accade in nessuna altra parte del mondo. E questo chiaramente pone degli inquetanti interrogativi su di noi in quanto popolo.

Ma come dicevo di questo non voglio parlare, desidero solo liberare la mia felicità. Ci siamo ripresi il domani. E domani, in fondo è un altro giorno.

Punture indolori

2011-11-08T07:55:00.005+01:00

Sembra Batman (è ricco sfondato, gli assassinano il padre, sfida il crimine coadiuvato da una spalla, ha una casa-rifugio tecnologica), ma in realtà è debosciato e maldestro e il merito dei successi sul campo sono tutti di Kato, suo aiutante giapponese esperto in tecnologia e arti marziali. Nessuno dei due ha comunque super-poteri e la prima operazione che conducono è decapitare la statua dedicata al padre, uniti dalla feroce antipatia nei suoi confronti. Il film resta in bilico per tutto il suo svolgimento tra i toni leggeri della commedia che sfiora la parodia e quelli seri dell'action movie, non trovando forse in questo la sua coerente collocazione. Il protagonista principale non a caso è un attore comico, Seth Rogen. Cameo anche per Cameron Diaz. Stupisce un pò scovare dietro la macchina da presa il talento visionario, anche se non sempre a fuoco, di Michel Gondry.

Non conoscevo il personaggio del Calabrone Verde. Ragione per cui stavo per scriverne come di un soggetto modeno che rovescia, nel distribuire i ruoli tra eroe principale e spalla, il classico canovaccio del mondo superoistico, ma poi scopro che The Green Hornet, storicamente, nasce, in clamoroso anticipo sulle mode dei character in calzamaglia e prima della creazione di Superman e Batman, addirittura nel 1938 (come trasmissione radiofonica) e ha avuto, già dai suoi arbori, film e serie televisive a lui dedicate (in una si segnala la presenza di Bruce Lee nei panni del suo aiutante).

Non fosse per il linguaggio abbastanza scurrile ed un'inaspettata scena splatter finale, sarebbe un film adattissimo ai bambini. Beh, per la verità a Stefano è piaciuto sopratutto per il linguaggio scurrile che è sfuggito al mio controllo e per la scena splatter finale.

Survivor

2011-11-07T04:46:00.002+01:00

Anthrax

Worship Music (Nuclear Blast), 2011

Nonostante il significativo ruolo nella storia del metal (con Metallica, Slayer e Megadeth tra i big four del thrash, in seguito tra i creatori del cosidetto rap-metal) a livello popolare gli Anthrax non sono certo i Guns 'n' Roses. Malgrado ciò gli otto anni trascorsi dalla pubblicazione del loro ultimo album (We've come for you all), i frequenti cambi di formazione e i ripetuti rinvii della release di Worship music hanno in una certa misura avvicinato le traettorie dei due combo.

Provo a rassicurare i fan della band, Worship music è meno cervellotico, maggiormente coerente e più lineare di Chinese democracy, i metallari newyorkesi hanno prodotto un'opera potente e brutale, ma che non si fa mancare aperture melodiche e richiami alle varie pelli che il gruppo ha mutato nel tempo. Positivo, nella cifra stilistica complessiva, il ritorno di Joey Belladonna il singer che ha caratterizzato gli episodi migliori della produzione Anthrax e che è succeduto all'interregno di John Bush.

Dopo un breve intro l'attacco dell'album pesta giù davvero duro e preciso con un classico sound thrash-metal che caratterizza interamente il primo trittico di tracce (Earth on hell, The devil you know e Fight 'em til' you can't, scelta come singolo che ha anticipato la release ufficiale del cd). Successivamente il tiro resta veloce ma concede di più alla melodia, I'm alive e In the end non sono poi così lontani dal sound duro ma accessibile di band come i Foo Fighters. Lo stesso (in termini di potenzialità commerciali) si può affermare per The giant, che, dopo un inizio costruito su un impetuoso rap, si apre ad un efficace refrain. Con Crawl, la traccia numero undici ad affacciarsi neanche tanto timidamente è il post-grunge. Niente da rimproverare comunque, il pezzo mi pare funzioni. La chiusura è per la lunga, apocalittica, cavalcata elettrica di Revolution screams, che si interrompe per una manciata di minuti di silenzio e poi riprende per conludersi con un accenno di rappin'.

Non sono nè fan nè esperto degli Anthrax, però, alla luce delle difficoltà (che facevano temere il peggio) incontrate dalla band per incidere questo disco mi sembra che l'abbiano sfangata abbastanza bene. Giudizio finale: tre pinte. La casa di riposo può attendere.

Album o' the week / Dark Angel, Time does not heal (1991)

2011-11-05T11:53:00.004+01:00

Non so a voi, ma a me mancano i Dark Angel. Il tormentato combo losangelino ha detto addio alle scene nel 1991, con la pubblicazione del capolavoro, già a partire dal titolo, Time does not heal, apoteosi del loro straordinario thrash-metal, di derivazione Slayer, Testament, Megadeth e naturalmente 'Tallica che, il caso vuole, proprio quell'anno abdicarono al genere che contribuirono a imporre nel mondo con (il pur'ottimo) black album. Ma tornando al disco, siamo davanti al classico esempio di monolite compatto dal quale si fa fatica ad estrarre singole tracce. Volendoci provare la scelta cadrebbe sulla poderosa title track; su Pain's invention, madness, su Psychosexuality e sulla conclusiva A subtle induction.

Violentemente nostalgico.

Once upon a time in Greece

2011-11-04T07:03:00.003+01:00

Avendo seguito un paio d'anni fa il fallimento della compagnia di bandiera ellenica, sono rimasto in contatto con qualche dipendente ora in mobilità. In particolare con uno, anziano, greco, da una vita in Italia, che ogni tanto passa a salutare.

L'altro giorno, vista la situazione di profonda crisi che sta attraversando il nostro paese, è stata l'occasione per una chiaccherata nella quale mi ha raccontato cosa sta succedendo in Grecia, dove lui torna occasionalmente.

Ebbene le sue storie mi hanno condotto lungo le strade più eleganti della capitale con negozi chiusi, attività in vendita o in affitto, attraverso un tour delle fabbriche dismesse, dei prelievi forzati sui conti correnti e sulle pensioni superiori ai mille euro.

Ma soprattutto mi racconta di come i tedeschi stiano facendo affari d'oro acquistando immobili e imprese a prezzi stracciati. Di come ci vorrà un orizzonte di tempo mostruoso per rialzarsi.

Non so se in qualche modo in lui ci sia un sentimento di rivalsa verso quanti, in Italia, con il premier che diceva che eravamo messi meglio della Germania, parlavano del suo paese con sufficienza ed ora sono davanti ad un analogo baratro, di certo mentre raccontava ho avvertito un'intenso legame con le sue storie e ho registrato in maniera molto netta la sensazione che non c'è niente come le difficoltà per avvicinare persone e popoli.

Catalogami questo! / 20

2011-11-02T11:08:00.004+01:00

Per Madchester s'intende una corrente musicale del rock e della dance sviluppatasi nell'area urbana di Manchester tra gli anni ottanta e gli anni novanta. Caratterizzata da una fusione di elementi dell'alternative rock, dell'acid house e del pop, la scena di Madchester si distingue da altre correnti ibride tra rock e dance, per le ritmiche ripetitive, una forte attitudine punk e le atmosfere psichedeliche. Mentre le strutture delle canzoni sono le classiche dello stilema della musica pop, gli arrangiamenti e l'attitudine sono moderni. Gli esponenti maggiori della corrente furono gli Stone Roses e gli Happy Mondays (pesantemente indiziati quali coniatori del termine, visto il loro EP Madchester Rave On del 1989) ma nonostante condividessero il titolo di maggiori esponenti di tale scena musicale, erano due band con due stili molto differenti: gli Stone Roses prendevano strutture del pop rock tradizionale, fondendole con il funk e il rock psichedelico, mentre gli Happy Mondays avevano sviluppato uno stile musicale che univa synth pop, dance, punk rock e hip hop, mantenendo un'impronta più vicina alla new wave.
In seguito la scena di Madchester venne inglobata nell'indie rock, grazie anche all'avvento commerciale dei The Charlatans e gli Inspiral Carpets. Nonostante ciò, la scena di Madchester tramontò con la fine degli anni novanta, quando le diverse band del genere si spostarono ad altre derive musicali.Tuttavia, il Madchester è stato molto rappresentativo per il britpop, ed ha influenzato band come gli Oasis, i Pulp, i Blur e i Suede.

wikipedia

A view to a laugh

2011-11-02T04:52:00.003+01:00

Johnny English è fondamentalmente un film basato sulle gags. Vietato dunque guardare i trailers prima di andare al cinema, visto che buona parte di esse sono concentrate lì, assecondando una pratica suicida che non ho mai capito. Detto questo, il ruolo del maldestro agente segreto è cucito addosso alla mimica e alla fisicità di Rowan Atkinson, il che a volte è un pò un limite, ma quando funziona è la marcia in più di una commedia che altrimenti mostra la corda. Da ricordare le scene con la vecchina, l'inseguimento sui tetti, il gran finale in svizzera.

Anche se la risata più convinta me l'ha strappata Stefano, quando intervenendo su una battuta del film in cui English dice ad un suo collega più giovane: "ci lavoravo sopra quando tu ancora portavi i pantaloni corti", mi ha dato di gomito sussurrandomi: - ah! vuol dire d'estate...-.

Outlaw tales, 2 di 4

2011-10-31T05:06:00.002+01:00

Hank III
Guttertown (Megaforce Records - Hank 3 Records), 2011

Dell'importanza di un disco come Straigh to hell (2006) ho detto fino allo sfinimento, aggiungo che, per impatto e rilevanza, se il tempo fosse galantuomo quel disco dovrebbe diventare per il country ciò che London Calling dei Clash fu per il rock. Non mi sono però mai addentrato nella discussione del secondo cd di quell'opera. Credo in effetti di averlo ascoltato una sola volta, e di non aver nemmeno resistito fino alla sua conclusione. La ragione è presto detta, quel bonus disc conteneva un'unica traccia di tre quarti d'ora, satura di fields recordings, spezzoni di dialoghi da film, abbozzi di melodie, ipotesi di canzoni. Sembrava più che altro un esperimento fine a se stesso, uno sgarbo alla casa discografica, uno stronzo depositato in bella vista nel salotto buono. Oltre a questo, doveva competere con la qualità mostruosa dell'album principale e dunque non poteva esserci partita.

L'idea di sperimentare sfondando a testate ogni tipo di steccato musicale doveva però essere un tarlo serio, se cinque anni dopo Hank decide di ripetere quell'esperienza, da un lato strutturandola meglio ma dall'altro non rinunciando alla stessa (in)sana vena psicopatica. Nasce così Guttertown, "lato B" del più canonico Ghost to a ghost, e folle campo da gioco di Williams dove l'unica regola è che non esistono regole.

L'opera, suddivisa in diciannove tracce, abbraccia diversi stili e tendenze, a tutti però viene riservato un medesimo trattamento trasfigurante. La voce di Hank è spesso fuori registro, a volte distorta fino a diventare diabolica parodia da cartone animato, quando non è semplicemente sguaiata, stonata o ad alto tasso di alcool. Nel disco vagano fantasmi di quelli che una volta erano generi musicali (country, tex-mex, blues, cajun) oggi tormentati spettri alla ricerca di riposo. La follia che pervade queste incisioni fa emergere più i Residents che Waylon Jennings, i pezzi sono alternati da intermezzi composti da rumori di fondo, che vedono protagonisti grilli, cicale, fruscio di torrenti, acciotolamento di piatti, flipper, portiere di auto che sbattono e dio sa cos'altro, neanche fossero skit di un disco hip-hop, della durata però non di pochi secondi ma di diversi minuti. Alcuni di essi, nella loro allucinata struttura, risultano magnificamente ipnotici (l'opener Going to Guttertown, The dirt road, The low line) altri appesantiscono l'ascolto, ma comunque, per ragioni irrazionali, risultano funzionali al contesto.

Le canzoni più convenzionali, se così vogliamo chiamarle, hanno un mood ossessivo e sghembo, sia nelle esecuzioni più sfrenate, come nel caso delle pirotecniche Gutter stomp (dove il nostro si cimenta anche con il francese), Musha's, Dyin'day, I'll be gone che in quelle più inquetanti e malsane, come ad esempio la spettrale Chaos queen. I pezzi che si avvicinano maggiormente alla tradizione country-folk sono probabilmente quelli eseguiti in coppia con Eddie Pleasant: I promised e sopratutto Move them songs, in totale approccio Johnny Cash.
Anche in Guttertown, come per Ghost to a Ghost, c'è spazio per le ospitate di Tom Waits e Les Claypool, spazio peraltro più coerente rispetto al loro ruolo nel primo cd. Così Fadin' moon avvolge le sue spire attorno alla voce dell'artista di Swordfishtrombone e la conclusiva With the ship è un tributo allo stile demenziale (perfettamente in linea con il contesto, quindi) di Claypool e dei Primus. Ci sarebbe anche la conferma di un'altra ospitata, quella di Trooper (in Trooper's chaos) che è, beh, il cane di Hank, i cui latrati erano già stati campionati in Trooper's hollar, traccia otto del GtaG.

L'opera nel suo complesso (e nella sua complessità) è molto border-line, e anzi, il confine che demarca un prodotto ostico ma accessibile da uno che provoca rigetto è verosimilmente superato, ma a parere di chi scrive contiene anche più idee, coraggio e creatività del progetto principale. Oltre che ovviamente la conferma che l'interprete soffre di varie patologie mentali.

Quattro su cinque di giudizio finale mi sembra la valutazione opportuna, ma la sensazione è che il voto si potrebbe anche ulteriormente alzare in caso di ascolto abbinato al consumo massiccio di sostanze stupefacenti (lo dico per ipotesi, non per esperienza personale).

Album o' the week / Black Sabbath, Reunion (1998)

2011-10-29T08:59:00.004+02:00

Alla fine (è proprio il caso di dirlo) e quasi fuori tempo massimo, i Black Sabbath originali sono riusciti a dare alle stampe il loro live ufficiale. C'è voluta la reunion del 1998, trent'anni dopo la formazione della band, ma ne è valsa la pena perchè il disco è perfetto. Il suono, la scelta dei pezzi, la voce di Ozzy, il coinvolgimento del pubblico. E pensare che nemmeno sapevo dell'esistenza di questo documento (mentre avevo il dvd The last supper, docu-concert che testimonia lo stesso tour). Sedici pezzi più due inediti in studio, che dovevano costituire l'ossatura per un nuovo album di inediti arenatosi presto per il riaffiorare delle incomprensioni tra i quattro.

MFT,ottobre 2011

2011-10-28T07:03:00.000+02:00

ASCOLTI

Hank III, Ghost to a ghost / Guttertown
Red Hot Chili Peppers, I'm with you
Ry Cooder, Pulll up some dust and sit down
Mariachi el Bronx, omonimo
Tom Waits, Bad as me
Anthrax, Worship music
Mastodon, The hunter
Black Sabbath, Reunion
Artisti Vari, The lost notebooks of Hank Williams
Ryan Adams, Ashes and fire
Tesla, Twisted wires and the acoustic sessions
David Bowie, Heroes

Wilco, The whole love

VISIONI

Fringe, stagione uno
The walking dead, stagione due

LETTURE

Kurt Vonnegut, Madre notte
Anthony Kiedis, Scar tissue

Catalogami questo! / 19

2011-10-26T07:18:00.002+02:00

Il surf rock è un genere musicale, tra una delle forme più popolari del rock & roll americano dell'inizio degli anni sessanta. Era strettamente associato alla cultura del surf, la cultura giovanile nata in quel periodo sulle spiagge della California meridionale. Pur essendo suonato da musicisti bianchi e diretto ad un pubblico bianco, il surf fu profondamente influenzato dalla musica nera. La prima ondata di surf rock fu lanciata da Dick Dale ed il suo singolo Let's Go Trippin. Il singolo ebbe un successo considerevole limitatamente alla California; in seguito, tuttavia, ispirò altre band come The Chantays e Surfaris.

La seconda ondata del Surf è stata condotta dai Beach Boys, che aggiunsero lo stile Pop dei Four Freshmen ai ritmi di base di Chuck Berry al Surf. Gruppi come Jan & Dean e Ronny & the Daytonas si ispirarono alla corrente Surf, ma i Beach Boys sono considerati da molti, l'ultima band Surf, semplicemente perché, assieme alla musica, conservarono i testi trattanti il Surf e la Spiaggia.

Tuttavia, il sound del surf rock rimase un'ispirazione per i chitarristi degli anni sessanta ed il genere tornò popolare negli anni novanta, grazie ad alcune band che ripercorsero la strada dei loro predecessori, dando vita al Surf Revival, che fu un limitato fenomeno underground di gruppi più recenti che cercarono di ripercorrere le sonorità del surf degli anni sessanta. Tra i più grandi esponenti del Surf Revival troviamo Man or Astro-man?, Shadowy Men on a Shadowy Planet, Laika & The Cosmonauts, e The Mermen.

fonte: wikipedia

Messico solo andata

2011-10-24T04:36:00.002+02:00

Mariachi El Bronx

Omonimo (ATO), 2011

La copertina è in stile hip-hop, la band è emersa facendo hardcore, ma il genere contenuto nell'album è tradizionale messicano. The Bronx rappresentano una vera anomalia del panorama musicale americano. Nascono a inizio anni zero a LA come formazione di hardcore punk/hard rock (personalmente li accosto ai primi Warrior Soul) e con questa formula pubblicano tre dischi, tutti peraltro self-titled, senza nemmeno la classica progressione espressa in numeri romani per distinguere un lavoro dall'altro.

Poi nel 2009 l'incredibile svolta. Il gruppo, capitanato dal singer Matt Caughtran, abbandona il sound elettrico e veloce per superare il confine a sud degli States ed approdare alla musica popolare messicana. La ragione sociale cambia nell'inequivocabile Mariachi El Bronx e con questa sigla la band (ri)debutta ancora una volta con un album omonimo concedendo il bis giusto quest'anno. Non si tratta però di un'operazione alla celtic-metal (dove vengono contaminati elementi di musica irlandese con il metal), ma proprio una folgorazione, un omaggio alla tradizione musicale del paese di Villa e Zapata.

Per corroborare il sound i Mariachi El Bronx sono coadiuvati da una sezione di strings e di fiati. Fatta eccezione per la scelta della lingua (l'inglese invece del castigliano), il risultato finale è coerente, credibile. I pezzi migliori sono l'opener 48 roses, una Revolution girls che sorride allo ska, il tejano Norteno lights, lo splendido strumentale mariachi che riprende il nome del combo (traccia numero sei) , le suggestive Matador e Everything dies.

Sorprendente ed evocativo.

Album o' the week / Scorpions, World wide live (1985)

2011-10-22T10:34:00.003+02:00

Ricordo perfettamente quando comprai questo doppio live. Passai l'intero pomeriggio da Transex (negozio di dischi di Milano che nella metà degli ottanta passò abbastanza bizzarramente dall'essere punto di riferimento per i metallari a luogo d'incontro per le fans dei Duran Duran) indeciso se spendere tutte le mie finanze settimanali in World Wide Live o investire una somma minore in un altro album dal vivo, il più datato Tokyo Tapes. La scelta alla fine cadde sulla registrazione più recente, e mi regalò in seguito più di un momento di piacere. Il tempo passa, loro sono sempre pacchianamente uguali a se stessi, ma riascoltare Blackout, The zoo, Coming home, Still loving you e Another piece of meat qualcosa mi smuove ancora.

Occhio che la ristampa in cd ha qualche pezzo in meno.

Diary of a madman

2011-10-19T04:13:00.001+02:00

Diciamo la verità. Quello che cerchiamo nella biografia di una rockstar è sì la comprensione dei processi creativi che stanno dietro alle canzoni, ma anche e soprattutto i racconti di vita spericolata in nome della sacra triade sex, drugs and rock and roll.

Quanto c'è di questi elementi dentro l'autobiografia Io sono Ozzy? Beh, il rock and roll è presente, anche se in misura minore rispetto alle (mie) aspettative, il sesso è quasi del tutto assente (fatto salvo il capitolo che menziona i Motley Crue...) mentre la droga (e l'alcool), cazzo, quella scorre a fiumi, al punto di assumere il ruolo di vera protagonista di tutta l'opera.

Lo stile della prosa è molto semplice e immediato, pensieri brevi e nessun concetto troppo elaborato. La storia parte dall'infanzia di John Michael Osbourne ad Aston, periferia degradata di Birmingham. La famiglia numerosa, la povertà, i piccoli atti di delinquenza (culminati con un breve periodo di dentenzione), i lavori più umili, l'ascendente sempre più ingombrante dell'alcool, la scappatoia rappresentata da un annuncio per la formazione di un gruppo che porta a suonare il campanello di casa Osbourne i giovani Tommi Iommi e Bill Ward, evento che, con l'acquisizione di Geezee Butler (chitarrista convertito al basso) darà origine ai Black Sabbath. Ecco, questa è la parte del libro che maggiormente privilegia il fenomeno musicale a quello degli stravizi: la versione di Ozzy sul satanismo, il lavoro in studio, i suoi pezzi preferiti, i tour, le liti.

La successiva carriera solistica viene sviscerata solo per il periodo inizale dei primi ottanta. E' qui che si concentrano i fatti che hanno creato intorno ad Ozzy l'alone di mistero e pazzia che per diverso tempo gli ha concesso quel quid di notorietà in più. Storie al limite delle leggende metropolitane vengono finalmente spiegate ufficialmente: il morso al pipistrello, lo stesso trattamento riservato ad una colomba durante una riunione con una major, la pisciata sul muro di Fort Alamo (monumento nazionale) con relativo arresto. E' in questo orizzonte temporale che si verifica anche la tragedia (incredibile nella sua dinamica) della morte di Randy Rhoads.

Ma, come dicevo in apertura, è la dipendenza da droga e alcool il vero filo conduttore della vita di Ozzy. E quando parlo di droga mi riferisco a qualunque tipo di droga (fatta salva l'eroina) o farmaco, assunti in dosi pachidermiche per circa quattro decenni. Chiaramente gli effetti di questa addiction non sono solo roba cool da rockstar fuori di testa, ma anche puramente fisiologici (svenimenti, difficoltà a trattenere le deiezioni, perdita della memoria, incontrollabili esplosioni di violenza) che fanno di Ozzy Osbourne un autentico sopravvissuto da studiare in laboratorio.

L'ultima parte del volume si occupa degli anni zero, con la partecipazione di tutta la famiglia del singer al reality di MTV (The Osbournes, perlappunto) che ha regalato al madman più fama e soldi di tutta la sua vita da musicista.

Io sono Ozzy ha il merito di essere un libro scorrevolissimo da leggere e di non essere troppo agiografico nel descrivere la figura del suo protagonista, che infatti appare spesso tragicomica. A volte il racconto eccede un pò troppo in accondiscendenza rispetto ai conflitti umani passati (tipo "i miei ex compagni dei Sabbath mi hanno fatto del male, ma ora ho superato tutto e li perdono, anche se c'è ancora una causa in ballo su chi possa usare il nome della band...") risultando in quei frangenti un pò insincero.

In ultima analisi comunque il saldo (per gli appassionati di questo tipo di letture, ovviamente) è in attivo.

Hank è morto, viva Hank!

2011-10-17T04:38:00.001+02:00

Artisti Vari

The lost notebooks of Hank Williams (Columbia Records, Egyptian Records) 2011

Alla morte di Hank Williams, avvenuta il primo dell'anno del 1953 con modalità dissennatamente avvenneristiche (stecchito sul retro di un automobile che lo portava da una data del tour ad un'altra, in preda a polmonite, lancinanti dolori alla schiena provocati dalla patologia della spina bifida occulta di cui soffriva dalla nascita ed agli effetti derivanti da abuso di morfina e whiskey), fu trovata una cartella contenente alcuni blocknotes con appunti per una settantina di canzoni nuove. Alcune in stato avanzato di completamento, altre solo in fase embrionale. Considerato l'affetto e l'interesse che ancora oggi avvolgono la figura dell'artista country americano, la scoperta è sempre stata considerata come il ritrovamento di una vera e propria vena d'oro. C'è voluto però più di mezzo secolo perchè gli appunti venissero elaborati e diventassero musica. C'è voluto anche uno come Bob Dylan, che non ha mai nascosto il suo amore per Hank (come può testimoniare la sua partecipazione a Timeless, l'unico tributo ufficiale fin qui inciso per ricordare Williams), per prendere le redini del progetto e, analogamente a quanto fatto dai Wilco e Billy Bragg con le canzoni perdute di Woody Guthrie, dare forma all'opera.

La raccolta (dodici tracce, sotto i quaranta minuti di durata), si divide sostanzialmente in due filoni. Da una parte gli artisti che si sono calati nella parte di Hank Williams cercando di interpretare i suoi lasciti così come (verosimilmente) li avrebbe fatti lui e quelli che, invece, dalla traccia originale sono arrivati ad un risultato finale che rispondesse comunque alla propria, personale, cifra stilistica. Il risultato, in entrambi i casi, è altalenante. Il miglior pezzo della prima categoria è probabilmente quello di Alan Jackson, che apre il lavoro. You've benn lonesome too è totalmente calato nel più classico mood del compianto countryman, un lavoro dalla grande accuratezza storica da parte dell'attempato Jackson, che, lo ricordo, in America da un quarto di secolo, ad ogni concerto che fa, riempe gli stadi. La stessa certosina attenzione alla verosimiglianza storica ce la mette Jack White, con You know that i know, altro highligh del disco. Tra i brani che escono dal classico schema compositivo del maestro segnalo prioritariamente The love that faded, uno strepitoso valzer irlandese prestato alla voce dolente e ferita di Bob Dylan; How many times have you broken my heart, intensa ballata di Norah Jones, I'm so happy i found you di Lucinda Williams, You'll never again be mine di Levon Helm (potrebbe essere una outtake di Music from the big pink della Band) e il lento acustico Blue is my heart di Holly Williams, unica del numeroso clan familiare di Hank a far parte del tributo.

Il contributo degli artisti coinvolti ha coperto un orizzonte temporale di cinque anni dalla prima all'ultima canzone consegnata. Un lavoro dunque lungo e, inevitabilmente, discontinuo, disomogeneo. Un'opera per la quale si sarebbe potuto osare maggiormente in quanto a cast (ovviamente sto pensando ad Hank III, ma anche a Mike Ness) ed evitare partecipazioni poco significative come quella di Sheryl Crow. Dovendo scindere la valutazione finale: massimo dei voti all'operazione di recupero storico, qualcosa in meno al risultato nel suo complesso.

Album o' the week / Hootie and the Blowfish, Cracked rear view (1994)

2011-10-15T06:16:00.003+02:00

Hootie and the Blowfish sono il classico esempio di rock melodico americano. Cantante con vocione da patata in bocca, suono pieno (chitarra/basso/batteria/tastiere), brani dalla presa immediata ma non privi di personalità. La loro attività discografica ha coperto il decennio che è andato dalla metà dei novanta a metà anni zero, anche se il successo più colossale (un long seller da 16 milioni di copie vendute) è legato a questo disco d'esordio, dal quale furono estratti ben cinque singoli (Hold my hand, Let her cry, Only wanna be with you, Time e Drowning ). Quanto di più vicino dal prendere una freeway a bordo di una Caddy decappottabile.

Shame on us

2011-10-14T07:09:00.003+02:00

Lo smarrimento mi coglie ogni volta che metto piede sul suolo straniero. Francoforte: due giorni di trasferta per lavoro. A differenza dell'ultima volta, la sistemazione mi consente di girare la città. E così, in un contesto in pratica ricostruito da zero dopo i bombardamenti della seconda guerra mondiale, posso ammirare un traffico automobilistico inesistente anche all'ora di punta, una rete di mezzi pubblici (sotterranea e di superfice) così estesa da condurre ovunque, ogni marciapiede dotato di pista ciclabile, la metropolitana senza tornelli, tanto verde, la centralissima via pedonale dello shopping dove si può mangiare in un ristorante spendendo come in un fast food, strade affollate in larga parte da giovani, nessuna isteria. Un esempio concreto di città a misura d'uomo.

Non mi raccapezzo, ma perchè da noi non è possibile vivere in posti così? Avere servizi, poter davvero scegliere di non possedere un auto, non essere inesorabilmente uccisi dalle polveri sottili e dal monossido di carbonio? Non è esterofilia o retorica spicciola. Il confronto tra la civiltà di queste metropoli e le nostre è impietoso, imbarazzante. E destinato, temo, a non migliorare.

Protest songs

2011-10-12T07:35:00.014+02:00

Ry Cooder

Pull up some dust and sit down (Nonesuch, 2011)

C'è una ragione se nell'immagine del profilo del blog, deputata a rappresentarmi, c'è un tirannosauro che strimpella la chitarra. E la ragione è che in quanto a gusti musicali, nel mio apprezzare artisti e/o generi del passato, mi autodefinisco appunto un dinosauro. Pur consapevole dell'errore di fondo di questa filosofia (la musica va sempre avanti e non bisognerebbe mai fossilizzarsi a quanto fatto ma prestare attenzione alle novità, alle contaminazioni, agli artisti più coraggiosi e intraprendenti e all'innovazione, altrimenti saremmo ancora al ragtime), non riesco a correggere la rotta, soprattutto quando mi trovo davanti dischi che, propugnando stili antichi o marginali, alle mie orecchie suonano comunque moderni e coerenti.

Il vestito della premessa è cucito su misura per Pull up some dust and sit down, nuovo album di Ry Cooder. Il chitarrista californiano, da circa un lustro, e dopo una ventina d'anni di digiuno, ha ripreso a pubblicare dischi a prorio nome con una certa continuità. C'è da dire che nel periodo in cui non uscivano releases, nel suo eterno imsegnare/studiare ha consegnato alla storia tesori inestimabili come A meeting by the river, insieme a Vishma Mohan Bhatt; Talking Timbuktu con Ali Farka Tourè e il Buena Vista Social Club con tutto quello che ha significato per l'isola di Cuba e i suoi ottuogenari interpreti musicali.

I primi picchi di carriera però Ryland Peter Cooder li aveva toccati a metà settanta con lavori come Paradise and Lunch, Chicken skin music e il live Showtime nei quali esibiva una commistione di generi che danzava fuori e dentro il confine USA-Messico, tra tex-mex, folk e rock. Fino ad oggi pensavo che quei lavori fossero insuperabili, ma davanti all'album oggetto di questa recensione sono obbligato a ricredermi.

Pull up some dust and sit down non è esattamente un concept, ma un filo conduttore tra le varie canzoni (meglio dire storie) incluse esiste, ed è molto robusto. Mettendo meglio a fuoco i temi del già ottimo My name is Buddy del 2007 infatti, Cooder si occupa di temi sociali osservati dal punto di vista della gente comune. La crisi economica, la guerra, la povertà, il razzismo nei paesi occidentali, il punto morto in cui si trova la working class americana, così come li descriverebbe un autore che li vive ogni giorno, non uno scrittore della uptown. No banker left behind potrebbe essere la colonna sonora definitiva della crisi mondiale, suggestivo sottofondo alle immagini televisive degli impiegati in giacca e cravatta che uscivano dai grattacieli delle multinazionali con i loro effetti personali stretti al petto all'interno di una scatola di cartone. Musicalmente il pezzo è una festa per le mie orecchie, testo e ritornello sono irresistibili, Ry canta con voce da suonatore di strada e per stile il brano potrebbe far parte del miglior repertorio di Pete Seeger.

Con El corrido de Jesse James comincia il disco nel disco, quello dei pezzi tejano. Come dicevo mai avrei pensato di poter ascoltare brani che all'interno di questo genere uscissero vincenti dal confronto con quelli di quasi quarant'anni fa. Così è invece. El corrido de Jesse James, anche grazie all'apporto del vecchio fella Flaco Jimenez alla fisa e soprattutto di una sezione fiati messicana di dieci elementi, è una composizione che mozza il fiato, tanto è bella. Nel pacchetto di pezzi messicani fanno parte anche Christmas time this year, un tex-mex tanto scatenato nel ritmo quanto accompagnato da liriche drammatiche sulle ferite del corpo e dello spirito di alcuni reduci di guerra, e lo straziante lento Dreaming.

Altre gemme incastonate nel diadema sono la trascinante Quicksand, che se fossimo in un posto che privilegia la musica vera sarebbe un singolo/tormentone, il lento Simple tools e la diabolica I want my crown, che omaggia lo stile canoro caratterizzato da Tom Waits, mentre i gospels Baby joined the army e Lord tell me why possiedono nel DNA tracce evidenti della collaborazione tra il musicista di Los Angeles e Mavis Staples.

Discorso a parte merita John Lee Hooker for President perchè in questo brano avviene una magia: Ry Cooder si trasforma nel bluesman del Mississippi. Anche chi non conosce approfonditamente l'arte di Hooker identificherà dalla prima nota e dalla prima strofa l'inconfondibile stile di questo genio del delta blues, che nel brano racconta in prima persona il suo arrivo a Washington, alla Casa Bianca, l'orgoglioso sfoggio della sua personalità, dei suoi successi, delle sue influenze musicali. Un pezzo strabiliante nel quale è meraviglioso perdersi e che mi fornisce il pretesto per parlare una volta tanto non delle meraviglie della chitarra di Ry ma di come sia diventata versatile e capace la sua voce che nell'album si adatta perfettamente ai diversi stili presenti (che oltre a folk, blues,rock e tejano includono anche, per Humpty Dumpty World, un sorprendente reggae elettrico ).

Fa male al cuore leggere in una recente intervista che l'autore di Paris, Texas, uno dei più rilevanti artisti americani degli ultimi decenni, dichiari di non avere abbastanza risorse economiche per fare un tour fuori dai confini americani con la band al completo o anche semplicemente per arricchire il booklet del cd con la traduzione dei testi. Fa ancora più male registrare che il disco è passato pressochè inosservato non solo nei mercati discografici che contano ma persino nelle chart di genere. Siccome, senza peccare di presunzione, ritengo di poter distinguere tra un disco di roots geniale e uno di maniera, sono arrivato alla conclusione che il problema non sia tanto la marginalità del genere quanto la posizione politica dei testi. Esprimere concetti di eguaglianza, di denuncia nei confronti dell'establishment, dei media e delle corporazioni, orientarsi su posizioni socialiste non fa bene alle vendite negli USA, nemmeno nel ventunesimo secolo. Nemmeno se i potenziali acquirenti stanno in fila per il sussidio di disoccupazione.

Non mi sorprenderebbe però se tra qualche anno canzoni come No bankers left behind venissero usate come slogan dai manifestanti, cantate in faccia alla polizia davanti agli uffici di Wall Street, in un filo rosso che collega questo autore, questa canzone, quest'opera a Pete Seeger, Woodie Guthrie e Leadbelly e alle loro We shall overcome, This land is your land e Midnight special, le protest songs che, volente o nolente, fanno parte del patrimonio musicale americano.

P.S. In merito alle tematiche dell'album segnalo la dettagliata scheda di presentazione di wikipedia

Album o' the week / The Adventures, Sea of love (1988)

2011-10-08T09:41:00.004+02:00

La formazione nordirlandese degli Adventures, attiva da metà degli anni ottanta ai primi novanta e poi sparita dal mercato discografico, era autrice di un pop maturo, orchestrale e arioso, con anche tematiche a sfondo sociale. Sea of love è forse il suo disco di maggiore successo, con le prime tre tracce (Drowning in the sea of love, You don't have to cry anymore e sopratutto Broken land) a girare bene come singoli. Un album che occasionalmente mi piace recuperare.

45506

2011-10-07T07:50:00.003+02:00

L'amico Matteo ha scritto sul suo blog un'analisi impietosa sullo stato di conservazione dei beni culturali e del patrimonio ambientale italiano, brutalizzati tra tagli di spesa, disinteresse alla cultura e incompetenza acclarata. Nel nostro piccolo possiamo fare qualcosa di concreto? Sì, leggete come.

Un paio di considerazioni

2011-10-06T07:41:00.004+02:00

uno - Stamattina, in fila alla cassa del bar per cappuccio e cornetto. La tele è accesa ma non ci faccio caso. Colgo però le parole di un gruppo di persone dietro di me. - Hai sentito? E' morto stiv jons -. A dirlo è una ragazza sui venticinque agli altri suoi colleghi. Ma guarda un pò, penso, è morto il chitarrista dei Sex Pistols ed è argomento di conversazione tra giovani moderni, roba da non credere. E infatti. Sto per unirmi ai commenti della combriccola quando mi cade l'occhio sulla tv e sul TG1 che parla della dipartita di Steve Jobs. Mi spiace eh, ci mancherebbe, ma è tutto dannatamente nella norma.

due - Non una rettifica del mio post precedente ma un aggiornamento. La commissione giustizia della camera ha approvato l'emendamento sulla pubblicazione delle intercettazioni. Viene rimosso l'obbligo di rettifica per i blog o i siti che non siano testate giornalistiche (a tal proposito wikipedia Italia si era auto-oscurata, dichiarando attraverso un comunicato che potete vedere qui, le ragioni della protesta), per le quali il vincolo invece permane. Così come viene confermato il carcere per i giornalisti che pubblichino intercettazioni fuori dai periodi prestabiliti dalla legge. No, dico, il carcere per i giornalisti eh. Tipo in Siria.

Per inciso, io sarei anche propenso a pensare che una regola sulle intercettazioni telefoniche da rendere pubbliche sia opportuna, ma il problema è sempre lo stesso, se ne parla e si interviene perchè c'ha un problema il premier. E guardate che non è un particolare da poco.

Outlaw tales, 1 di 4

2011-10-05T04:44:00.003+02:00

Hank III
Ghost to a ghost (Megaforce Records - Hank 3 Records), 2011

Il momento che molti lettori del blog temevano è arrivato. Sì, perchè con Ghost to a ghost comincio ad inoltrarmi nel fitto delle quattro releases che il nipote di Hank Williams, nonchè mio prediletto outlaw country singer, ha dato alle stampe lo scorso cinque settembre. A chi dà per scontata (legittimamente, viste le mie recidive) una recensione a senso unico, un florilegio di consensi, suggerisco però di andare avanti a leggere, perchè stavolta le cose potrebbero non andare come preventivato.

Album numero 7 (di cui cinque nell'ultimo lustro) della discografia ufficiale di Shelton Hank Williams, questo lavoro è presentato in doppio ciddì. Essendo però due album stilisticamente e concettualmente agli antipodi uno dall'altro e avendo io maturato nei loro confronti valutazioni differenti, mi prendo la libertà di separane le recensioni.

Ghost to a ghost doveva essere un importante punto di (ri)partenza nella carriera dell'autore del Tennesse. Dopo l'agognato raggiungimento della data di scadenza del contratto con la Curb Records (firmato nel 96 a 24 anni e durato quindici anni) infatti sembrava potesero cadere tuti i vincoli artistici che la label imponeva al musicista e di conseguenza che la creatività di Hank potesse fluire copiosa. Queste perlomeno erano le aspettative, enfatizzate peraltro dalle dichiarazioni dello stesso Williams, dal suo entourage e dalle community di fans.

Quello che invece abbiamo di fronte è semplicemente un buon lavoro, che ha però un grosso e a questo punto paradossale limite: quello di risultare già sentito. Qualcuno potrebbe parlare di conferma di uno stile, altri di noiosa ripetitività, di certo c'è che il disco segue pedissequamente lo schema classico dei lavori di Hank sia nei generi presentati (sostanzialmente neotraditional country con qualche richiamo al southern) che nelle tematiche di riferimento (isolamento sociale, derive da alcolismo e tossicodipendenza, maschilismo esasperato, armi da fuoco e smargiassate). Non lo scopriamo oggi, questo è il DNA dell'artista. Il problema è che in passato i sopracitati elementi erano sostenuti da ottime, in qualche caso straordinarie composizioni, qui invece, e torniamo al succo del mio ragionamento, il sonwriting comincia a presentare delle crepe, l'autoreferenzialità si fa preoccupante.

Non c'è niente di sbagliato in pezzi come Gutter town, Day by day, Don't you wanna, Outlaw convention, non fosse che sembrano copie sbiadite di brani precedenti. Se in Dick in dixie, nell'epocale Straight to hell, o anche P.F.F. in Damn right rebel proud il turpiloquio era al servizio della storia, in Cunt of a bitch sembra un pò fine a se stesso, in una sorta di degenerazione, causata dall'abuso di crack, della vicenda cantata da Johnny Cash in Cocaine Blues. Anche coi lenti non ci siamo, sono lontani i brividi di Country Heroes, Not everybody likes us o Candidate for suicide: oggi The devil's movin' in e Time to die lasciano piuttosto indifferenti. Lo scat di Troopers Hollar con tanto di campionamento dei latrati dei cani è divertente ma nulla più. Se per molti ascolti il pezzo che più mi ha coinvolto è stato l'ospitata di Ray Lawrence jr, sconosciuto artista country a cui Hank ha vouto dare una chance di emergere ospitando nel disco due sue composizioni (all'interno di un'unica traccia, la numero cinque), dal tradizionalissimo ma prevedibile sound country folk, significa che l'empasse è seria.

Il pezzo che si staglia dalla media è probabilmente quello dà il titolo al disco, posto in conclusione del lavoro. Lì si torna a respirare l'aria della migliore ispirazione, magari anche per il cameo, sui secondi conclusivi, del maestro Tom Waits (per la verità nei crediti è segnalato anche Les Claypool ma io, boh, non lo sento).

In conclusione che dire, probabilmente alla macchina country della brigata Hank serve un tagliando, una sterzata, una sosta dal meccanico. C'è troppa gente che si è ridotta ad essere la copia di se stesso solo perchè è quello che il pubblico gli chiede. Spero non sia questa la strada che percorrerà uno che invece, fin qui, non ha mai temuto di scontrarsi brutalmente con il music buisness e i suoi sepolcri imbiancati. C'è da dire per fortuna che già a partire da Guttertown, la "seconda facciata" di questo doppio, le quotazioni del sudista debosciato tornano a salire. Ma, ahivoi, ci sarà tempo e modo per tornarci sopra.

La casa delle libertà

2011-10-03T04:13:00.003+02:00

Accelerazione. Quando gli rode il culo, loro accelerano. Il tema è quello degli interventi limitativi della libertà di stampa e di opinione, con la scusa della privacy. L'aspetto che ci riguarda più direttamente è quello che è stato definito, da quanti si oppongono alla sua introduzione, norma ammazza-blog. Come molti di voi sapranno questa norma, che andrà in discussione nei prossimi giorni con l'impegno di approvarla entro un mese, prevede che ogni gestore di "sito informatico" ha l'obbligo di rettificare ogni contenuto pubblicato sulla base di una semplice richiesta di soggetti che si ritengano lesi dal contenuto in questione. Non c'è possibilità di replica, chi non rettifica paga fino a 12mila euro di multa (Repubblica). In pratica viene equiparato il mio blog da poche visite giornaliere alle testate da centinaia di migliaia di copie o ai siti da milioni di click, con tutto quanto ne consegue anche dal punto di vista delle possibilità economiche (per il Corsera dodicimila euro sarebbero una caccola, io dovrei vendere un rene).

E ancora: ai fini della pubblicazione della rettifica, non importa se il ricorso sia fondato: è sufficiente la richiesta perché il blog, sito, giornale online o quale che sia il soggetto "pubblicante" sia obbligato a rettificare entro 48 ore (Repubblica).

Avevano visto giusto quelli de L'ottavo nano, la Libertà, termine tanto abusato nelle diverse ragioni sociali delle coalizioni dietro alle quali negli anni si è nascosto Berlusconi, è esclusivamente il diritto di fare, per lui e il suo cerchio magico, un pò quel cazzo che gli pare.

E speriamo di non dover rettificare...

Album o' the week / Ozzy Osbourne, Randy Rhoads Tribute (1987)

2011-10-01T09:47:00.003+02:00

Sbattuto fuori dai Sabbath, Ozzy si lancia nell'avventura solista. Trova un talentuoso guitar hero e ricomincia con la trafila album/tour. Il chitarrista è lo schivo Randy Rhoads che troverà purtroppo la morte a Leesburg, in Florida, nel 1982 proprio durante una pausa tra due concerti, in un modo tanto tragico quanto incredibile. Questo album, registrato durante il tour di Diary of madman, appunto nell'82 (ma pubblicato nel 1987) è un disco molto diretto e divertente: rispetto alla band di Iommi il sound è più fresco e veloce, grande partecipazione del pubblico e impegno da parte di Ozzy, che urlerà credo almeno una decine di volte "rakanroooaallllll!!!". Emozionante la foto immortalata sulla copertina.

Atto di fede

2011-09-30T04:57:00.002+02:00

Concepito come un vero e proprio saggio che si pone l'obiettivo di scandagliare e tradurre ai curiosi che ignorano il mondo metal, ma anche come testo di riferimento per adepti, L'estetica del metallaro di Luca Signorelli (omonimo del pittore ed ex redattore dell'edizione italiana di Metal Hammer) non colpisce il centro del bersaglio, ma risulta comunque una lettura originale e fitta di citazioni che coniugano felicemente cultura alta e bassa.

Il libro è strutturato per argomenti/sezioni che affrontano diversi aspetti della musica metal. Il difetto principale del volumetto (149 pagine) è senza'altro quello di risentire molto dell'orizzonte temporale trascorso tra la sua pubblicazione (1996) e il panorama attuale, e di come questo inevitabilmente influisca sulle valutazioni storiche in seno agli esperti del genere. Chiaramente questo elemento non si può imputare al suo autore, ma, per fare un esempio, dovessimo oggi parlare dei 25 album metal più rilevanti degli ottanta e dei novanta, difficilmente parleremmo degli GWAR, degli Accept o dei Raven come invece Signorelli fa nella lista in coda al libro. Lo dico da un punto di vista oggettivo, al netto dei gusti personali che ovviamente sono sacri. Un altro aspetto che è presente ma che avrebbe potuto essere ampliato è quello delle missive che i lettori inviavano a Metal Hammer. Chi ha letto per un pò le riviste metal sa che spesso le mail erano la parte migliore di quel tipo di stampa e dare maggiore spazio all'idea di utilizzarle avrebbe forse giovato alla scorrevolezza della lettura.

Poi c'è il fatto che in qualche occasione l'autore (non so quanto provocatoriamente e quanto invece per convincimento) si spinga in giudizi netti quantomeno discutibili, come quello sui Clash, definiti sostanzialmente un gruppo di merda o sulla deriva dei Metallica il cui black album viene liquidato come un'opera che qualunque garage band avrebbe potuto incidere. In compenso, e in questo rilevo un certo snobismo, si pontifica sulla musica degli Anal Cunt o sull'impatto pop-culturale di band come i GWAR. Fa un pò parte del kit del critico massacrare fenomeni di massa e celebrare band inascoltabili, ma insomma alla lunga il gioco risulta stucchevole.

Per cui alcuni capitoli del libro provocano noia per eccesso di nozionismo cerebrale (la parte sui cartoni animati giapponesi o "We are the roadcrew") o irritazione per palese contrasto con le opinioni espresse (ad esempio il capitolo sui Metallica o i giudizi reiterati sui Clash), ma in altri la lettura è realmente appassionante e "istruttiva" ( segnalo "40 motivi per odiare il metallo"; "Le mutande di peluche" o "Death Metal parte 2").

Al netto delle critiche che ho qui sommariamente elencato, L'estetica del metallaro è comunque una lettura consigliata a quanti vogliano approfondire i temi correlati alle moderne musiche popolari, anche attraverso un testo tranciante, provocatorio e un pò verboso. Sarebbe interessante, questo sì, un suo seguito aggiornato all'era internettiana.

Of gods and hammer

2011-09-28T04:30:00.001+02:00

Il Thor che Stan Lee e Jack Kirby presero a prestito dalle tradizioni nordiche per le colorate tavole degli albi Marvel dei sessanta, venne mandato in esilio sulla terra per scontare la sua arroganza ed imparare, è proprio il caso di dirlo, a stare al mondo. Nel farlo, suo padre Odino racchiuse il potente fisico del figlio nel gracile corpo di un mortale, il medico zoppo Donald Blake. Blake poteva trasformarsi in Thor battendo a terra il bastone che di norma usava per sorreggersi. Un lampo e l'eroe con il martello era pronto a tuffarsi in ogni perigliosa avventura. In questo modo il duo di autori più prolifici di fumetti mainstream USA ha tentato di applicare anche al personaggio divino il suo schema classico: "super-eroi con super problemi". La storia di Donald Blake/Thor andò avanti un bel pò. Fino alla fine degli ottanta se non ricordo male.

Poi arrivò un bel restyling dell'immagine del dio del tuono, i grandiosi Walt Simonson e John Buscema jr alle matite e l'identità mortale del figlio di Odino venne definitivamente accantonata lasciando tutta la scena al biondo vichingo. Thor è stato a lungo tra i miei comics preferiti, il reame di Asgard, il ponte dell'arcobaleno, la minaccia di Ragnarock (l’apocalissi), i complotti di Loki, ma anche il ruolo del divino tra le fila dei Vendicatori, l’epica del suo linguaggio,l'accuratezza maniacale delle tavole di Kirby: questo personaggio aveva tutto per appagare la fantasia di un ragazzino con la testa perennemente tra le nuvole.

La trasposizione sul grande schermo, dopo più di un progetto accantonato, è stata affidata a Kenneth Branagh, che da un certo punto di vista rappresenta un'ottima scelta. Certo, non è uno specialista di film d'azione (tanto di azione in questo film, per esser un prodotto con super-eroi, c'è il minimo sindacale) ma si muove a suo agio tra complotti di corte, lotte intestine, tradimenti e fratelli coltelli, data la sua lunga esperienza teatrale e cinematografica, davanti e dietro la macchina da presa, con le opere di Shakespeare.

Il god of thunder è interpretato dal poco noto ma opportunamente bello e muscoloso Chris Hemsworth, mentre tra i comprimari spiccano Anthony Hopkins (Odino), Natalie Portman (Jane Foster), Stellan Skarsgard (un collega della Portman) e Rene Russo (moglie di Odino), oltre all'ormai immancabile apparizione finale di Samuel L. Jackson nei panni di Nick Fury.

L'incipit del film segue a quello dei comics, Thor viene esiliato sulla terra per punizione, a differenza delle tavole di Kirby e Lee (che come consuetudine si ritaglia un minuscolo cameo) però non viene utilizzato alcun alter-ego mortale (anche se il nome di Donald Blake ciccia comunque fuori). Il possente dio arriva in New Mexico privato del suo martello e della sua divina forza, ma in tutta la sua prestanza fisica. In breve ovviamente imparerà l'umiltà e conoscerà l'amore, giusto in tempo per affrontare la terribile minaccia del Distruttore, una sorta di golem inarrestabile inviato a fare danni sulla terra da Loki, fratellatro malvagio del biondo, e per tornare ad Asgard che sta per fare una brutta fine sempre a causa di Loki (che purtroppo non indossa il meraviglioso costume gialloverde dei fumetti).

Il giudizio finale è positivo, è chiaro che ormai gli studios hanno preso la mano con i profili degli eroi Marvel, se proprio vogliamo, come già accennato, la spiegazione dei personaggi e lo sviluppo della storia si mangia un pò di azione (non dimentichiamo che si tratta di un prodotto d'evasione!) in compenso non manca una buona dose d'ironia e di leggerezza nei dialoghi (almeno in quelli che avvengono su Midgard...). Io l'ho sicuramente apprezzato, anche perchè con questo recupero ho chiuso il cerchio dei personaggi che faranno parte dei Vendicatori, nell'omonimo film in uscita in primavera-estate prossima, Stefano credo meno, per via del fatto che mi sono comportato da perfetto matusa, sfinendolo di spiegazioni.

Try again, dude!

2011-09-26T04:39:00.003+02:00

Jeff Bridges
Omonimo, 2011 (Blue Note/EMI)

Non ho mai nascosto la mia grande ammirazione per Jeff Bridges, che considero uno degli attori più versatili, longevi e convincenti della sua generazione, oltre ad essere un tipo spontaneamente cool. Però nè questa mia fascinazione e neanche il voler puntualizzare da parte sua che l'uscita del secondo album solista (dopo l'esordio del 2000) non voleva sfruttare la fortunata scia di Crazy Heart (film del 2009 nel quale il nostro interpretava appunto un cantante country) riescono a convincermi della buona fede, in quanto a tempismo, dell'operazione discografica. Operazione condotta, ed è un secondo indizio, da T-Bone Burnette, il Rick Rubin dell'americana, produttore anche della pellicola di cui sopra. E' pur vero che Bridges da sempre si diletta con la chitarra, ma insomma...

Metto su il disco e la partenza sembra spazzare via in un attimo dubbi e perplessità, What a little bit of love can do è un pezzo stupendo, arioso e coinvolgente, nel mood ricorda le cose migliori di Tom Petty & Heartbreakers. Un inizio coi fiocchi. La vera natura dell'opera è però un'altra: quella dei pezzi lenti, acustici e introspettivi. Lo si mette a fuoco con Falling short, il primo di essi, mentre Everything but love ha di buono che fa apprezzare la voce calda e baritonale di Bridges ma poco altro. Si prosegue così, senza grandi brividi, al punto che ritrovi a pensare "dài, non è male da tenere in sottofondo mentre fai altro", frase che per me è sempre stata applicata a dischi prescindibili.

Di questo sofferto passo bastano il semplice giro di chitarra di Blue car o Maybe i missed the point, aggraziata ballata country rock alla Lucinda Williams, che di per se non sarebbero niente di trascendentale, a far alzare il sopracciglio.
Un ultimo gioiellino comunque l'album lo regala, si tratta della conclusiva The quest, semplice ma efficace ballata che spicca sulle altre, forse per merito di un ritornello di quelli che si ficcano in testa.

Sì insomma. Bridges è un grande attore e un personaggio notevole, ma questo forse non basta per fare di lui anche un cantante di livello. La personalità che lo contraddistingue sul grande schermo qui affiora poco e in misura discontinua, nonostante il grande dispendio di risorse nella produzione (oltre al già citato T-Bone compaiono in vesti di vocalist Ryan Bingham e Rosanne Cash) e nella promozione dell'album.

Senza rancore, eh Jeff?

Prestigio internazionale

2011-09-25T05:49:00.000+02:00

"Il premier italiano Silvio Berlusconi è qui a New York. Auguri, se cercate una prostituta!"

David Letterman ad un suo recente show.

Album o' the week / Hank Williams, 40 Greatest Hits (1978)

2011-09-24T09:47:00.000+02:00

Non si può amare la musica e non possedere almeno un disco di Hank Williams. Per colmare l'eventuale lacuna, questa raccolta di quaranta pezzi, pubblicata nel 1978 in occasione dei venticinque anni della sua morte, è un ottimo inizio. Raccoglie i suoi successi dal dopoguerra al 1953, anno della sua tragica dipartita a soli ventinove anni per una polmonite non curata. Alla faccia di chi considera Hank unicamente come artista country le tracce contenute nel greatest hits raccontano un'altra storia, quella di un genio assoluto che si muoveva a suo agio anche tra proto-rock and roll; hillbilly, folk e attraversando un labirinto di emozioni quali ironia, solitudine, divertimento, disperazione. Diversi brani sono diventati icone della musica popolare americana, più volte riprese da molte generazioni di artisti. La lista di quelli che hanno rifatto, tra le altre, Cold, cold heart; Hey good lookin'; Your cheating heart; I'm so lonesome i could cry; I'll never get out of this world alive, è infatti pressochè infinita.

Puffate al cinema

2011-09-23T07:30:00.007+02:00

Mancava giusto il loro, di approdo sul grande schermo. Chissà quanto si sentiva la necessità di trasferirli dalle tavole di Peyo (e anche dai cartoni) ai moderni multisala mondiali. Il risultato finale, per ciò che riguarda la versione computerizzata degli omini blu è positivo e a tratti sorprendente, la storia invece, essendo destinata a bambini in età di scuola d'infanzia è quel che è. Ma onestamente non era nemmeno lecito aspettarsi di più.

Informami questo!

2011-09-22T08:27:00.004+02:00

Avete notato? Sui telegiornali di Rai 1 e Canale 5 le estorsioni subite da Berlusconi sono sempre presunte, mentre le tangenti di cui è accusato Penati non hanno condizionale alcuno (sarà anche colpevole ma non c'è stato ancora nessun processo). Ah! La libera informazione...

MFT, settembre 2011

2011-09-21T07:03:00.004+02:00

ASCOLTI

Hank III, Ghost to a ghost / Guttertown
Red Hot Chili Peppers, I'm with you
Incubus, Monuments and melodies
Counting Crows, August and everything after live at Town Hall
Black Sabbath, Vol. 4
Ozzy Osbourne, Randy Rhoads tribute
Giorgio Canali, Rojo
Primus, Green naugahye
Ry Cooder, Pulll up some dust and sit down

LETTURE

Ozzy Osbourne, Io sono Ozzy
Luca Signorelli, L'estetica del metallaro

Bitter pill

2011-09-19T04:24:00.002+02:00

Red Hot Chili Peppers
I'm with you (Warner Bros, 2011)

Si può anche far finta che sia come la prima volta. Si può fare come le donne che si concedono ai loro partner, gli stessi da vent'anni, immaginando, per farsi forza, di essere lì con, chessò Viggo Mortensen, invece che con un tizio che ha più i peli sulla schiena che capelli in testa e che ansima come un furgone scassato che arranca in salita.

Ecco, l'approccio con il nuovo dei Red Hot è stato un pò così. Eccitazione iniziale da lunga astinenza (per il sottoscritto è stata superiore ai cinque anni che hanno separato I'm with you da Stadium Arcadium del 2006, visto che mi sono tenuto talmente alla larga da quel disco che non l'avrei toccato nemmeno con un bastone di due metri), ulteriormente amplificata da qualche primo articolo favorevole(probabilmente marchette) di giornale, e poi dopo qualche ascolto il ritorno alla dura realtà: della band che abbiamo adorato è rimasto purtroppo solo tanto mestiere.

Intendiamoci, l'album non è brutto, però risulta innocuo, inoffensivo. Il che da un certo punto di vista è pure peggio: se ci sono voluti cinque anni per pubblicare un disco così, significa proprio che per i Red Hot Chili Peppers la notte ancora addà passà.

Perso per la seconda (definitiva?) volta Frusciante e assunto tale Josh Klinghoffer alla chitarra, il gruppo ha molto astutamente consegnato le chiavi della macchina a Flea. Il lavoro con il basso del piccolo pepperone dà inizialmente la sensazione di essere tornati indietro nel tempo, ma quando ci si rende conto che Rubin (alla produzione) si è limitato ad alzare il volume dello strumento una spanna sopra quello degli altri per cercare di far fare un figurone anche a normalissime progressioni , il bluff è svelato, ed è come svegliarsi dal torpore e tornare a fissare la schiena pelosa di cui sopra. In aggiunta a ciò, contrariamente a quanto mi è capitato di leggere in giro, non ho notato neanche grosse evoluzioni nella voce o nel modo di interpretare i brani di Anthony Kiedis e francamente Josh Klinghoffer e la sua chitarra mi sembra giochino un pò a nascondino nella struttura dei levigatissimi brani.

Tutto da buttare dunque? Beh, mettendo da parte le grandi aspettative andate deluse, un pezzo che avrebbe potuto stare senza sfigurare nei grandi album dei peppers forse si trova e si chiama Brendan's death song.

Poi, volendo, forse avrebbero potute essere delle oneste B-side dei periodi migliori Factory of faith; Annie wants a baby, Look around , Did i let you know (non fosse altro per il break di tromba) e Happiness loves company.

Un pò pochino per un lavoro di quattordici tracce, ma liberissimi di pensare che il tempo sia tornato a Mother's milk.

Album o' the week / Black Sabbath, Master of reality (1971)

2011-09-17T09:09:00.006+02:00

Un doveroso avvertimento: questo potrebbe non essere l'ultimo disco dei Black Sabbath che, con una scusa o un'altra, vi propinerò. E' già qualche settimana infatti che sono ragionevolmente in fissa con la band di Iommi e Osbourne, al punto che sto anche leggendo l'autobio del folle singer inglese.

Ma torniamo a Master of reality, al quale mi sto dedicando dopo che il debut album della band e il successivo Paranoid sono entrati a far parte della mia ipotetica lista di album da isola deserta. Ebbene, il terzo capitolo dell'oscura avventura sabbatiana prevede almeno quattro pezzoni: Sweat leaf, After forever, ma soprattutto Children of the grave e la conclusiva Into the void. Sarà anche vero, come sostengono i detrattori dell'arte di Iommi, che il chitarrista (ricordiamo che a causa di un indiente giovanile in fabbrica ha solo tre dita e mezzo della mano che usa sul manico della chitarra) ripete sempre lo stesso riff, ma, cazzo, a-v-e-r-c-e-n-e!

Atlantic City, Italia?

2011-09-16T07:56:00.005+02:00

Atlantic City, anni venti. Il proibizionismo è alle porte, ma nella città del divertimento della costa est sembrano non preoccuparsene troppo. Enoch Thompson, il tesoriere del posto, sta tenendo un discorso in un'assemblea di morigerate donne di chiesa ovviamente favorevoli all’embargo agli alcoolici. L’uomo politico le blandisce raccontando una storia sui danni dell’alcolismo e sulla forza di volontà. Le femmine presenti pendono letteralmente dalle sue labbra. Uscendo dal convegno risponde alla sua guardia del corpo (Jimmy Darmody) che lo schernisce sulla veridicità dell’aneddoto che: - la verità non può rovinare una bella storia - . Poi estrae una fiaschetta dal cappotto, si fa un goccetto e sale in macchina diretto ad un casinò a far baldoria.

Atlantic City, la Las Vegas della East Coast, triste e fredda cattedrale del divertimento , raccontata splendidamente da Springsteen e da Luis Malle, rispettivamente nella canzone su Nebraska e nel film con la Sarandon, viene riportata ai suoi fasti di inizio secolo, quando era una sorta di oasi di illegalità a poche miglia da New York, nella quale corruzione, prostituzione, gioco d’azzardo, alcol e droghe si trovavano in misura maggiore che sale nel mare e venivano consumate al ritmo del più scatenato e sensuale ragtime.

La storia ruota attorno al ruolo di factotum di Enoch "Nucky" Thompson (un portentoso Steve Buscemi) che ricopre la carica di tesoriere ma che in realtà controlla tutto e tutti, polizia, sindaco e consiglio cittadino. E’ amato e rispettato dalla popolazione, fa molta beneficenza e al tempo stesso gestisce i casinò e traffica nel commercio illegale di whiskey anche attraverso rapporti con la mafia (interlocutori un imberbe Al Capone, Lucky Luciano e il boss Arnold Rothstein). Attorno a lui il tormentato reduce dalla grande guerra Jimmy Darmody come guardia del corpo, il fratello Elias Thompson a capo della polizia. Alle sue costole agente FBI Nelson Van Alden, fanatico religioso. Al suo fianco la dolce ma enigmatica Margaret Shroeder.

Ci fosse qualcuno che ancora nutre dubbi sulla dignità sempre crescente che i serial stanno sviluppando rispetto al grande schermo, beh con questa produzione si toglierebbe le ultime remore. A partire dal cast, su tutti un grandioso Steve Buscemi che finalmente ha la possibilità di esprimersi in un ruolo diverso dal quello che di sfigato/maldestro/incapace che gli avevano cucito addosso, Michael Pitt inquietante e statuario; una Kelly MacDonald dalla grande espressività, Shea Wigham che lavora per sottrazione e uno diabolico Michael Shannon. La produzione è di Martin Scorsese (che ha anche diretto il pilota) e Mark Wahlberg. La sceneggiatura è di Terence Winter, già dietro alla macchina da scrivere per i Soprano. Un grande dispendio di mezzi per la ricostruzione delle location e per la fotografia.

Alla base della storia ci sono il doppiogiochismo, i vizi privati e le pubbliche virtù, il prezzo che evidentemente secondo Winter ognuno dei protagonisti della storia, a seconda delle situazioni, ha o deve pagare. Una nemmeno tanto velata metafora della politica di oggi. Oltretutto, per noi italiani disgustati dalle vicende politiche e personali del premier è difficile non tracciare un parallelo tra il personagio di Buscemi che tiene in equilibrio aspetto pubblico (cattolico, sempre sorridente nei bagni di folla, un dollaro di mancia per tutti e una storiella alla bisogna) e affari privati (stravizi, complotti, malaffare, ) con quello di Berlusconi.

Everything in it's right place

2011-09-15T04:15:00.002+02:00

Sono giorni nei quali sono avvelenato con i miei... oddio amici non sono, compagni neanche... facciamo "colleghi" vah, ecco, con i miei "colleghi" degli altri sindacati. Con il loro immobilismo, il loro benaltrismo, il loro perdigiornismo. Ma santa madonna, allora non c'è bisogno di tirare in ballo i parlamentari per agitare la vergogna del distacco dalla vita reale da parte di chi dovrebbe rappresentare i cittadini. Già nel microcosmo delle aziende, per quella che è la mia esperienza, si può avere una bella fotografia nitida a dodicimila pixels. Brutta gente, credetemi. Persone che non solo non assumono mai un'iniziativa politica, di coinvolgimento collettivo, di tutela complessiva, ma che addirittura ostacolano le tue. Che si muovono nell'ombra prendendo a braccetto i lavoratori alla macchinetta del caffè o in spogliatoio, sempre bisbigliando e promettendo, mai esponendosi pubblicamente o in situazioni di limpidezza.

Che differenza c'è con i vari scilipoti? Lì (in parlamento) la gente li ha votati (non loro, il simbolo del partito, grazie al porcellum), qui si sono iscritti spontaneamente (o "spintaneamente"?) all'organizzazione. Da un certo punto di vista dunque peggio per chi li ha scelti. Da un altro con tutta sta zavorra sulle spalle non ci tiriamo fuori più dalla palude in cui stiamo affondando.

L'avvelenamento odierno scaturisce anche dal fatto che ho collegato una tessera in più del mosaico e che il quadro d'insieme presenta così una sconcertante coincidenza: tutti e dico tutti questi pseudosindacalisti aziendali di cisl, uil, ugl e compagnia cantante sono politicamente schierati con il pidielle. Questo elemento alla fine è illuminate. Non solo immobilismo quale strategia sindacale nazionale, ma anche accondiscendenza individuale allo scempio in atto.

Ma allora aridateci i sindacalisti da camera cafè, almeno loro facevano ridere, mentre questi solo incazzare.

Catalogami questo! / 19

2011-09-14T07:53:00.004+02:00

Lo swamp rock è una forma distinta di roots rock originario del sud degli Stati Uniti. Ebbe tra i suoi ispiratori Dale Hawkins. I Creedence Clearwater Revival sono definiti da molti il primo gruppo swamp rock, ma il genere è associato anche ad autori come Tony Joe White e altri musicisti come Larry Jon Wilson, Jim Dickinson, Travis Wammack, J.J. Cale, Bobbie Gentry, Lynyrd Skynyrd, e più recentemente i Deadboy and the Elephantmen contribuirono a definire le sonorità swamp rock. Diventò popolare nel rock americano dei primi anni settanta. Lo stile musicale è caratterizzata da vari generi come blues, soul, rock and roll e testi sono tipici del southern rock.

Nessuna paura

2011-09-12T04:30:00.006+02:00

Anvil

Juggernaut of justice (The End Records, 2011)

Una volta tanto non mi devo sbattere a cercare definizioni barocche al genere musicale oggetto della recensione: questo è heavy-metal. Un solido, colossale, monolitico blocco di heavy-metal. A partire dai riff da headbeangin' passando per i testi epici per finire con la struttura dei brani, il nuovo full-lenght degli Anvil trasuda metallo da ogni microsolco.

Lips e Robb, colonna vertebrale,muscoli e sangue del corpo Anvil hanno fatto compiere alla loro creatura un altro passo in avanti. Bene ha fatto probabilmente l'impietosa autoanalisi dell'imperdibile documentario biografico di due anni fa, visto che questo Juggernaut of justice risulta maggiormente convincente rispetto a This is thirteen, la cui tormentata gestazione è raccontata nel film.

Con questo album infatti, sembra che Lips abbia completato l'operazione di recupero di autostima in se stesso e nella band, dando alla luce una feroce cavalcata di pezzi già classici, ispirati e poderosi, che vedono nella title-track, in When hell breaks loose, On fire, Turn it up, Running, Not afraid i suoi episodi migliori.

Velocità, riff e solo non hanno un attimo di pausa per tutta la durata del disco, fino alla penultima traccia, l'oscura Paranormal e a Swing thing, un imprevedibile e strepitoso strumentale in odore di jazz-metal che chiude il lavoro (in realtà il cd si trova anche in edizione limitata con tre bonus tracks).

Juggernaut of justice è in sintesi un disco di genere, classico e convincente. Niente di nuovo o rivoluzionario, solo robusto e ottuso metallo che ti fa maledire i pochi capelli in testa perchè ostano ad un headbangin come si deve.

11 settembre

2011-09-11T10:34:00.002+02:00

Ricorre oggi l'anniversario di una tragedia che ha coinvolto il popolo di un intero paese, segnando a cascata la politica internazionale per molti anni a venire. Una tragedia drammaticamente annunciata dalla seguente dichiarazione:

« Non vedo perché dovremmo restare con le mani in mano a guardare mentre un Paese diventa comunista a causa dell'irresponsabilità del suo popolo. La questione è troppo importante perché gli elettori cileni possano essere lasciati a decidere da soli. »
(Il segretario di stato americano Henry Kissinger a proposito dell'elezione di Salvador Allende in Cile nel 1970)

L'11 settembre 1973 il generale Pinochet, alla guida dell'esercito cileno, prese il potere con un colpo di Stato cingendo d'assedio il Palazzo Presidenziale, attaccandolo via terra e bombardandolo con dei caccia Hawker Hunter di fabbricazione britannica. Allende morì nel corso dell'attacco, per suicidio secondo la tesi ufficiale.

Pinochet si mosse subito per consolidare il suo controllo contro ogni opposizione. Il 13 settembre, la giunta militare sciolse il Congresso. Nel frattempo, progettando l'eliminazione di tutte le forze di opposizione lo Stadio Nazionale venne temporaneamente converito in una immenso campo di concentramento.

All'interno dello stadio, in quei mesi, avvenivano torture e interrogatori violentissimi, moltissime donne vennero stuprate dai militari addetti al "campo". Approssimativamente 130.000 individui vennero arrestati nei seguenti tre anni, con il numero di "scomparsi" (desparecidos) che raggiunse le migliaia nel giro di pochi mesi. Moltissime di queste persone sono state uccise, alcune lanciate dagli aerei in stato semicomatoso, spesso accompagnati da sacerdoti che "benedicevano"(...).

la scheda completa su wikipedia